El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y la Fundación de Arte Cisneros Fontanals (CIFO) han firmado hoy un Memorando de Entendimiento para la creación de un espacio expositivo que albergue en Madrid la Colección de Arte Contemporáneo de las Américas en el edificio de Tabacalera. Así se pone en marcha la donación de parte de las obras de la Colección Ella Fontanals-Cisneros, muy rica en arte latinoamericano, al Estado español.

Esos fondos cuentan con más de 3000 piezas de pintura, vídeo y fotografía contemporánea; entre sus autores figuran Carmen Herrera, Cildo Miereles, Jesús Soto, Grete Stern, Horacio Coppola, Leo Matiz o Paulo Pires.

A partir de ahora, el Gobierno y la Fundación CIFO iniciarán una colaboración destinada a la adecuación de la planta segunda al completo  del edificio Tabacalera de Madrid para albergar la que se llamará Colección de Arte Contemporáneo de las Américas. A día de hoy, el Ministerio está desarrollando un proyecto de rehabilitación de este edificio, y sabemos que se destinarán 5.000 metros cuadrados a la exposición de la colección Cisneros.

Por tanto, en Tabacalera convivirán los próximos años los colectivos que actualmente ya utilizan parte del edificio, una zona expositiva del Museo Reina Sofía, otra dedicada a exposiciones de artistas emergentes y el espacio expositivo de la Colección de Arte Contemporáneo de las Américas.

Ayer, martes, se falló en la recién inaugurada feria JustMAD el Premio Residencia Fundación ENAIRE, que beca a tres artistas que exhiben su obra fotográfica en la novena edición de esta cita.

Los seleccionados han sido la creadora portuguesa Ana Linhares, de la Galería Kubik; nuestra fichada Gema Rupérez, representada por la Galería A del Arte, y Javier Viver, representado por la galería gallega Marisa Marimón. Además, el jurado ha decidido destacar el trabajo de Laura Salguero, de La Gran, con una mención especial.

En abril de este año, los tres seleccionados por los responsables de la programación cultural de la Fundación ENAIRE y los directores de JustMAD, Semíramis González y Daniel Silvo, disfrutarán de una residencia en Madrid en la que desarrollar su trabajo contando con la tutoría de la artista Rosell Meseguer. Se les ofrece, además, un mes de alojamiento en la residencia Felipa Manuela de Madrid, una bolsa de producción de 1.000 euros a cada uno y la participación, con una selección de obra creada durante la residencia, en la exposición que la Fundación ENAIRE realizará en PHotoEspaña a partir de junio.

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El primer premio concedido en ARCOmadrid 2018, que hoy a las 12:00 abre sus puertas, ha sido madrugador. La artista burgalesa Asunción Molinos Gordo ha obtenido el galardón concedido por Solán de Cabras por Ocultamiento, Falsa Escasez o Escasez Fingida, una escultura de madera pintada a mano y de formato mediano que representa un barco granelero. Remite a los que Gran Bretaña y Estados Unidos usaron en la II Guerra Mundial con el patrón de camuflaje dazzle, pero su significado no tiene que ver con los conflictos bélicos sino con la industria alimentaria: según la artista, esta pieza versa sobre las formas de esconder grandes cantidades de alimentos en el mar, para crear una ausencia en el mercado y provocar artificialmente la subida del precio de determinados cultivos. Podemos ver la obra en el stand de la Galería Travesía Cuatro.

Este año, el Premio Solán de Cabras, que cumple tres ediciones, tenía como eje la sostenibilidad, y el respeto al medio ambiente está muy presente en la producción de Asunción en fondo y forma: la ventaja de haber crecido en un pueblo en una familia de campesinos me hizo entender, desde muy pequeña, que no se trata siempre de innovar e innovar, sino de conservar las condiciones para que lo que ya ocurre pueda seguir repitiéndose, para que se mantenga en el tiempo como una cultura rural viva.

El jurado ha estado formado por Enric Pastor, director de la revista AD; la crítica y comisaria Bea Espejo, Elisa Hernando, en representación de ARCO, y Manuel Patiño, Brand manager de Solán de Cabras.

No es el primer premio que recibe en una feria Molinos Gordo: ganó el Premio de la Bienal de Sharjah en 2015 con su proyecto WAM (World Agriculture Museum).

El inicio del año ha traído nuevos directores a varios museos internacionales; hoy damos cuenta del relevo en la dirección del Noguchi Museum neoyorquino: Brett Littman, hasta ahora al frente del Drawing Center, sucederá a Jenny Dixon, que se retiró del cargo el pasado diciembre tras catorce años.

