La Fundación World Press Photo ha concedido al corresponsal especial y fotógrafo de Getty Images, John Moore, el reconocimiento de Foto del año por su tristemente célebre imagen de una niña hondureña llorando mientras su madre es detenida por la Patrulla Fronteriza de Estados Unidos.

Moore ha cubierto la crisis de inmigración en la frontera entre Estados Unidos y México durante la última década y, a principios de este año, publicó un libro llamado Undocumented: The Immigration and the Militarization of the US-Mexico Border.

En sus palabras, es un honor increíble recibir este reconocimiento de la Fundación World Press Photo por esta imagen (…). Mi objetivo desde que comencé a fotografiar temas de inmigración y seguridad fronteriza hace una década fue iluminar una historia que a menudo se cuenta a través de estadísticas. Estoy muy orgulloso de ver que este trabajo está teniendo un impacto en una audiencia global.

La muestra «Hilma af Klint: Paintings for the Future» en el Guggenheim Museum de Nueva York, primera gran exposición dedicada a esta artista sueca en Estados Unidos, es ya la más visitada en la historia de ese centro, habiendo superado los 600.000 espectadores.

De hecho, antes de su cierre el pasado 23 de abril, el Guggenheim tuvo que ampliar su horario para facilitar el acceso a los interesados. Los buenos datos y el tirón de Hilma af Klint no solo alcanzaron las cifras de visitas: las inscripciones al Guggenheim Museum Membership aumentaron un 34% desde que la antología se inaugurara en octubre y se han vendido más de 30.000 ejemplares del catálogo (superando el récord anterior, que pertenecía al de la muestra de Kandinsky en 2009).

Un apunte más: los productos inspirados en Hilma af Klint en la tienda Guggenheim han representado el 42% de sus ventas totales.

La organización de ESTAMPA ha anunciado hoy que el artista invitado en su próxima edición, que se celebrará en IFEMA del 17 al 20 de octubre de este año, será Daniel Canogar, creador que desde principios de los noventa viene trabajando con nuevos medios y soportes para investigar los efectos de las nuevas tecnologías en nuestra vida cotidiana y también en el clima, la macroeconomía y los comportamientos sociales.

Ya se ha iniciado el plazo de solicitud de participación para las galerías interesadas en sumarse a la feria (está abierto hasta el 15 de junio) y sabemos, además, que tres secciones comisariadas completarán el Programa General: Ángel Calvo Ulloa presentará, en La conciencia de las cosas, una selección de galerías cuyos artistas plantean sus prácticas como una vuelta al oficio tradicional; Bruno Leitao, en Meridiano Cero, reunirá galerías portuguesas que están poniendo en marcha nuevas formas de concebir el galerismo en el país vecino y Alicia Ventura replanteará el estado actual de la fotografía española en un apartado titulado justamente ¿Qué pasa con la fotografía?.

La cita ha anunciado, además, que potenciará sus programas de coleccionistas y profesionales del mercado, tanto nacionales como internacionales.

El IVAM valenciano presenta, hasta el 17 de enero de 2021, una muestra que sitúa la obra del escultor Julio González en el centro del debate estético, político y social de la primera mitad del siglo XX y pretende generar un discurso que relacione estos aspectos a partir de las obras y la documentación que el centro conserva de él y de otros artistas ligados a las vanguardias históricas.

Además, esta exhibición quiere permitir una aproximación a la realidad artística y cultural de las ciudades donde se desarrolló la carrera de González: Barcelona y París. En el recorrido se destacan momentos fundamentales en su trayectoria, como su período de formación en el círculo modernista catalán y la relación con su hermano Joan, la amistad con Joaquín Torres-García y el contacto con algunos autores que formaron parte de Cercle et Carré, su participación en el Pabellón de la República en la Exposición Internacional de París de 1937 y el carácter innovador de su escultura a partir de Mujer ante al espejo (1937).

