Hoy se han abierto las puertas del nuevo espacio expositivo de la galería Pedro Cera en Madrid, ubicado en el número 13 de la calle Barceló. La expansión de la galería portuguesa coincide con la celebración de sus primeros 25 años de actividad y supone un paso importante en la internacionalización de la galería y también una apuesta por el mercado español.

“Hemos debatido esta idea en la galería y lo más natural ha sido elegir la ciudad de Madrid como sede para esta expansión, llevamos muchos años trabajando con el mercado español de arte contemporáneo”, afirma Pedro Cera.

Para la inauguración, Pedro Cera ha escogido la obra del  artista David Claerbout (Kortrijk, Bélgica, 1969), que presenta dos sugerentes vídeos de reciente creación: The Close (2022) y Birdcage (2023). El primero, ambientado en la década de los años veinte, periodo en el que la cámara se incorpora a la vida pública, se basa en imágenes de aficionados reconstruidas y representaciones en 3D de dichas imágenes. A través de esta pieza el artista cuestiona el papel de la memoria en la percepción visual. Tras una primera parte en silencio, que evoca las películas de cine mudo, los últimos minutos son de una gran intensidad emocional al introducir una interpretación de la pieza musical Da Pacem Domine de Arvo Pärt.

Por su parte, Birdcage, que se estrena con motivo de la exposición, toma como punto de partida las nociones de verdad óptica y materialidad digital para abordar los cambios y consecuencias de nuestra percepción alterada del tiempo y la realidad en la era digital. En esta película de 20 minutos una explosión silenciosa rompe la tranquilidad de un pintoresco jardín, transmitiendo una sensación de emergencia, una imagen perturbadora de violencia y dolor que se retrata como una experiencia meditativa: la vida y la muerte, la belleza y la destrucción.

La exposición incluye también una selección de pinturas inéditas sobre papel realizadas a lo largo del proceso de producción de las respectivas obras de vídeo, y cuya existencia física y naturaleza táctil crean una oposición material, temporal y conceptual a lo digital.

La programación de la galería, que representa a una nómina intergeneracional de 22 artistas de Europa, América Latina y Estados Unidos, se desarrollará indistintamente entre Madrid y Lisboa. Con la inauguración de la sede madrileña se multiplica la oportunidad de mostrar el trabajo de estos creadores, al mismo tiempo que abre la posibilidad de incorporar nuevos artistas a la programación actual.

Manuel Segade, nuevo director del Museo Reina Sofía, ha presentado su proyecto de Museo para los próximos cinco años; el que le hizo merecedor del cargo al imponerse al resto de candidatos en un concurso internacional el pasado mes de junio. Segade (A Coruña, 1977) reconoce recibir con agrado dos herencias: un museo que es una referencia internacional en el ámbito del arte contemporáneo ―no ha faltado en su intervención la mención a los que le han precedido en el cargo― y una programación para los próximos dos años concebida por su antecesor, Borja-Villel. Lejos de encontrar esto último un inconveniente, Segade señala que le permitirá trabajar con un poco más de tiempo en su propio proyecto y en la programación de los años siguientes, de la que no ha querido aún desvelar nombres, aunque sí ha avanzado que en esta nueva etapa se atenderá más a los artistas y la escena local. También a comisarios y agentes jóvenes de media carrera, que contribuirán con su participación a la renovación del panorama laboral de la cultura contemporánea en el país. Asimismo, ha señalado que el trabajo del director no solo se deja ver en la programación sino también en toda una serie de mutaciones en todos los ámbitos del Museo, que se irán haciendo palpables en los próximos meses, desde aquellas que tiene que ver con aspectos laborales del equipo a otras como pueden ser el diseño de mobiliario público para las zonas de descanso, la mediación o la acción social.

De lo que no hay duda es de que en esta nueva fase, además de trabajar por ofrecer un programa de arte y cultura contemporánea de calidad, la transparencia, la sostenibilidad, el consenso, el diálogo y la visibilización de las minorías serán destacados protagonistas.