Los retos de Littman, que también fue subdirector del MoMA P.S.1., serán ampliar y diversificar el público del centro. El año pasado recibió la Orden de las Artes y las Letras del Gobierno francés.

El MoMA de Nueva York ha anunciado el nombramiento de Inés Katzenstein como primera directora del Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros, que se centrará en el estudio del arte latinoamericano moderno y contemporáneo.

Creado y financiado por Gustavo Cisneros y Patricia Phelps, este organismo buscará consolidarse como centro de investigación en este ámbito partiendo de la dilatada experiencia del MoMA adquiriendo y exhibiendo obras de artistas de la región. Concederá becas, programará simposios y ciclos de conferencias, organizará programas educativos y también desarrollará publicaciones sobre la creación latinoamericana tanto impresas como digitales.

Katzenstein, que trabajó en este museo en los inicios de su carrera, ha sido también nombrada comisaria de Arte Latinoamericano. Su misión será organizar exposiciones, supervisar el montaje y la exhibición de la colección de arte latinoamericano del MoMA trabajando en colaboración con todos los departamentos curatoriales y desarrollar programas de adquisición de nuevas obras.

De origen argentino, fundó en 2008 el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella de Buenos Aires y ha comisariado muestras internacionales dedicadas a Liliana Porter, David Lamelas o Marcelo Pombo. También comisario el pabellón argentino en la 52ª edición de la Bienal de Venecia, donde presentó un proyecto de Guillermo Kuitca.

Hasta el 20 de mayo y bajo el comisariado de Martina Millà, la Fundació Miró de Barcelona presenta “Beehave”, una muestra que refleja cómo la problemática de la desaparición de abejas productoras de miel y el creciente interés por la apicultura en las ciudades han pasado a formar parte de los intereses de ciertos artistas contemporáneos.

La exhibición consta sobre todo de instalaciones, pero en ella encontramos, además, obras de técnicas y formatos variados a cargo de autores españoles e internacionales que invitarán al público a participar de una aproximación sensorial al mundo, cercano pero bastante desconocido en general, de las abejas.

Los artistas participantes son Joan Bennàssar, Luis Bisbe, Alfonso Borragán, Joana Cera, Gemma Draper, GOIG (Pol Esteve & Miquel Mariné) & Max Celar, Vadim Grigoryan & Marcos Lutyens, Jerónimo Hagerman, Marine Hugonnier, Anne Marie Maes, Melliferopolis (Ulla Taipale & Christina Stadlbauer), Joan Miró, Anna Moreno, Àlex Muñoz & Xavi Manzanares, Luis Fernando Ramírez Celis, Toni Serra (Abu Ali), Ulla Taipale, Andrés Vial, Pep Vidal y Philip Wiegard, y sus propuestas se completarán con diversas intervenciones didácticas sobre la importancia de las abejas en la ciudad de Barcelona.

Esas intervenciones se desarrollarán del 15 de marzo al 17 de junio.

La arquitecta mexicana Frida Escobedo, que se ha dado a conocer internacionalmente por sus proyectos dinámicos que buscan reactivar el espacio urbano, diseñará este año el Pabellón de la Serpentine Gallery de Londres. Está previsto que utilice en su diseño materiales tomados de la arquitectura doméstica de su país y que su planteamiento se inspire en la historia británica y en el Meridiano de Greenwich.

Escobedo, nacida en Ciudad de México en 1979, es el décimoctavo arquitecto y el más joven (hombre o mujer) en aceptar el reto de diseñar el Pabellón temporal de la galería de Kensington Gardens. Esta iniciativa comenzó a llevarse a cabo en 2000, de la mano de otra arquitecta, Zaha Hadid, y desde entonces se han sumado a ella Sou Fujimoto, selgascano o Bjarke Ingels (el de estos daneses fue el proyecto más visitado).

Han seleccionado a Frida Escobedo Hans Ulrich Obrist, director artístico de la Serpentine; su CEO Yana Peel y David Adjaye y Richard Rogers como asesores.

Parece que el Pabellón tendrá forma de patio cerrado (los patios internos son un elemento habitual y distintivo de la arquitectura popular mexicana) y estará formado por dos volúmenes rectangulares que formarán un ángulo. Las paredes exteriores estarán alineadas con la fachada este de la Serpentine y el eje del patio interno estará orientado al Meridiano de Greenwich, estándar internacional para la medición de tiempos y distancias geográficas.