Carlos Urroz, director de ARCO hasta su pasada edición, estará desde ahora al frente de TBA21, Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, fundación creada por Francesca de Habsburgo en 2002 que recientemente ha iniciado un capítulo de colaboraciones con el Museo Thyssen-Bornemisza.

TBA21 se dedica al desarrollo de proyectos artísticos contemporáneos de montajes y presentaciones desafiantes, como instalaciones a gran escala, performances, piezas sonoras y propuestas arquitectónicas.

Desde los ochenta, Glenn Ligon ha partido de su estudio de la historia, la literatura y la sociedad estadounidense para desarrollar pinturas, esculturas, fotografías, dibujos e instalaciones a medio camino entre lo político y lo personal. Es sobre todo reconocido por sus lienzos que recrean textos de figuras como Walt Whitman, James Baldwin, Ralph Ellison, Zora Neale Hurston, Jean Genet, Gertrude Stein y Richard Pryor, entre otros.

La firma Hauser & Wirth ha anunciado que representará al artista y que le dedicará su primera muestra en el otoño de 2020, en su filial en Nueva York.

La Marlborough Gallery presenta en Nueva York nuevas pinturas y esculturas de Werner Büttner en la que es su primera exhibición en esa sala en integrar trabajos más allá de la pintura. Su producción reciente continúa remitiendo a la historia, la filosofía y los sucesos actuales, pero desde una amplia variedad de enfoques y materiales, del óleo al objeto encontrado en tiendas de segunda mano.

La muestra se titula «Something very blond comes to town» y puede visitarse hasta el 2 de mayo.

Espacio Mínimo presenta, hasta el 4 de mayo, su tercera muestra de Susan Collis: «This Way Down». En ella, la artista británica ahonda en las nociones de trabajo, valor u oficio a partir de objetos cotidianos grabados, teñidos o salpicados con huellas de su uso.

Parece tratarse de marcas banales, pero Collis las convierte en dignas de ser analizadas gracias a interesantes procesos de camuflaje.

La obra del artista colombiano Oswaldo Maciá aborda materias diversas con lenguajes igualmente variados: le interesan las migraciones y la polinización, las decisiones macropolíticas y el estado del medio ambiente. Concibe el conjunto de lo real como registrable y reproducible y da prueba de ello en «Geopolíticas de la naturaleza», la muestra que ahora presenta en Espaivisor, en Valencia.

Reúne sus instalaciones Under the horizon, Escenario en construcción y A Gift to Svalbard, hasta el 24 de mayo.

El MACBA acoge, hasta el 24 de septiembre, la primera exposición española dedicada a Christian Marclay en una década. El centro barcelonés exhibe una selección de obras centradas en sus composiciones sonoras, incluyendo pinturas y videoinstalaciones.

Se examinará cómo la noción de composición, entendida como ordenamiento de sonidos en el tiempo y el espacio pero también en su sentido visual, ha marcado la producción de este autor suizo-americano, en relación con sus técnicas de apropiación y montaje. Comisaría el proyecto Tanya Barson.

El uso de lapis specularis, yeso cristalizado de gran transparencia que puede laminarse, supuso casi una revolución en la etapa romana: permitió cerrar estancias, mantener la temperatura en las termas, proteger ventanillas… y también se le concedieron propiedades simbólicas.

Es también el eje y el título de la propuesta que Miguel Ángel Blanco presenta, hasta el 23 de junio, en el Museo Arqueológico Nacional: ha trabajado con este material, procedente de minas de Segóbriga y Arboleas (Almería), en libros-caja que forman parte de su Biblioteca del bosque.

Gabriel Pinós, director de la Galería Gothsland, cede, tras cuatro años, la presidencia del Gremio de Galerías de Arte de Cataluña a Mònica Ramon, codirectora de Artur Ramon Art y presidenta del comité de los Premios GAC. Así se decidió en la última asamblea que los miembros de esta institución mantuvieron esta semana en el Real Círculo Artístico de Barcelona.