“Los museos de arte contemporáneo no se vuelven feministas o preocupados por los temas de género, no se vuelven interesados por la diversidad étnica, racial o económica, ni se interesan súbitamente en demandas sociales concretas, sino que estos temas están en el corazón de las prácticas artísticas que definen su sujeto ―que no objeto― institucional”, señala Segade.

La colaboración con agentes, instituciones y centros de investigación y pensamiento, así como la multiplicación de vínculos y redes entre los diferentes departamentos del Museo, estarán entre las líneas de actuación prioritaria, así como incentivar la participación de la sociedad civil y la construcción de redes.

Habrá cambios en la Colección, comenzando por hacerla más accesible al público en lo que a su recorrido se refiere, racionalizando el espacio y utilizando como salas de Colección aquellas plantas de obligado recorrido circular. Se revisará la articulación de los más de 24 000 fondos para ofrecer todos los relatos posibles; y, frente a la temporalidad lineal de la Historia convencional, se atenderá a otras modalidades temporales subalternas, como la de los trabajadores culturales, los flujos coloniales, las lecturas de género o la historia regresiva que deben permitir ampliar las narrativas de presentación. Entre las novedades más significativas estará la introducción de las artes vivas en las salas del centro, activando performances que formen parte de la Colección.

En este sentido, el nuevo director del Reina Sofía contempla que en la programación del Palacio de Velázquez, en el Retiro, que seguirá dedicada a exposiciones monográficas, tengan más peso las artes vivas y la performance. El Palacio de Cristal, por su parte, continuará reservándose para proyectos específicos de artistas, estimulando así la producción y fomentando la supervivencia del tejido creativo.

La apertura del Museo a los diferentes públicos será también prioridad en esta nueva andadura. Entre las acciones para lograrlo se plantean, por ejemplo, hacer más visible al público general el trabajo del departamento de restauración, aumentar las visitas a los talleres o, una de las medidas que seguro más llamará la atención del público joven, la inclusión de otros formatos de exposición y actividades vinculados a la cultura popular y a fenómenos musicales como el trap. Transversalmente, la nueva web semántica, el refuerzo de los múltiples canales de comunicación y formas discursivas o la inclusión de voces procedentes de los distintos ámbitos de la cultura española con los que los diferentes públicos se puedan identificar serán otros vehículos para llegar a más personas.

Segade, que otorgará un papel más destacado a la arquitectura poniendo en valor los edificios, trabajando en una mayor sostenibilidad en los mismos y permitiendo un mayor uso público de espacios como las terrazas y el jardín, ha anunciado también la creación de un Comité Asesor de Arquitectura y Diseño, del que forman parte Juan Herreros, Andrés Jaque y Marina Otero Verzier.

El artista valenciano Manu Blázquez es el ganador del décimo Premio Ankaria al Libro de Artista, por su obra Grand pas de deux, en la que ha continuado sus investigaciones artísticas en torno a la búsqueda de sistemas que conjuguen conceptos fundamentales de espacio y tiempo.

El segundo galardón ha reconocido a la autora catalana Mercè Soler, por Cosas que nunca te dije, mientras que el Premio Javier Rosón, destinado a obras de jóvenes creadores menores de 28 años, ha distinguido a la argentina Carla Gaparrini por Camino.

A esta convocatoria de la Fundación Ankaria concurrían 290 propuestas de otros tantos artistas, procedentes de una treintena de países.

El Premio está dotado con 3.000 euros para la primera obra seleccionada, 1.500 euros para la segunda y 1.000 para el ganador de la modalidad Javier Rosón, además de la inclusión de las piezas premiadas en la exhibición itinerante «La Palabra Pintada». Hasta ahora han recibido el galardón Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018), Ana Soler (2019), Carlos Irijalba (2020), Rosa Velasco Ringeling (2021) e Ignasi Abasí (2022).

Bajo el comisariado de Nerea Ubieto y hasta el 10 de noviembre, la Galería de Arte A Ciegas presenta la exposición «Enhebrar el vacío», de María Ortega. Consta de creaciones textiles en las que la artista experimenta con volúmenes y cuerpos casi escultóricos para ahondar en aquello que concede a las personas, y a su fisicidad, fragilidad y vulnerabilidad.

