Debido al éxito de público, la Fundació Sorigué ha decidido prorrogar hasta el próximo diciembre su muestra “Oscar Muñoz: des/materializaciones”, de la que el propio artista, reciente Premio Hasselblad, es comisario junto a Ana Vallés, directora de esta institución. En inicio, la exposición iba a finalizar este mes de junio.

Hasta ahora ha sido visitada por 4.000 personas y más de setenta centros educativos han participado en visitas guiadas. Por otro lado, con motivo de la muestra, la Fundació ha adquirido dos obras de Muñoz presentes en ella: El Coleccionista y Biografías.

Os recordamos que “des/materializaciones” puede visitarse en el museo de la Fundació Sorigué en Lleida y recoge algunas de las obras más representativas de este autor, en las que reflexiona sobre los momentos anteriores y posteriores a la fijación de la imagen en un soporte y sobre el carácter efímero de la fotografía.

El próximo 5 de julio se dará a conocer en el Victoria & Albert Museum de Londres el centro británico ganador del premio Art Fund Museum of the Year 2018, que recibirá 100.000 libras (los museos preseleccionados reciben 10.000).

La organización británica Art Fund concede anualmente estos premios a museos británicos que, según la opinión del jurado, hayan destacado por el desempeño de sus tareas con imaginación e innovación. Esta vez ese jurado, presidido por Stephen Deuchar, está formado por Ian Blatchford, director del Science Museum Group; Rebecca Jones, corresponsal de arte de la BBC; la artista Melanie Manchot y Monisha Shah, consultora de medios independiente y miembro de Art Fund.

Optan al galardón el Brooklands Museum de Weybridge, la Ferens Art Gallery de Hull, la Glasgow Women’s Library, Tate St Ives y The Postal Museum.

A partir del 23 de junio, el Centro Botín expondrá de forma permanente, en una de las salas de su primera planta, una selección de obras del siglo XX procedentes de la colección de Jaime Botín.

Las piezas cedidas son Femme espagnole (1917) de Henri Matisse; Self Portrait with injured eye (1972) de Francis Bacon; Arlequín (1918) de Juan Gris; Al baño. Valencia (1908) de Joaquín Sorolla; Mujer de rojo (1931) de Daniel Vázquez Díaz; Figura de medio cuerpo (1907) de Isidre Nonell; El constructor de caretas (1944) de José Gutiérrez Solana y Retrato de mi madre (1942) de Pancho Cossío. Esa cesión, que tiene una duración inicial de cinco años renovables, se completa con la donación a este centro, por parte del propio Jaime Botín, de un millón de euros anuales que se destinarán a cubrir los gastos de mantenimiento y conservación de las obras y al programa artístico y a la misión social del Centro Botín.

El título de este conjunto en el marco de la muestra permanente de este espacio será “Retratos: Esencia y Expresión”. Pese a sus diferencias estilísticas y cronológicas, las obras tienen notas importantes en común, como la búsqueda de la máxima expresividad a través del color y la luz, la utilización de la figura como hilo conductor y, por último, claro, su género: el retrato.

La cesión se produce cuando se cumple un año de la apertura del Centro Botín y poco antes de que se abra al público una nueva presentación de la colección de la Fundación: “El Paisaje Reconfigurado”, muestra que podrá visitarse a partir del 23 de junio.

Hoy ha fallecido en Madrid el escultor Julio López Hernández. Tenía 88 años y recientemente pudimos ver su obra en la exposición “Realistas de Madrid”, que presentó el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en 2016.

López y su esposa, la pintora Esperanza Parada, pertenecen al grupo de pintores y escultores que han vivido y trabajado en Madrid desde la década de 1950, unidos por formación, trabajo y vida. De él también formaron parte Antonio López, María Moreno, Francisco López Hernández, el hermano de Julio fallecido el año pasado; su mujer, la pintora Isabel Quintanilla, que también nos dejó en 2017, y Amalia Avia.

Julio López Hernández nació en Madrid en 1930 y estudió, junto a Lucio Muñoz, en la Escuela Superior de Bellas Artes. Se inició siendo muy joven en la escultura y en 1955 participó en una exposición colectiva en las salas de la Dirección General de Bellas Artes con Antonio López, su hermano Francisco y Lucio Muñoz. En 1980 se le dedicó una retrospectiva en el Palacio de Cristal del Retiro y en 1986 fue nombrado académico de la Real Academia de San Fernando.

En palabras de Guillermo Solana, su estética está dominada por el valor expresivo del gesto y de la máscara, el fragmento y la ruina… Julio López subordina la forma a lo narrativo. En sus piezas siempre queda algo de ese argumento, aunque solo sea una mínima anécdota.