Sabremos que una gran celosía formará los muros y que dos elementos reflectantes enfatizarán la incidencia de las luces y las sombras dentro del Pabellón en el transcurso del día, haciendo consciente al espectador del transcurso del tiempo y convirtiendo la construcción en un reloj. Podremos visitarlo del 15 de junio al 7 de octubre.

La Galería Moisés Pérez de Albéniz ha anunciado hoy que la próxima primavera presentará proyecto en Nueva York: durante dos semanas, ofrecerá otras tantas exposiciones consecutivas en el Lower East Side de Manhattan, en el número 2 de Rivington Street.

La primera de las muestras estará dedicada a Santiago Giralda, que trabaja actualmente en el Pratt Institute gracias a una beca Fullbright, y permanecerá abierta del 24 al 29 de abril; en la segunda participarán todos los artistas representados por la galería que viven en Nueva York: Dennis Adams, Victoria Civera, de nuevo Santiago Giralda, Carlos Irijalba, Antoni Muntadas, Tony Oursler y Juan Uslé. Podrá verse del 1 al 6 de mayo.

Hasta el 1 de abril podemos visitar en la sala Vimcorsa de Córdoba la exposición del IX Premio Bienal Internacional de Fotografía Contemporánea Pilar Citoler y una monográfica dedicada a Erica Nyholm, ganadora de la octava edición de este certamen. En la novena y última el premio fue para José Guerrero por Carrara #1 y, junto a su proyecto, podremos ver trabajos de Cecilia Paredes, Carlos Irijalba, Roberto Aguirrezabala Martínez, Aitor Ortiz Viota, Miguel Ángel Tornero, Sonia Navarro, Matías Costa, Jorge Fuembuena Loscertales, Dionisio González, Cecilia de Val, Manolo Laguiño, Israel Ariño, Linarejos Moreno y Gonzalo Puch.

Nyholm trabaja con la simbología de los lugares y también ocupa un lugar importante en su obra el universo femenino y la vivencia de la maternidad. Su exhibición se titula «We are temporary reality» y resume dieciocho años de trayectoria.

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Valentín Vallhonrat y Rafael Levenfeld, miembros de la dirección artística del Museo de la Universidad de Navarra, han recibido las Medallas de Plata de esa institución por sus 25 años de servicio.

Corría 1992 cuando la Universidad de Navarra recibió el legado de José Ortiz-Echagüe, formado por cerca de 1.500 fotografías, 28.000 negativos y 1.000 ejemplares al carbón. Desde entonces, Vallhonrat y Levenfeld han trabajado en la ampliación de ese fondo fotográfico inicial y en buscar su reconocimiento nacional e internacional.

Como fruto de esa labor, en 1998 se realizó la primera exposición monográfica de Ortiz Echagüe en el Museo Reina Sofía, una muestra que después se exhibió en el Museo Nacional de Arte de Cataluña y en París, antes de llegar a Pamplona.

La colección fotográfica del Museo ha estado en constante crecimiento desde entonces y entre sus autores figuran hoy De Launay, Fox Talbot, Beaucorps, DeClerq y Disdéri, Cartier-Bresson, Català Pic y Robert Capa, Joan Fontcuberta, Cristina de Middel o Pierre Gonnord. En total, componen esos fondos más de 15.000 fotografías y 200.000 negativos.

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PAC. Plataforma de Arte Contemporáneo y Swinton & Grant han puesto en marcha el proyecto #NOPORAMORALARTE con el fin de apoyar profesional y económicamente a artistas plásticos, fotógrafos, actores, ilustradores, escritores, diseñadores… profesionales que suelen enfrentarse a muchas dificultades a la hora de percibir una remuneración económica por su trabajo.

Han diseñado una camiseta con el lema #NOPORAMORALARTE que puede comprarse a través de la tienda online de Swinton & Grant (cuesta 29 euros); la recaudación que se obtenga por su venta irá destinada a la realización de proyectos creativos, en palabras de los organizadores, transparentes.

PAC y Swinton nos animan, al margen de que decidamos hacernos o no con la camiseta, a compartir con nuestros contactos el proyecto, difundirlo en redes o acompañarlos en la fiesta de presentación de #NOPORAMORALARTE este viernes en el espacio Swinton & Grant de la calle Miguel Servet, en Madrid. Será a las 20:00 horas. Su objetivo es divulgar la idea de que los trabajadores del arte, como los empleados de cualquier sector, deben percibir una remuneración (mejor si es justa) por su labor.