Resultan especialmente significativos, en ese sentido, los proyectos Transformaciones, Autorretrato y Blackout. El primero muestra dos momentos de un capullo de flor, lleno y vacío, en referencia al propio proceso de gestación de la artista; el segundo, una escultura de seda y algodón, vuelve a hacer alusión a su cuerpo y a la protección de los órganos que sentimos más relevantes, y el último, una serie fotográfica, aborda nuestra necesidad de comunicación y calma tanto hacia dentro como hacia fuera.

El pasado 16 de septiembre, Abel Azcona presentó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid el proyecto VEINTICUATRO ACCIONES DE VANGUARDIA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX. Deriva, discurso y reacción, un homenaje al pasado de la performance española que comisarió Óscar García García.

El artista navarro reactivó esas veinticuatro piezas, concediéndoles un peso discursivo renovado y sin distanciarse de sus procedimientos, durante ocho horas consecutivas; los homenajeados fueron Esther Ferrer, Fina Miralles, Jordi Benito, Pepe Espaliú, Joan Casellas, Walter Marchetti, Marceli Antunez, Juan Hidalgo, Bartolomé Ferrando, Itziar Okaritz, Isidoro Valcarcel Medina, Santiago Sierra, Paz Muro, Tere Recarens, Concha Jerez, Angels Ribé, Nieves Correa, Carles Santos, Pere Noguera, Cabello/ Carceller y Pedro Gahrel.

Esta propuesta llega poco después de que Azcona cerrará 2022 con sendas muestras en la Sala Amós Salvador de Logroño y el Real Teatro Carré de Ámsterdam; en la primera abordó la complejidad de sus relaciones con su padre y en la segunda, comisariada por Marina Abramović, cerró el diálogo continuo que en sus obras y exposiciones viene manteniendo con su madre biológica, prostituta y heroinómana. Una retrospectiva del conjunto de sus acciones en torno a la paternidad, la maternidad, el maltrato y el abandono podrá verse en el Centro de Arte La Panera de Lleida a partir del 28 de octubre.

Hasta el próximo 28 de octubre, F2 Galería acoge la muestra de Pere Llobera «Los mecanismos del humor». Este artista barcelonés la ha concebido como ensayo pictórico sobre la relevancia y capacidad subversiva del humor, al que concede una relevancia fundamental como componente de nuestra personalidad.

A través de él, explica, pueden romperse expectativas: Cazarlo demuestra reflejos intelectuales así como capacidad de reformulación. También se trata de un importantísimo filtro entre las personas, que no involucra al dinero, el sexo, la raza, sino la capacidad de transgresión.

La Fundació Mies van der Rohe de Barcelona, junto a LAB 36 y la Galería Senda, presenta hasta el 8 de octubre Psicoarquitectura, una intervención temporal del artista y arquitecto Óscar Abraham Pabón que profundiza en la materialidad de este Pabellón desde una dimensión interpretativa y psicológica. Relaciona este autor los dibujos de sus paredes con las manchas del test de Rorscharch; sobre el estanque de este espacio podremos contemplar un muro de tierra cocida en cuya superficie cala el dibujo de una nueva mancha reflejada en el agua.

Para Pabón, el bloque de arcilla será un objeto de interpretación: aborda el muro como una superficie capaz de trasladar al exterior dimensiones internas. Su presencia remite, además, al pasado constructivo del material y a su papel en la arquitectura y el urbanismo del siglo XX.

De Appel, centro de arte contemporáneo en Ámsterdam fundado en 1975 por Wies Smals y abierto a la investigación, ha anunciado que en 2024 trasladará su sede de Schipluidenlaan 12 a Tempel Broedplaats, espacio cultural situado en el barrio de Diamantbuurt de la capital holandesa. En su nueva ubicación continuará con sus proyectos culturales en curso y lanzará, también, nuevos programas.

La zona de Diamantbuurt se caracteriza tanto por la diversidad de sus habitantes como por la de sus iniciativas en materia cultural; el equipo de De Appel seguirá interactuando con las comunidades locales y con escuelas.

