Los DNA Paris Design Awards han galardonado el catálogo «Macla, mamua, bismuto, vicario», editado por el Museo Oteiza de Alzuza (Navarra), diseñado por Franziska Estudio y publicado el pasado año con motivo de la exposición del mismo título desarrollada por Karlos Martínez B y Javier Arbizu. La obra ha resultado ganadora en la categoría de diseño editorial.

Este certamen, de reciente creación, sigue la estela de los German Design Awards como referente europeo en el hallazgo y reconocimiento de tendencias editoriales internacionales en distintas categorías como la arquitectura, el interiorismo, el packaging o el diseño gráfico.

Hasta el próximo 15 de septiembre, puede visitarse en el MARCO de Vigo la muestra «Destacados. Colección Telefónica», que comprende una selección de pinturas, esculturas y obras en papel representativas de los fondos de la Fundación Telefónica.

Se exhiben trabajos de Eduardo Arroyo, Elena Asins, Eduardo Chillida, Francisco Bores, Paul Delvaux, Óscar Domínguez, Luis Feito, Luis Fernández, Ismael González de la Serna, Luis Gordillo, Eugenio Granell, Juan Gris, Menchu Lamas, René Magritte, Louis Marcoussis, Roberto Matta, Godofredo Ortega Muñoz, Guillermo Pérez Villalta, Pablo Picasso, Antonio Saura, Soledad Sevilla, Antoni Tàpies, Darío Villalba, Daniel Vázquez Díaz y Hernando Viñes junto a obras de renovadores artistas gallegos prestadas por el Ayuntamiento de la capital de Pontevedra. Se trata, en este caso, de Castelao, Manuel Colmeiro, Isaac Díaz Pardo, Tino Grandío, Mario F. Granell, Laxeiro, Gloria de Llano, Urbano Lugrís, Carlos Maside, Luis Seoane, Arturo Souto y Manuel Torres.

A partir del 31 de mayo, el Museu Nacional d´ Art de Catalunya recuperará en una exposición la obra de un pintor catalán exitoso en vida y parcialmente olvidado después: Antoni Fabrés.

La historiografía del arte situó su producción como continuadora de la de Fortuny en cuanto a su temática orientalista, pero Fabrés no formó parte de ningún movimiento especifico y, aunque pintó temas orientalistas comunes a muchos artistas de fines del siglo XIX, o temas de mosqueteros o espadachines, muchas de sus obras también se pueden asociar al realismo y el naturalismo.

Además, fue un gran retratista, atento a las miradas, y su preocupación por la luz le llevó a investigar su incidencia en los colores, tanto de interiores como de paisajes.

En 1926 el propio Fabrés hizo una gran donación de su obra a la Junta de Museos de Cataluña. Actualmente se conserva en el propio Museu Nacional y en la antigua Casa del Comú, en Les Corts.

«Mat Collishaw. Dialogues”, la primera exposición organizada por la Fundació Sorigué en Madrid, ha recibido 31.200 visitas durante los dos meses que ha estado abierta al público, del 30 de marzo al 24 de mayo, en el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico.

Esta ha sido, además, la primera individual en España del creador británico. A través de más de 30 obras, entre esculturas, fotografías, vídeos, pinturas e instalaciones de gran formato de sus últimas dos décadas de carrera, la muestra nos ha presentado las creaciones, oscuras y muy personales, de este miembro de los Young British Artists que para la ocasión ha dialogado con el propio Jardín Botánico y con las colecciones del Prado.

Hasta el 10 de junio, Cristina Toledo presenta en la Galería Javier Silva de Valladolid «Lo que se oculta», muestra en la que de nuevo encontramos pinturas cuyo germen primero fue fotográfico. Lleva a sus lienzos traslaciones mentales de imágenes que le sedujeron: en este caso, la exposición nació de una fotografía grupal decimonónica en la que las retratadas tapaban su rostro.