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Tras su paso por el Meadows Museum de Dallas, la Frick Collection de Nueva York presenta, hasta el 22 de abril, la serie de trece obras de Zurbarán Jacob y sus doce hijos, pertenecientes al castillo inglés de Auckland. Datan de 1640, nunca antes se habían expuesto en Estados Unidos y, como paso previo a estas muestras, han sido sometidas a un análisis técnico en el Kimbell Art Museum de Fort Worth.

La iconografía de las piezas está tomada de las bendiciones de Jacob recogidas en el capítulo 49 del Génesis: en su lecho de muerte, el patriarca convocó a sus hijos, los futuros fundadores de las doce tribus de Israel, y les concedió a cada uno una bendición que resultaría premonitoria de su futuro y el de sus tribus. En sus composiciones, Zurbarán se inspiró en grabados del norte de Europa.

La serie probablemente estaba destinada a exportarse al Nuevo Mundo, porque en la España del siglo XVII se manejaba la creencia de que los pueblos indígenas americanos descendían de las tribus israelitas. Sin embargo, estas pinturas no vieron la luz hasta 1720 y en Inglaterra, donde fueron subastadas y adquiridas por un comerciante judío.

En 1756 pasarían a manos de Richard Trevor, obispo de Durham, quien colgó la serie en el comedor del Castillo de Auckland, donde han permanecido dos siglos y medio. Una restauración del castillo, que durará dos años, ha permitido su gira internacional.

Más de sesenta esculturas, dibujos, collages, trabajos gráficos y libros de artista representativos de la carrera de Eduardo Chillida se exhiben, hasta el 3 de junio, en el Meadows Museum de Dallas, en el marco de la muestra “Memory, Mind, Matter: The Sculpture of Eduardo Chillida”. La comisarían William Jeffett, comisario del Museo Dalí estadounidense, e Ignacio Chillida, hijo del artista.

Todas las obras proceden del todavía cerrado Museo Chillida-Leku y ahondan en el tratamiento de Chillida de la forma y el espacio y en los vínculos de su producción con la poesía y la filosofía.

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El Van Gogh Museum de Ámsterdam enriquece sus colecciones con el retrato que Edvard Munch pintó del físico alemán Félix Auerbach en 1906. La adquisición coincide con el 74º aniversario de la muerte del artista noruego y es especialmente relevante en Holanda, porque este es el único retrato de Munch que atesora una colección del país.

De formato monumental y pintada en expresivos colores, la obra puede contemplarse ya en el tercer piso del Van Gogh Museum, dentro del recorrido de su colección permanente, junto a retratos del propio Van Gogh y de Kees van Dongen y Jan Sluijters.

Parece que Auerbach decidió encargarle este retrato a Munch en 1906 después de quedar impresionado con el que el pintor realizaba entonces de Nietzsche y sabemos que se lo pagó con 500 marcos. Se trata de uno de los mejores retratos que el autor de El grito llevó a cabo en la primera década del siglo XX: representó al físico como hombre decidido y asertivo, mirando al espectador con convicción.

Probablemente Munch y Van Gogh no se conocieron, pero sabemos que el noruego admiró la pintura del holandés y que ambos desarrollaron un expresivo lenguaje visual para comunicar emociones universales. Los paralelismos de sus trabajos quedaron claros en una muestra que precisamente el Van Gogh Museum les dedicó en 2015.

Hasta el 22 de julio, el Museo de Bellas Artes de Asturias nos enseña, tanto en el Palacio de Velarde como en su ampliación, las 33 obras que el coleccionista Plácido Arango donó al centro en 2017. Se trata de una selección de pinturas y esculturas españolas fechadas entre el siglo XV y 1992, y dieciocho de sus autores no formaban parte hasta ahora de los fondos del museo ovetense; es el caso, por ejemplo, de Diego de la Cruz, Juan de Juanes, Juan Pantoja de la Cruz, Bartolomé González, Juan van der Hamen, Jerónimo Jacinto Espinosa, Juan de Valdés Leal, Antoni Tàpies, Manuel Millares y Eduardo Arroyo.

También se incorporan al centro esculturas de Juan Muñoz y Cristina Iglesias y obras de Juan Correa de Vivar, Luis de Morales, Francisco de Zurbarán, Genaro Pérez Villaamil, Ignacio Zuloaga o José Gutiérrez Solana.

Arango tuvo este gesto con el museo como homenaje a sus padres, Jerónimo Arango Díaz y María Luisa Arias Fernández, de origen asturiano.