La Comunidad de Madrid ha concedido su Premio Apertura 2023 a la artista portuguesa Fernanda Fragateiro por su pieza escultórica As Found 2, que forma parte de la muestra «Escola clandestina» en la Galería Elba Benítez. Esta obra será adquirida por el Gobierno regional y pasará a formar parte de los fondos del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles; su autora recibirá un galardón en metálico de 15.000 euros.

El Premio se destina a reconocer la calidad de uno o más artistas que participen en cada edición anual de Apertura Madrid Gallery Weekend, la cita con la que la Asociación de Galerías Arte Madrid inaugura la temporada expositiva de otoño. Se concede a trabajos en cualquier técnica y disciplina y sus ganadores tampoco tienen límite de edad.

El jurado ha valorado la contribución de Fragateiro a la investigación en la relación entre arquitectura, problemática urbana y social; también el hecho de que hasta la fecha esta artista, de trayectoria relevante, no estuviese representada en los fondos del CA2M.

Su exhibición en Elba Benítez tiene como eje esculturas creadas a partir de escombros de edificios demolidos en Lisboa en el transcurso de la actual fiebre inmobiliaria en la capital portuguesa; para Fragateiro, las huellas de memoria histórica que contienen esos fragmentos apuntan a la ruptura, frecuentemente violenta, entre las ideologías pasadas y la realidad de hoy. Al recuperarlos para componer obras escultóricas autónomas (junto a otros elementos compositivos, varios encontrados y otros de nueva fabricación) y despojarlos de su función inicial, Fragateiro incide en sus cualidades formales y materiales, además de llamar nuestra atención sobre los asuntos sociales, políticos y económicos que encapsulan.

Por otro lado, las abstracciones geométricas que contienen, a la vez toscas y delicadas, hacen referencia a veces a planos arquitectónicos: algunas están directamente basadas en planos de planta de Lotte Stam-Beese, una de las primeras mujeres en estudiar arquitectura en la Bauhaus y una figura fundamental en el desarrollo urbano de Rotterdam tras la Segunda Guerra Mundial, lo que recalca los vínculos entre los ciclos históricos y la estratificación conceptual.

El Museo Nacional del Prado ha anunciado hoy que la poeta, ensayista y traductora Anne Carson, Premio Princesa de Asturias de Las Letras en 2020, ofrecerá la Conferencia José Pedro Pérez-Llorca 2023: la cita será el 19 de octubre, a las 19:00 horas, en el Auditorio de la pinacoteca, y en su taquilla podrán recogerse las entradas a partir de las 18:00 horas.

Su intervención llevará por título Duda y se basará en su contemplación del Perro semihundido de Goya, moviéndose en distintas direcciones; dice la canadiense: Cada vez que miro a este perro pienso en la duda. Y cada vez que pienso en la duda me pregunto qué es, en realidad, pensar.

Profesora de Literatura Clásica y Comparada de la Universidad de Míchigan, la trayectoria de Carson quedó marcada por el hallazgo de una edición bilingüe de los poemas de Safo en una librería: La visión de las dos páginas yuxtapuestas, una de ellas un texto impenetrable, pero de gran belleza visual, me cautivó y compré el libro.

Especialista en la cultura y las lenguas clásicas y en literatura comparada, antropología, historia y publicidad, su producción conjuga estilos, referencias y formatos, y también se caracteriza por la hibridación de lo grecolatino, lo medieval y lo contemporáneo. Equipara traducción y creación: Si supiera qué es la poesía no tendría necesidad de escribir. Es algo que busco a tientas en la oscuridad. El Museo describe sus escritos como un collage entre poesía, disertación, ensayo y drama, con aportaciones ocasionales de ópera.

Su primer libro fue Eros (1986), una meditación en torno a la naturaleza del amor romántico y el deseo erótico en forma de fragmentos en prosa que se entremezclan con versos. Después llegarían Short Talks (1992), Plainwater (1995), The Glass Essay (1995), Autobiography of Red: A Novel in Verse (1998), Economy of the Unlost: Reading Simonides of Ceos with Paul Celan (1999), Men in the Off Hours (2000), The Beauty of the Husband (2001), If Not, Winter: Fragments of Sappho (2002), Decreation: Poetry, Essays, Opera (2005), Red Doc> (2013) y Float (2016).