Tras obtener el Wolfgang Hahn Prize correspondiente a este año, la artista Haegue Yang presenta, hasta el 12 de agosto en el Museum Ludwig de Colonia, su primera gran individual en un museo. Nacida en Seúl y residente en esa ciudad y en Berlín, Yang exhibe un centenar de trabajos fechados desde 1994 y representativos de la diversidad de su producción, desde sus primeros objetos realizados bajo la influencia del movimiento Fluxus hasta sus más recientes pinturas lacadas, fotografías, trabajos en papel, vídeos, esculturas, performances e instalaciones.

No faltan sus persianas, reflexiones sobre la intimidad que conoceréis los asiduos a la Fundación Helga de Alvear de Cáceres.

Hasta el 25 de mayo, Ricardo Calero presenta en la Galería Ponce + Robles de Madrid “Construcción de futuros”, un proyecto vinculado a sus anteriores trabajos en interiores y exteriores y a sus esculturas nómadas. Entre las obras expuestas destaca Espacio de pensamientos, una casa-carro que recorrió los paisajes portugueses en la Trienal del Alentejo y que instaló más tarde junto a la Biblioteca de Bad Vilbel (Alemania), con motivo de la Bienal “Blickachsen 11”. La concibió Calero como espacio para el diálogo.

También podemos ver sus esculturas de mimbre, que igualmente concibe como espacios para el cobijo y el amparo y también como símbolos –dado su número en la galería– del trabajo colectivo. A los muy diversos materiales presentes en esta muestra (cerámica, mimbre, madera, metal) los unifica una tonalidad blanca de harina y yeso, en referencia a la pureza, al alimento y la protección de las inclemencias del tiempo.

Antonio Díaz Grande presenta, hasta el 26 de mayo en la Galería JosédelaFuente de Santander, el proyecto “Contrapose”, formado por imágenes corporales que muestran una serie de gestos asociados a distintas situaciones sociales. La serie supone una exploración sobre cómo el comportamiento social es modelado sin fisuras desde la niñez y se acompaña de fotografías en blanco y negro, encontradas en mercadillos y librerías de viejo, que sirven al artista para subrayar el poder atemporal de ciertas convenciones.

Es Baluard y DKV Seguros han anunciado hoy que la ganadora de su quinta Beca de producción a la creación videográfica es la artista ibicenca Irene de Andrés por su proyecto Complejos de destino. Capítulo I: Prora. Así lo ha decidido un jurado formado por Alicia Ventura, Javier Hontoria, Tania Pardo, Juan Bautista Peiró y Nekane Aramburu.

La beca está dotada con 5.000 euros que se destinarán a la realización del proyecto presentado por la artista, que se expondrá en Es Baluard a partir de noviembre y también en una exposición colectiva en Can Oliver, en Mahón, Menorca.

Han obtenido menciones especiales nuestra última fichada, Marla Jacarilla, por Las cosas: una historia del S.XXI, y Serafín Álvarez, por Abismo.

En Complejos de destino. Capítulo I: Prora, Irene de Andrés ha tomado el turismo como tema, centrándose en la obsesión por el viaje y por el coleccionismo de lugares, y reflexionando sobre cómo esta industria se hace cada vez más fuerte (y avasalladora). En esta obra, los propios edificios en sus distintas etapas, como frutos del negocio turístico, cuentan qué ha pasado, qué está pasando y qué puede pasar si el turismo no sostenible sigue creciendo.

Como parte de su programa expositivo Viewing Room, la sede londinense de la Simon Lee Gallery presenta “The Alphabet of Creation (for now)”, una muestra que reúne trabajos recientes de Joel Mesler y que es la primera que este artista estadounidense presenta en el Reino Unido. Se trata de obras dedicadas al alfabeto: cada pintura representa una letra y se inspira en recuerdos de su infancia y de Los Ángeles, su ciudad natal. De algún modo, podemos referirnos a ellas como piezas autobiográficas.

Aunque evocan ilustraciones de libros infantiles, el estilo de estos trabajos dota a las letras de cierto lado oscuro vinculado a episodios de la vida de Mesler. Por ejemplo, las hojas verdes superpuestas se basan en el papel pintado del Hotel Beverly Hills de Martinica, crucial en su infancia porque allí almorzó su familia, incómodamente, poco después del divorcio de sus padres.

La exhibición está abierta hasta el 26 de mayo.

Helen Cammock ha resultado ganadora en la séptima edición del Premio Max Mara, destinado a mujeres artistas británicas que no hayan presentado hasta ahora una muestra individual.

Nacida en 1970 y establecida en Londres, Cammock resultó elegida frente a las también nominadas Céline Condorelli, Eloise Hawser, Athena Papadopoulos y Mandy El-Sayegh, que se beneficiarán con ella de una residencia de trabajo de seis meses en Italia. Los frutos de esa beca podremos verlos en una exposición en 2019, primero en la Whitechapel Gallery londinense y después en la Collezione Maramotti de Reggio Emilia.