En palabras de la artista, una de nuestras fichadas, me sorprendió este gesto, claramente contrario a la idea clásica de retrato como algo que refleja de alguna manera la identidad de la persona representada. Descubrí que en la época victoriana dicho gesto se usaba en ocasiones como una manera de escenificar el luto. A partir de esa fotografía, comencé a recopilar diferentes grupos de imágenes tomadas desde mediados del s. XIX hasta los primeros años del s. XX. Algunas mantenían esa relación con el ocultamiento del rostro, otras con la atmósfera fúnebre, misteriosa o surreal de la primera imagen. Las que he seleccionado y pintado para esta exposición tienen ese nexo con lo que está oculto, con lo que no se nos permite ver.

Ivorypress presentará, del 29 de mayo al 27 de julio, la segunda exposición de Bohnchang Koo en Madrid. La muestra se titulará «The Allure of Blue» y agrupará una selección de las obras de su serie más reciente: elegantes fotografías de piezas de porcelana procedentes de la dinastía Joseon.

Hace ya catorce años que este autor comenzó a estudiar y fotografiar la porcelana tradicional coreana, fijándose en la belleza de su fragilidad y en cómo puede introducirnos en la herencia cultural coreana a través de sus diseños.

Hasta el próximo 23 de junio, Albano Afonso presenta en la gallega Fundación DIDAC su serie de fotografías Estudio, en la que, tras encuadres de colores propios del arte neoconcreto, encontraremos velados autorretratos del artista.

La luz en estas imágenes desvela los espacios, pero también los multiplica y el autor nos invita a transitarlos y dejarnos llevar en terrenos propicios al desasosiego, y no a la evidencia.

La exhibición del brasileño, titulada «Vivir nun mundo abstracto», tiene una segunda sede en la Iglesia de la Universidad de Santiago de Compostela, donde puede contemplarse hasta el 31 de mayo.

La Tate Britain ha anunciado ya los nombres de los cuatro artistas que optan a llevarse el Turner Prize 2019: Lawrence Abu Hamdan, Helen Cammock, Oscar Murillo y Tai Shani. Sus proyectos se exhibirán del 28 de septiembre al 12 de enero en Turner Contemporary y el ganador se dará a conocer el 3 de diciembre.

El jurado estará presidido por Alex Farquharson, director de la Tate Britain, y formado por Alessio Antoniolli, director de Gasworks & Triangle Network; Elvira Dyangani Ose, directora de The Showroom Gallery; Victoria Pomery, directora de Turner Contemporary y el escritor Charlie Porter.

El Museu Picasso celebra el centenario de la donación por Picasso de su primera obra a Barcelona: El Arlequín. La pintó en la capital catalana en 1917 y, para conmemorarlo, el centro nos invita a reencontrarnos con su figura y también con el universo circense.

Circ Xic, con Ton Muntané y Dani Tomás; Aurora Caja, Marionetas Colegone, con Marta Espia y Jonathan Guisado; Dídac Cano, Kari Panska y las bailarinas rusas de Shansa interactuarán con los visitantes del Museu y les sorprenderán con sus acrobacias, bailes, malabares y títeres en las salas de la colección permanente y la planta baja. Será del 14 al 18 de mayo.

Esta tarde, a las 19:00 horas, Malén Gual, Vicente Llorca, Raffaelle de Ritis y Ferruccio Soleri participan en una mesa redonda sobre la obra moderada por Emmanuel Guigon.

João Fernandes, subdirector del Museo Reina Sofía desde 2012 y director del Museu Serralves de Oporto en la década anterior, quedará desde el próximo 18 de agosto al frente del Instituto Moreira Salles brasileño.

Fundado en 1992, este centro cuenta con sedes en Poços de Caldas, Río de Janeiro y São Paulo y está considerado una de las principales instituciones culturales en Brasil. Su programación se desarrolla en cuatro áreas: fotografía, artes plásticas, literatura y música.

Cada año, la organización británica Art Fund selecciona cinco museos británicos como nominados a su galardón Museum of the Year, destinado a reconocer la gestión imaginativa e innovadora de estos centros.

Este año el jurado del premio ha estado presidido por Stephen Deuchar y formado por el artista David Batchelor, la periodista Brenda Emmanus, Bridget McConnell, directora de Glasgow Life y Bill Sherman, director del Instituto Warburg.