Doctora honoris causa por la Universidad de Toronto, además del Princesa de Asturias ha obtenido el Premio Lannan de Poesía (1996), el Pushcart (1997), el Premio T. S. Eliot (2001), el PEN Award for Poetry in Translation (2010) y el Griffin Poetry Prize (2014).

Llamazares Galería inaugura, mañana en Gijón, la primera exposición en Asturias de la fotógrafa peruana Cecilia Paredes: «El sendero de Dafne».

Esta artista, que ya participó con ese espacio en la edición de 2022 de la feria mexicana ZonaMaco, exhibirá en Asturias un proyecto creado específicamente para Llamazares compuesto por imágenes centradas en la relación de la naturaleza y el cuerpo. Buena parte de su trabajo se basa en la yuxtaposición visual de su autorretrato con los patrones y la superficie que quedan debajo de él; podemos decir que sus composiciones aúnan la performance, la pintura, la escultura y la literatura y que en ellas la piel se hace lienzo, el cuerpo deviene escultura y la presentación del yo busca la trascendencia.

La Galería Cayón presenta, en sus dos espacios madrileños y a partir del 14 de septiembre, su segunda individual del artista holandés Jan Dibbets, considerado padre y maestro de la fotografía conceptual. Ha dedicado su producción al estudio de la representación en un mismo plano de los fenómenos visuales de la realidad.

Podremos ver algunas de sus series más relevantes en relación con el cromatismo y en evolución entre sí: hasta mediados de los setenta investigó la percepción y el carácter empírico del color a través del proyecto colorstudies, imprimiendo las imágenes al mayor formato que le permitía la tecnología de la época y, cuarenta años más tarde, valiéndose de las técnicas digitales actuales, que posibilitan ampliaciones extremas, ideó monumentales estudios de color abstractos que llamó New Color Studies (2010-2014).

Basó Dibbets esa serie en negativos de carrocerías de automóviles que tomó justamente en 1976, dando lugar a grandes superficies de color abstractas mediante la descontextualización (por su representación en primer plano) de un detalle de la imagen inicial -el capó de un Saab del que se adivinan las curvaturas de las chapas, los reflejos y otros accidentes que, contemplados en tal cercanía, inciden en el carácter conceptual de la disciplina fotográfica-.

Así, los New Color Studies se nos enseñan en combinación con los Colorstudies originales creados en los años setenta, constituyendo manifestaciones de una realidad postfotográfica en la que el sistema informático consigue tramas pixeladas y enigmáticas.

La Fundación Marta Ortega Pérez. MOP ha anunciado ya a quién dedicará su tercera muestra en el espacio expositivo con el que cuenta en el Puerto de A Coruña: se trata del fotógrafo germano-australiano Helmut Newton, de cuyo fallecimiento se cumplirán dos décadas en 2024.

La exhibición llevará por título «Newton – Fact & Fiction», podrá visitarse del 18 de noviembre de este año al 1 de mayo de 2024 y seguirá la estela de sus anteriores proyectos sobre Peter Lindbergh y Steven Meisel. Organizada junto a la Fundación Helmut Newton, serán sus comisarios Philippe Garner, experto en fotografía; Matthias Harder, vicepresidente de dicha Fundación; y Tim Jefferies, director de la Galería Hamiltons.

Sabemos que, además de una selección de su obra centrada en la moda, podremos ver vídeos que muestran al artista trabajando o conversando; imágenes personales ligadas a su infancia, su carrera y su relación con su esposa June; y documentos como carteles, cámaras, accesorios, objetos curiosos y recuerdos. Su producción se caracterizó por un lenguaje visual osado y desacomplejado, por la querencia por el desnudo desafiante y también por su atención al retrato: por su objetivo pasaron Andy Warhol, David Bowie, Margaret Thatcher, Charlotte Rampling, Elsa Perretti, Daryl Hannah, Jerry Hall, Naomi Campbell, Yves Saint Laurent o Karl Lagerfeld. A A Coruña llegarán, asimismo, fotos menos conocidas, como las captadas en paisajes cercanos a los lugares donde transcurrió su carrera: París, Los Ángeles, Montecarlo, Berlín, Viena o Las Vegas.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy que Teresa Lanceta será la galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas de este año, dotado con 30.000 euros.