La ganadora es una artista multidisciplinar que ha trabajado en los campos de la fotografía, el vídeo, la escritura, la performance, el grabado o la instalación, abordando asuntos políticos y sociales y las fronteras entre lo individual y lo colectivo.

Por fin la Fondazione Prada ha abierto al público Torre, su nuevo espacio expositivo milanés diseñado por Rem Koolhaas, Chris van Duijn y Federico Pompignoli, estos últimos pertenecientes al estudio OMA.

Se trata de una torre de 60 metros de altura y nueve plantas cuyo interior se corresponde con su exterior: la mitad de los niveles tiene planta rectangular y la otra mitad trapezoidal. Además, la altura de los techos aumenta a medida que se escalan pisos y la fachada externa se caracteriza por la alternancia de superficies de hormigón y vidrio.

En su interior puede verse la muestra permanente “Atlas”, formada por una selección de obras de la colección Prada articulada a partir de disonancias y contrastes. Cuenta con obras de Carla Accardi, Jeff Koons, Walter De Maria, Mona Hatoum, Edward Kienholz, Michael Heizer, Pino Pascali, William N. Copley, Damien Hirst, John Baldessari o Carsten Höller.

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El Museo Reina Sofía ha obtenido un premio Webby en la categoría de mejor Web de institución cultural por su portal “Repensar Guernica”. Concede estos galardones, que este año cumplen su 22ª edición, la Academia Internacional de Artes y Ciencias Digitales (IADAS), y la ceremonia de entrega tendrá lugar en Nueva York, el próximo 15 de mayo.

El MNCARS comparte en Repensar Guernica el mayor fondo documental sobre la obra de Picasso, en español y en inglés. Es fruto de una investigación de dos años y nos permite acceder a más de 2.000 archivos relacionados con el pintor, incluyendo fotografías, videos, noticiarios, periódicos, revistas, correspondencia, catálogos, etc.

Por otro lado, en su sección Gigapixel, nos permite explorar con zoom el lienzo.

Tras su paso por el Museo Guggenheim Bilbao, hasta el 29 de julio puede verse en el LACMA de Los Ángeles la muestra “David Hockney: 82 Portraits and 1 Still-life”, sus visiones íntimas y vibrantes de las decenas de personas con las que el artista pop se ha relacionado en los últimos cincuenta años. Ya sabéis que todos los retratos los pintó Hockney en su estudio de esta misma ciudad, dedicándose dos o tres días (unas veinte horas) a cada uno de ellos. Ninguno lo realizó por encargo y entre sus modelos encontramos a John Baldessari, Douglas Baxter, Edith Devaney, Larry Gagosian, Frank Gehry, Peter Goulds, Barry Humphries, David Juda, Rita Pynoos, Joan Quinn, Norman Rosenthal o Jacob Rothschild.

La exhibición, además de en Bilbao, ha podido visitarse en Melbourne y Venecia, y el LACMA será su única sede en Estados Unidos.

Coincidiendo con la inauguración de la muestra que la Galería Thaddaeus Ropac dedica en su sede londinense a Joseph Beuys, hemos sabido que esta firma, que cuenta con espacios, además de en la capital británica, en París y Salzburgo, gestionará y se ocupará de la representación del legado del artista, en estrecha colaboración con sus familiares.

La exposición británica, titulada “Joseph Beuys: Utopia at the Stag Monuments”, puede visitarse hasta el 16 de junio, ha sido comisariada por Norman Rosenthal, que trabajó con Beuys a menudo desde los setenta, y presenta trabajos poco conocidos y también obras icónicas fechadas entre 1947 y 1985, así como la mayoría de los elementos originales del proyecto que le da título (una versión en bronce forma parte de las colecciones de la Tate). Stag Monuments es el environment que Beuys creó para la muestra berlinesa “Zeitgeist” en 1982, reproduciendo, en torno a una montaña de arcilla, el estudio en el que trabajaba, sus herramientas y referencias.

Beuys fue pionero en la consideración de la creatividad como un principio universal aplicable en todas las áreas de la actividad humana, no solo en la esfera artística. Sí concedía más específicamente al arte el poder revolucionario de transformar la sociedad. Según Rosenthal, sus ideas son hoy tan relevantes como radicales fueron cuando las formuló.

La próxima edición de ARTESANTANDER tiene fechas: se celebrará del 14 al 18 de julio en el Palacio de Exposiciones y Congresos de la capital cántabra, contará con la participación de 42 galerías y mantendrá su formato Solo Projects. También se acompañará, como viene siendo habitual, del curso de verano organizado por la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, el Instituto de Arte Contemporáneo y la asociación 9915, titulado este año Los nuevos enciclopedistas. Artistas y coleccionistas: sensatez e inteligencia. Os hablaremos de él en cuanto conozcamos su programa.