En la misma reunión se establecieron como objetivos inmediatos del Gremio reforzar la presencia de la institución en todo el territorio catalán y potenciar sus acciones para la defensa y proyección del galerismo, además de insistir en el diálogo con as administraciones, fundaciones y agentes vinculados a las artes visuales para relanzar el sector.

Okwui Enwezor, comisario, teórico, escritor y anterior director de Haus der Kunst (Múnich), falleció en esa ciudad alemana el pasado 15 de marzo.

Era una de las figuras más carismáticas en el panorama global del arte contemporáneo; en 1994 fundó el NKA Journal of Contemporary African Art, ahora publicado por Duke University Press, y dos años después fue nombrado director artístico de la segunda Bienal de Johannesburgo.

En 1998 lo sería de Documenta 11 y se convirtió en el único comisario, tras Harald Szeeman, en dirigir esa cita y la Bienal de Venecia. También comisarió las bienales de Sevilla (2006), Kwangju (2008) y la Trienal de París (2012).

El Museo del Barrio de Nueva York ha anunciado el nombramiento de Rodrigo Moura como su nuevo comisario jefe. Trabajará junto al director ejecutivo, Patrick Charpenel, y el resto del equipo curatorial del centro para ampliar la difusión de su colección permanente y fomentar las relaciones con artistas emergentes y consagrados.

Moura se une al Museo del Barrio tras doce años como comisario y director artístico del Instituto Inhotim de Belo Horizonte, en Brasil.

Defensora del poder de la fotografía para lograr cambios sociales, Dorothea Lange empleó su cámara como herramienta reivindicativa con la que exponer injusticias y desigualdades.

Tras una infancia difícil en Nueva jersey, Lange fotografió a las clases altas de San Francisco hasta que, desde 1933 y coincidiendo con la Gran Depresión, decidió trasladar su objetivo a los más afectados por la crisis. Trabajó para la Administración de Reasentamiento del gobierno (más tarde llamada Administración de Seguridad Agrícola) y buena parte de sus imágenes de entonces debían favorecer la asistencia de las autoridades a los desempleados.

Aunque sus fotografías están a punto de cumplir un siglo, abordan temas aún relevantes, como la pobreza, la degradación ambiental, el trato dado a los inmigrantes, la erosión de las comunidades rurales, la discriminación racial y los derechos de las mujeres. El Frist Art Museum de Nashville examina su legado hasta el 27 de mayo, en la exposición «Dorothea Lange: Politics of Seeing».

El Museum of Fine Arts Houston acoge, hasta el 27 de junio, la muestra «Vincent van Gogh: His Life in Art», que reúne medio centenar de sus trabajos agrupados en cuatro etapas cronológicas, desde sus primeros bocetos hasta sus pinturas finales.

La antología recordará los primeros años del artista en Holanda, su etapa luminosa en París, la luz y el color dominantes en su periodo en el sur de Francia y su exploración de la naturaleza como fuente de inspiración duradera en Saint-Rémy y Auvers. Consta de retratos, paisajes y naturalezas muertas llegados, sobre todo, de las colecciones del Van Gogh Museum de Ámsterdam y el Kröller-Müller Museum de Otterlo.

La Fundación Oteiza ha anunciado hoy el próximo nombramiento de Miguel Zugaza, actual director del Museo de Bellas Artes de Bilbao (antes lo fue del Prado) y del artista Jesús Mari Lazkano como nuevos miembros de su Patronato.

Así se ha decidido en la reunión que este organismo ha tenido hoy en el Museo Oteiza y que ha estado presidida por Rafael Moneo, con la finalidad de “incorporar al Patronato nuevos profesionales de contrastado prestigio que ayuden a conseguir los objetivos futuros de esta Fundación”, según el presidente.