El jurado la ha escogido atendiendo a su reivindicación de las tradiciones creativas asociadas a la mujer; en palabras del Ministerio, “por una práctica artística sostenida en el tiempo que rescata un lenguaje femenino, vernacular y colectivo” y desde la voluntad de «reconocer a una generación de mujeres y a la técnica del tejer como un lenguaje, un código primigenio de la humanidad alejado de lo patriarcal mediante el cual ha entrado en contacto con las culturas de diversos colectivos, como la población romaní, las tejedoras nómadas marroquíes o las vecinas del Raval”.

Se subraya, asimismo, que “Lanceta revisa la idea moderna de autoría dirigiendo su práctica hacia formatos colaborativos; tradiciones artísticas y formas de vida con las que ha mantenido un diálogo a través de sus tapices, pinturas, dibujos y su teorización”.

Nacida en 1951 en Barcelona, esta autora es licenciada en Historia por la Universidad de Barcelona y doctora en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido docente de la Escuela de Arquitectura de Alicante y de la Escola Massana de Barcelona y, desde la década de los setenta, su producción se basa en el uso del textil como forma de expresión, desdibujando intencionadamente el límite entre la artesanía y el arte. Le interesan tanto la exploración formal como las cuestiones materiales y técnicas ligadas a los tejidos, así como las tradiciones y formas de vida vinculadas al acto de tejer.

Sus tapices, pinturas, dibujos y teorías artísticas establecen lazos con la cultura de distintas poblaciones que guardan una relación directa con la tradición textil, como la población romaní o las tejedoras nómadas de Marruecos; ha investigado, igualmente, la alfombra española del siglo XV y el trabajo de las mujeres en la industria tabaquera, y sus obras han podido verse en exposiciones organizadas por instituciones nacionales e internacionales como el MACBA, el IVAM, el MUSAC, la Academia de España en Roma, la 57ª Biennale de Venecia, la 11ª Bienal del Cairo o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

El jurado del galardón ha estado presidido por Isaac Sastre de Diego, director general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte, y vicepresidido por Mercedes Roldán Sánchez, subdirectora general de Museos Estatales. Lo constituyeron Rogelio López Cuenca, Premio Nacional de Artes Plásticas 2022; María Jesús Martínez Pérez, directora del Institute Art Gender Nature de Basilea; Marta Rincón Areitio, gestora cultural; Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano; Soledad Gutiérrez, investigadora y comisaria de exposiciones; Agustín Pérez Rubio, comisario independiente; Aurora Fernández Polanco, catedrática de Teoría e Historia del Arte Contemporáneo de la Universidad Complutense de Madrid y Nekane Aramburu Gil, gestora cultural, museóloga y teórica nombrada a propuesta de Mujeres en las Artes Visuales.

La próxima semana las galerías de Madrid, Barcelona, Valencia, Palma de Mallorca y Sevilla vivirán el arranque de su temporada artística, que irá acompañado una vez más por la iniciativa ARCO GalleryWalks, visitas guiadas gratuitas organizadas por la Fundación ARCO.

Las primeras tendrán lugar en Barcelona, coincidiendo con la celebración de Barcelona Gallery Weekend, cita organizada por la asociación Art Barcelona; los recorridos se desarrollarán los días 16 y 17 de septiembre.

Más tarde, una semana después de la celebración de la 14ª edición de Apertura, podremos participar en visitas a las galerías de la capital del 20 al 23 de septiembre, y del 27 al 30 del mismo mes. El público, con inscripción previa, conocerá las propuestas de las salas de los barrios de Centro, Chueca, Letras, Salamanca, Salesas, y Dr. Fourquet.