Entre las novedades de esta edición, encontramos la ampliación de miembros de su Comité de Selección, que pasa de tres a cinco, al sumarse a él Beatriz Espejo y Susana Blas (además de José Manuel Navacerrada, Emilio Navarro y Moisés Pérez de Albéniz); la presentación de un único proyecto en los stands y la nueva imagen de la feria, que ha corrido a cargo de María José Arce.

Las galerías interesadas en participar en la cita pueden presentar su solicitud online hasta el próximo 18 de mayo.

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Los Premios GAC 2018 se entregarán el 5 de junio en la Sala Teatre del CCCB y en el Atrio del MACBA, y ya conocemos a dos de sus ganadores: el Premio Honorífico – Fundación Banco Sabadell a la trayectoria artística será para el pintor Frederic Amat y el Premio Honorífico – Fundación Banco Sabadell a la trayectoria galerista reconocerá al coleccionista Alejandro Sales.

El comité organizador de los Premios GAC está formado por representantes del Gremi de Galeries d’Art de Catalunya y de la Associació Art Barcelona, con la presidencia de Mònica Ramon, y el jurado, por las críticas de arte Anna Mª Guasch y Victòria Combalia; la artista Francesca Llopis, el crítico y comisario independiente Frederic Montornés, el coleccionista Ernesto Ventós y Alicia Ventura, comisaria y responsable de la colección DKV.

Con anterioridad han recibido estos galardones honoríficos los artistas Perejaume (2017), Sean Scully (2016), Susana Solano (2015), Alfons Borrell (2014), Antoni Muntadas (2013), Richard Hamilton (2012), Jaume Plensa (2011) y Antoni Tàpies (2010) y los galeristas Mariana Draper (2017) y Francesc Mestre (2016).

Los Premios GAC incluyen las categorías al artista consolidado por la mejor exposición en galería, al artista emergente por la mejor exposición en galería, al coleccionismo, al comisariado, a la crítica, a la mejor exposición histórica en galería, al medio de comunicación y a la mejor programación en galería.

Por primera vez, Madrid presenta una candidatura a la lista de Patrimonio Mundial de la UNESCO. La componen conjuntamente el Paseo del Prado y el Parque del Retiro y la ha elegido el Consejo Nacional de Patrimonio entre todas las candidaturas presentadas en nuestro país para acceder a ese catálogo.

Han pesado en la decisión tanto la oferta cultural presente en el Paseo del Prado, sede de museos y centros de arte fundamentales en la capital, como la presencia del Retiro en el imaginario colectivo de los madrileños, que han convertido al pulmón de la capital en escenario habitual de celebraciones y manifestaciones populares de distinto calado, desde la Feria del Libro a eventos deportivos solidarios.

El Gobierno central puede trasladar el expediente a la UNESCO hasta el 30 de septiembre y la proclamación definitiva, si tiene lugar, llegaría en 2020.

A finales de 1969, Diane Arbus comenzó a trabajar en un portfolio cuya impresión no llegó a acabar dos años después, cuando murió: un conjunto de una decena de fotografías -había planificado una edición de medio centenar- de las que en vida solo pudo vender cuatro. A buenos compradores, eso sí: las adquirieron Richard Avedon, Jasper Johns y Bea Feitler, que fue directora de arte de Harper´s Bazaar. Para ella hizo Arbus una undécima imagen.

En junio de 1972, este portfolio fue enviado a la Bienal de Venecia, siendo Arbus la primera fotógrafa que tomaba parte en ella cuando el evento era aún, incluso en mayor medida que hoy, el primer escaparate internacional para artistas contemporáneos. Ahora, el Smithsonian American Art Museum, responsable del Pabellón estadounidense en aquella ocasión, dedica una muestra a este portfolio de Arbus en el que daba muestras de su visión artística de lo cotidiano e inesperado. Puede visitarse hasta enero de 2019.

Con el apoyo de la Fundación Eduardo Chillida-Pilar Belzunce, les Abattoirs de Toulouse exponen, hasta el 26 de agosto, más de sesenta obras en distintas técnicas del artista vasco.

Se fechan entre 1952 y 2002 y proceden de los fondos de esa Fundación, de la colección que Chillida atesoraba en su taller y de diversas colecciones públicas y privadas, y se estructuran en Toulouse según criterios temáticos vinculados a los cuatro elementos, a las posibilidades de enlazar arte, naturaleza y espacio público y al diálogo entre escultura y arquitectura.

Destacan sus esculturas de hierro y metal, las obras blancas de alabastro y las de terracota. El proyecto hace hincapié en la voluntad de Chillida de crear volúmenes que sean más que eso: lugares físicos, espirituales y humanísticos.