La participación de Zugaza y Lazkano se hará efectiva en la próxima reunión del Patronato y completará la configuración actual del órgano rector de la Fundación Oteiza, formado por su presidente, Moneo; su secretaria, la directora de Cultura del Gobierno de Navarra, Dori López Jurio; Jaione Apalategi, Ana Herrera, consejera de Cultura, Deporte y Juventud del Gobierno de Navarra; José Angel Irigaray, Xabier Morrás, Marisa Sáenz Guerra, Juan Antonio Urbeltz y Begoña Urrutia, directora general de Presupuesto del Gobierno de Navarra.

Decía Rothko que las personas que sienten necesidad de llorar delante de sus pinturas están conociendo la misma experiencia religiosa que él cuando las pintó. El Stedelijk Museum de Schiedam quiere lograr que sus grandes lienzos abstractos continúen provocando emociones hondas y por eso invita a sus visitantes a contemplarlos en solitario, olvidándose de las multitudes que suelen situarse junto a estas obras.

Su proyecto «Rothko & me» propone a los espectadores situarse, solos y sin teléfono móvil, frente a Grey, Orange on Maroon, No 8, una de las piezas fundamentales de la colección del Museo Boijmans Van Beuningen, que se encuentra sumido en obras de renovación, de ahí que ahora este Rothko se encuentre en el Stedelijk, en el marco del programa «Boijmans Next Door»: trabajos fundamentales de los fondos de ese museo pueden verse en varias localizaciones de Rotterdam y en Schiedam hasta 2022.

Los visitantes de este Rothko pueden decidir si atender o no algunos consejos para la atención plena, si usar auriculares para acompañar la contemplación de música o quedarse con el silencio. Nada les impedirá permanecer sentados o de pie y, aunque no se permite móvil, sí se aceptan fotos.

Un estilista que es también diseñador de exposiciones, Maarten Spruyt, ha reordenado la sala de espera y la de exposición para favorecer la paz y la tranquilidad, además de para potenciar los colores del artista, genio del expresionismo abstracto.

A menos que haya una interminable cola, los visitantes pueden permanecer frente al Rothko el tiempo que deseen; de haber saturación, se reducirá a diez minutos. Los interesados en no tener prisa, o en permanecer junto a la obra incluso 24 horas, pueden hacerlo previa reserva.

Puede que haya asociaciones de filósofos, poetas, músicos… que quieran contemplar Grey, Orange on Maroon, No 8 en pequeños grupos: también se organizan visitas para ellos.

PARA MÁS INFORMACIÓN:
www.stedelijkmuseumschiedam.nl

Un siglo después de la última muestra del valenciano en Gran Bretaña, la National Gallery de Londres repasa la producción de Sorolla en la retrospectiva «Sorolla: Spanish Master of Light», que puede visitarse hasta el 7 de julio en su ala Sainsbury. Es la más completa del pintor realizada hasta ahora fuera de nuestro país y cuenta con paisajes marinos, jardines, escenas de baño, retratos y escenas de género.

Son 58 las obras expuestas y muchas proceden de colecciones privadas. La antología está organizada con el Museo Sorolla madrileño y la National Gallery of Ireland.

Es Baluard ha lanzado Col·lecció Es Baluard, el catálogo razonado de su patrimonio artístico, que supone una revisión actualizada de los fondos del museo mallorquín. Incluye una selección de creaciones artísticas que alcanza 85 piezas y responde al estudio de las obras más solicitadas del centro, tanto a nivel externo, a través de préstamos a otras instituciones, como interno, por su valor como instrumento educativo y de mediación social.

La publicación consta de cuatro bloques temáticos: Utopías (Geografías: Centros y periferias), Géneros y transgéneros, Política y Paisajes y sostenibilidad. Cada uno está precedido de un texto de presentación elaborado por los expertos Enrique Juncosa, Griselda Pollock, Jorge Luis Marzo y Diana Weschler. Además, el libro, con 264 páginas y realizado en tres idiomas (catalán, castellano e inglés), incorpora comentarios específicos realizados por el equipo investigador del museo complementadas por las reproducciones a color de cada obra.