Por su parte, la nueva temporada en Valencia también será inaugurada en Abierto València –del 22 al 29 de septiembre-, evento organizado por LAVAC, y los recorridos de la Fundación ARCO discurrirán entre el 22 y el 24 de septiembre. Serán cuatro las rutas que se ofrecerán al público, diseñadas por un equipo del Máster Global Art Market de Barreira A+D.

Por último, como parte de la programación de la Nit de l´Art mallorquina, que dará comienzo el 23 de septiembre, se inician las rutas por Palma, organizadas en colaboración con Art Palma Contemporani y el Ayuntamiento de Palma, y los ARCO GalleryWalks llegarán a Sevilla los días 29 y 30 de septiembre, en el marco de Contemporánea Sevilla Gallery Weekend.

Esta es la información práctica de los recorridos:

BARCELONA
Fechas: 16 y 17 de septiembre 2023.
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: aquí

MADRID
Fechas: del 20 al 23 y del 27 al 30 de septiembre 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: arcogallerywalk@ifema.es

VALENCIA
Fechas: del 22 al 24 de septiembre 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: aquí

PALMA DE MALLORCA
Fechas: desde el 29 de septiembre hasta el 28 de octubre 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: aquí

SEVILLA
Fechas: 29 y 30 de septiembre de 2023
Inscripción gratuita hasta completar el aforo.
Prioridad reserva para Amigos ARCO.
Contacto e inscripciones: contemporanea@sevillagalerias-agas.org.

Desde el pasado 1 de septiembre, y hasta el 14 de octubre, Santander acoge su quinta edición del Festival PHotoESPAÑA, que esta vez cuenta con una docena de exposiciones, además de una sesión de visionado de porfolios y varias actividades para todos los públicos. La fotografía española contemporánea y la hecha por mujeres adquieren protagonismo en esas muestras.

La Biblioteca Central de Cantabria alberga «Atlas», una retrospectiva de Miguel Trillo y sus imágenes urbanas desde los setenta; el Museo de Altamira nos ofrece el proyecto «Cartographie Éphémère» de Mendia Echeverría, protagonista de una reciente exhibición en la galería madrileña Cámara Oscura, y el CDIS nos descubre los archivos de Marie Høeg y Bolette Berg, dos artistas y activistas que en el siglo XIX desafiaron roles de género y convenciones sociales.

Espacio Alexandra, Siboney y Juan Silió son las galerías que participan en el Festival OFF, con propuestas de Estíbaliz Sádaba Murgía, Ciuco Gutiérrez y Carlos Saura, respectivamente, y son sedes invitadas el Centro Botín, el Centro Cultural Doctor Madrazo, el Hotel Real, La caverna de la luz y la Librería Gil.

El primer espacio acoge «Me paraliza la esperanza«, proyecto de Roni Horn que reflexiona sobre el proceso de devenir en relación con la identidad y el lugar; Doctor Madrazo cuenta con la muestra «Paisaje, gesto y postura», una acción fotográfica de la Asociación Rincones de Cantabria; el Hotel Real exhibe fotografías en blanco y negro de Miguel Soler-Roig en las que este autor rinde homenaje a las palmeras de la ciudad de Santander y en La caverna de la luz nos espera Xenia Fuentes Lozano. Partiendo de una fotografía intimista, y valiéndose del autorretrato y el desnudo como géneros, la artista explora los cambios sutiles que el paso del tiempo y los cambios de luz producen en el hogar.

Por último, la Librería Gil ha colgado el trabajo de Rocío Segura Mi ventana de Brooklyn, que analiza arquetipos de belleza cuidando al máximo la puesta en escena de sus imágenes.

El Premio BMW de Pintura, que este año celebra su 38ª edición, cuyo plazo de inscripción finalizó el pasado julio, cuenta con un nuevo jurado formado por figuras reconocidas del ámbito de la pintura y del arte en general: se trata de Antonio López, pintor y también escultor y dibujante; Miguel Zugaza, actuar director del Museo de Bellas Artes de Bilbao, que lo fue del Prado; Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, fundadora y presidenta de la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo; Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en Madrid, y Lucía Casani, directora de la Fundación Carasso desde esta misma semana (anteriormente desarrolló el mismo cargo en La Casa Encendida). Ellos serán los responsables de aportar su criterio y experiencia a la hora de seleccionar las obras premiadas entre las que se han presentado a este certamen, abierto tanto a la pintura más académica como a los formatos y lenguajes contemporáneos.

