La Fundación ARCO ha anunciado la puesta en marcha de un proyecto junto al Meadows Museum para promocionar el arte contemporáneo español en Estados Unidos. Este programa, bautizado como MAS (Meadows/ARCO Artist Spotlight) surgió a raíz de la concesión, el pasado mes de febrero, del Premio A de la Fundación ARCO a la institución norteamericana y por el interés de esta en servir de plataforma de difusión para los creadores españoles.

El acuerdo de colaboración tendrá una duración de seis años y consistirá en la realización de tres exposiciones (una cada dos años), entre los meses de enero y abril de 2021, 2023 y 2025. Un Comité español formado por Lucía Casani, directora de La Casa Encendida, Manuel Segade, director del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, y las coleccionistas Pilar Lladó y Jimena Blázquez, será el responsable de realizar una preselección de cuatro artistas que será presentada después al Comité de Selección del Meadows Museum, que tendrá la última palabra en la elección del artista.

Como preludio a lo que será esta nueva iniciativa, entre los meses de noviembre de 2019 y abril de 2020 el Meadows exhibirá una obra de Secundino Hernández (Madrid, 1975), un joven artista que goza ya de una interesante trayectoria internacional.

El Museo de La Rioja acoge, hasta el 15 de diciembre, la exposición “Sin moldes. Escultura en la Colección MUSAC”, que reúne obras de veinte artistas nacionales e internacionales pertenecientes a la colección del centro leonés, institución invitada este año dentro de las actividades organizadas por la Feria de escultura contemporánea Sculto.

La muestra se divide en dos partes: la primera de ellas se exhibe en el espacio para exposiciones temporales del Museo de La Rioja, y la otra dialoga con las obras de la colección permanente, dando un contrapunto de contemporaneidad a las temáticas de este museo.

En colaboración con el Centro José Guerrero de Granada, el Museu Fundación Juan March de Palma de Mallorca estudia la producción pictórica desarrollada por este pintor entre 1966 y 1969. La fecha coincide con su regreso a España tras dos décadas en Estados Unidos y dos hechos le animarían a volver: la apertura de la Galería Juana Mordó en Madrid (1964) y su encuentro con Fernando Zóbel, que justamente en 1966 abriría el Museo de Bellas Artes de Cuenca.

La exposición recuerda los tres lugares esenciales para la obra de Guerrero en esos años (Madrid, Nerja y Cuenca) y lo fructífero de aquella etapa. Destaca el magisterio de sus trabajos en papel.

El gallego Mauro Trastoy es artista y diseñador gráfico y su producción viene cuestionando la existencia de fronteras entre arte, artesanía y diseño. Desde hace algo más de una década, sus proyectos son sobre todo tridimensionales y de factura manual: le interesa el contacto directo con los materiales.

Ahora presenta en la Galería Marisa Marimón de Orense «Sen Ser»: Partiendo de procesos artesanales, elaboro esculturas y formas a partir de gestos mínimos repetidos una y otra vez (cortar, atar, pegar, etc). La incorporación continua de nuevas técnicas y materiales siempre ofrece nuevas soluciones (cerámica, cestería, joyería, telares …). Para este proyecto presento el resultado de diferentes experimentos con las técnicas relacionadas con la trama y la urdimbre.

Conocemos a la artista coreana Haegue Yang por sus persianas y también por instalaciones multimedia en las que entrelaza materiales y métodos, referencias históricas y experiencias sensoriales. Hasta abril de 2020, muestra en el Marron Atrium del MoMA de Nueva York Handles, una instalación específica compuesta por seis esculturas geométricas que se activan diariamente mediante luz y sonido, generando un environment complejo con resonancias personales y políticas.