Los nominados esta vez son HMS Caroline (Belfast), Nottingham Contemporary, Pitt Rivers Museum (Oxford), St Fagans National Museum of History (Cardiff) y V&A Dundee y conoceremos el ganador el 3 de julio. El centro elegido recibirá una dotación de 100.000 libras; los preseleccionados, 10.000.

Cerca de 125 trabajos de Marcel Duchamp procedentes de los fondos del Philadelphia Museum of Art se presentan, hasta el 11 de agosto, en la Art Gallery of New South Wales, en el marco de la mayor antología del creador dadaísta que hasta ahora ha podido visitarse en Oceanía.

Se muestran pinturas de sus años de formación, obras icónicas como Desnudo descendiendo por una escalera (1912), que escandalizó en el Armory Show del año siguiente, o Fountain 1950, réplica de su Urinario original de 1917.

El National Museum Cardiff galés presenta, hasta el 1 de septiembre, la muestra más ambiciosa hasta ahora dedicada a David Nash coincidiendo con su medio siglo de trabajo en Capel Rhiw, una antigua capilla metodista en Blaenau Ffestiniog, en el norte de Gales.

«David Nash: Sculpture through the Seasons» cuenta con sus piezas fundamentales desarrolladas desde los sesenta hasta hoy: tallas en madera en las que convergen lo abstracto y lo figurativo. Hay que recordar que su producción está estrechamente vinculada a la naturaleza: ha ideado incluso esculturas vivas, como las de Ash Dome (1977), proyecto consistente en la plantación de una veintena de fresnos. Sus proyectos vinculados a desarrollos temporales se exhiben en la muestra a través de fotografías y vídeos.

El MUDEC milanés reivindica, hasta el próximo 8 de septiembre, a Roy Lichtenstein como icono artístico del siglo XX. Exhibe ochenta piezas del creador pop, entre grabados, esculturas, vídeos, fotografías y algún tapiz. Podremos recorrer las fases de su carrera y los temas que cultivó entre las décadas de los cincuenta y los noventa, desde la posguerra hasta el fin de la Guerra Fría: veremos paisajes de influencia oriental, retratos femeninos, desnudos, interiores, naturalezas muertas y pinturas abstractas.

Especial atención recibe la cultura del consumismo que Lichtenstein absorbió en su medio siglo de trayectoria y su interpretación del sueño americano.

Hasta el próximo 24 de mayo, la zaragozana Galería A del Arte exhibe obra nueva de Enrique Larroy: más de veinte trabajos sobre papel que componen sus «Horizontes basura», elaborados con materiales abandonados en sus proyectos previos, como cintas para pegar, papeles de periódicos o cartones.

No los presenta en su estado original, sino pintados o manipulados, llamando la atención sobre sus usos primeros. El papel compone su fondo, tratado con pinceladas aleatorias.

Hasta el próximo 15 de junio, la Galería Juana de Aizpuru presenta el proyecto «Barreras de visión» del fotógrafo ruso Tim Parchikov, realizado en las Canarias, archipiélago en el que, según el artista, nuestro ojo debe de reconfigurarse si lo que se quiere es observar, no solo ver.

Dice Parchikov que en las Islas Canarias uno debe de olvidar lo que sabe y capturar las cosas que son meras suposiciones. En otras palabras, uno debe de destruir las barreras de visión.

En sus imágenes nos propone encontrar las líneas de fuerza de su paisaje, reenfocando nuestra mirada.

Con el objetivo de contribuir a la consolidación del eje cultural del norte de España, el recientemente abierto Chillida Leku de Hernani y el Centro Botín de Santander estrechan lazos para permitir a sus visitantes obtener descuentos en los precios de las entradas. Gracias a esta colaboración, cualquier persona que visite una de las dos instituciones obtendrá un flyer con el que podrá reducir en un 20% el precio de la entrada en el otro centro.

Ese código de descuento podrá canjearse en taquilla o ser utilizado en el proceso de compra online. En ambos casos será imprescindible la presentación del flyer en papel a la hora de acceder al museo para que la entrada sea válida. La promoción, que ya ha entrado en funcionamiento, permanecerá vigente hasta el próximo 31 de agosto.