En sus casi cuatro décadas de trayectoria, el Premio BMW ha desarrollado un rol relevante como puente entre el arte y la sociedad en España, difundiendo la importancia del arte y la cultura como herramientas de comunicación y expresión social. Desde 1986, más de 24.000 autores han optado a este galardón, cuyas actuales modalidades son la Pintura y el Arte Digital; a esta última concurrieron el año pasado setecientas piezas.

Los doce finalistas de esta última edición de la convocatoria se conocerán en octubre, y de ellos ocho competirán por el Premio BMW de Pintura y cuatro por el Premio BMW de Arte Digital. El acto de entrega tendrá lugar en noviembre en el Teatro Real, como es habitual con la presidencia de la Reina Doña Sofía y acompañado de un concierto a beneficio de la Fundación Mundo en Armonía, presidida por la princesa Irene de Grecia. A la ceremonia asistirán más de 1.000 personalidades del mundo de la cultura, la sociedad y la empresa.

El Grupo BMW busca, con este proyecto, contribuir a visibilizar el talento de nuestros artistas y el valor del arte y la cultura en nuestro país, además de impulsar el desarrollo de nuevas formas de expresión artísticas. La dotación global de la convocatoria asciende a 31.000 euros.

El verano de 2023 ha sido el más exitoso, en cuanto a número de visitantes, para el Museo Guggenheim Bilbao desde su apertura en 1997. Se han acercado al centro en estos tres meses 489.946 personas, 40.469 más que en el verano de 2022, una cifra récord, y la mayor parte de ellos lo hicieron en agosto (218.087).

Un 68% de dicho público fue internacional, destacando la afluencia de franceses, italianos, alemanes, holandeses y británicos y, hasta el 31 de agosto, la cifra global de asistentes a este espacio bilbaíno ha sido de 898.513 visitantes, un 15% más que el año pasado y un 7% más que en 2018.

Los visitantes veraniegos del Guggenheim han podido disfrutar de las exposiciones «Oskar Kokoschka. Un rebelde de Viena» (ya clausurada); «Lynette Yiadom-Boakye. Ningún ocaso tan intenso» (abierta hasta el 10 de septiembre) y «Yayoi Kusama: desde 1945 hasta hoy» (hasta el 8 de octubre).

El joven artista Samuel Guerrero, nacido en Ciudad de México en 1997, ha obtenido el Premio Art Nou 2023, concedido desde la primera edición de esta cita por La Capella, el espacio que el Institut de Cultura de Barcelona dedica a la creación emergente.

Guerrero ha sido galardonado por «Obsesionados con encontrar señales», muestra organizada por la Galería Cordova de Barcelona que analiza la posible apatía que pueden generar en la población asuntos como el deterioro ecológico o la desigualdad política y territorial (y la información sobre ellos), a la par que especula sobre futuros alternativos en los que quepan la intuición y la superstición.

La forman cuatro piezas: cortinas que se abren y cierran cada quince minutos, un árbol caído hallado en Montjuïc, una instalación en el suelo compuesta por hormigón agrietado que emite luz y de la que surgen plantas, y una pieza de audio que suena de manera intermitente. Con esos elementos ha alumbrado ese autor un espacio atemporal con elementos universales; la exposición puede visitarse hasta el próximo 16 de septiembre.

Asimismo, la Fundació Sorigué ha concedido en Art Nou un premio de producción a la artista sevillana Mercedes Pimiento por su exhibición «Less than Container Load», en la Galería NoguerasBlanchard de Hospitalet, y, por tercer año consecutivo, la feria ART-O-RAMA de Marsella ha premiado una muestra con su participación gratuita en esta cita en 2024: ha sido «Todo es color», de Xavi Ceerre, en la Galería Taché.