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El Museo de Arte Contemporáneo del Ayuntamiento de Madrid incorpora a sus fondos permanentes la instalación de videoarte interactiva Eskizos, del artista Marcel·lí Antúnez.  La obra invita a los visitantes a convertirse en protagonistas de pinturas con la ayuda del soporte tecnológico y se inspira en la producción de Luis Gordillo, Guillermo Pérez Villalta, Rafael Pérez-Mínguez, Carlos Franco, Manuel Quejido, Herminio Molero y Chema Cobo.

La de Antúnez es la primera instalación de videoarte interactiva que adquiere esta institución y su coste ha sido de algo más de 27.000 euros.

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Hasta el próximo 14 de marzo, José Luis Puche presenta en la Galería Xavier Fiol madrileña “En el nombre de los pájaros”, una pieza única realizada específicamente para esta exposición. Se trata de una obra de gran formato para un espacio pequeño en la que el artista plantea cómo el tratamiento de los espacios modifica las relaciones entre arte y espectador.

En el nombre de los pájaros es un dibujo rectangular que supera los 2 x 6 metros y que está realizado por completo con carbón graso aguado y pastel graso sometido a un lavado de agua en varias ocasiones. Representa un paisaje natural en el que conviven humanos y animales, una escena entre el deseo y la alegoría ajena a las lógicas espacio-temporales.

Desde 2013 Suzanne Cotter dirigía la Fundación Serralves de Oporto y con anterioridad trabajó como comisaria en el Guggenheim de Abu Dhabi; también ha sido comisaria de la décima edición de la Sharjah Biennial y del Modern Art Oxford, y en 2005 obtuvo la Orden de las Artes y las Letras francesa.

Ahora sabemos su próximo destino: el Patronato del MUDAM de Luxemburgo la ha seleccionado como directora del que es el principal museo de este país. Concurrían al cargo cuarenta candidaturas y ha elegido la suya un jurado formado por Frances Morris, Catherine Grenier, Hans-Peter Wipplinger, Philippe Dupont, Paul di Felice, Danièle Wagener y Catherine Decker.

El Meadows Museum de Dallas acaba de anunciar que ha adquirido la última obra de Mariano Fortuny, al que el Museo del Prado aún dedica una extensa retrospectiva. Se trata de Playa de Portici, realizada por el artista de Reus en el verano de 1874, que sería el último de su vida, mientras se había instalado con su familia en la Villa Arata, próxima a Nápoles y al Vesubio.

La pieza destaca por sus dimensiones considerables, en relación a buena parte de la producción del pintor, y por los efectos lumínicos que Fortuny supo imprimir al paisaje, y se encuentra inacabada. Representó en ella dos mujeres rodeadas de niños jugando en la arena (una de ellas sería su esposa, acompañada de los hijos del pintor).

Playa de Portici se ha expuesto al público en contadas ocasiones, una de ellas en 2006, cuando fue Obra Invitada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. En 1893 formó parte de la World’s Columbian Exposition de Chicago, una de las muestras más celebradas en el s. XIX en Estados Unidos, visitada por más de 27 millones de personas durante seis meses. Reunía pinturas procedentes de colecciones públicas y privadas de Estados Unidos y buscaba ensalzar el poderío económico y el gusto por las Bellas Artes del país.

Desde el pasado día 19, la obra puede verse en el Meadows y, entre junio y septiembre, será centro de una exposición que confrontará la pintura de Fortuny con la de William Merritt Chase.

Cuando Fortuny murió, Playa de Portici formaba parte de su colección personal. Después fue adquirida por el coleccionista neoyorquino Alexander Turney Stewart, en 1875, y en manos de sus herederos ha permanecido hasta que el museo de Dallas la ha comprado. Hay que tener en cuenta que el catalán fue un artista especialmente querido entre los coleccionistas y el público estadounidenses de entonces y de ahora.

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Espacio Alexandra presenta, hasta el 9 de marzo, su primera individual de la artista donostiarra Elena Mendizábal, ligada a la Nueva Escultura Vasca. Se trata de un compendio de obras que podemos clasificar en dos grupos: imágenes de minerales e imágenes fragmentadas del cuerpo.

Las primeras, agrupadas bajo el epígrafe Castillo por su geometría, aluden a la idea de mineral como metáfora del yo y se completan con dibujos inspirados en fotografías de esas mismas piezas. También evocan el filme El castillo de cristal de Destin Cretton, en el que esta construcción adquiere el rol de quimera.

Las obras agrupadas bajo el epígrafe Tú son tres esculturas compuestas por parejas de trozos de gres atravesadas por tres barras de hierro cromado. Son tres no por casualidad: remiten a las tres dimensiones del ser, la física, la mental y la emocional.