Algunas se inspiran en Sophie Taeuber-Arp y en el filósofo místico GI Gurdjieff, otras transitan entre lo prehistórico y lo futurista. Impregna el espacio ruido ambiental de pájaros registrado en una zona desmilitarizada entre Corea del Norte y Corea del Sur durante la histórica cumbre de 2018.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha concedido hoy su Premio Nacional de Fotografía, dotado con 30.000 euros, a Montserrat Soto por su interés en la investigación en el lenguaje de la fotografía y el vídeo, con el fin de llevarlos a un espacio expandido, subrayando el carácter ilusorio de los medios con los que trabaja. También ha incidido en que Montserrat Soto muestra un compromiso con los espacios habitados y con las presiones que ejercen sobre las personas que los ocupan, reflejando una preocupación por la ecología y la memoria que otorga a su trabajo un peso de orden político, antropológico y social.

La artista barcelonesa se formó en la Escola Massana y en la École Supérieure d’Art de Grenoble e inició su trayectoria a principios de los noventa. Su producción la protagonizan espacios, lugares y paisajes y parte de sus series las ha realizado en almacenes de museos y casas de coleccionistas, buscando analizar los lugares que guardan arte. Recientemente ha colaborado, además, en proyectos vinculados a la poesía, el teatro y el cine.

El jurado del galardón ha estado presidido por Román Fernández-Baca Casares, director general de Bellas Artes y Begoña Torres González, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes y formado por Carlos Gollonet, conservador Jefe de Fotografía del Área de Cultura de MAPFRE; Javier Vallhonrat, fotógrafo; Laura Terré, comisaria de exposiciones; Semíramis González, historiadora y comisaria independiente y Gloria Oyarzabal Lodge, fotógrafa.

Hoy, segunda jornada de ESTAMPA 2019 (la feria se celebra hasta el próximo 20 de octubre en IFEMA), se han dado a conocer los galardones de esta cita correspondientes a este año.

Hace unas horas os contamos que el Premio Comunidad de Madrid ESTAMPA había sido para Julia Huete y Cristina Mejías; además, la Colección DKV ha distinguido a Alejandro Garrido (Moisés Pérez de Albéniz) y Alberto Gil Casedas (Set Espai d´ Art), la beca de Residencia ESTAMPA/Casa Velázquez ha recaído en Elena Aitzkoa (Galería Rosa Santos) y el Premio Colección Navacerrada ha sido para Oier Iruretagoiena y Leo Burge (Carreras Mugica).

Por su parte, la Colección Kells ha reconocido la obra de Paula Anta (Galería Pilar Serra) y, de nuevo, la de Cristina Mejías (JosédelaFuente) y la Colección Casa de Indias ha galardonado a Isidoro Valcárcel Medina (Bernal Espacio). Por último, el Premio que concede el Museo del Grabado Español Contemporáneo de Marbella ha sido para Santiago Giralda (Moisés Pérez de Albéniz).

Pronto hará dos años que se sumaron a nuestros Fichados David Simón Martret y Blanca Galindo, los chicos de Leafhopper Project. Son fotógrafos documentales que desarrollan tanto obra personal como proyectos comisionados y que han trabajado sobre temáticas muy diversas, aunque su producción suele tener que ver con la reflexión sobre las esencias del ser humano y nuestra adaptación a entornos difíciles.

Recientemente han publicado “It’s a Wonderful Life”, que definen como un ensayo visual sobre la adicción como una bella lucha por la supervivencia, la adaptación al medio y, al mismo tiempo, la subversión de este. Cuando os hablamos de ellos se encontraban precisamente inmersos en la serie del mismo título, que habían iniciado en 2015: se trata de un conjunto de imágenes en el que no hay principio ni fin y en el que se relacionan dichas adicciones con rasgos que definen la sociedad contemporánea: la falta de conexión emocional, las derivas identitarias en nuestros días, el individualismo, la dislocación, la globalización y el consumismo. Sin embargo, la esperanza y el afán de supervivencia son siempre telones de fondo.

La toma de las fotografías que forman parte de “It’s a Wonderful Life” ha ido acompañada de un proceso de estudio, investigación y desarrollo de entrevistas en China, Indonesia, Malasia, España, México, Filipinas, Japón, Estados Unidos, Finlandia, Palaos y Portugal.

Más allá de patologías, este ensayo visual nos acerca a un entendimiento más amplio de las adicciones: este término procede del latín addictus y Addictus era un personaje de la Roma Antigua, manirroto e incapaz de obrar con mesura. Con el tiempo, acabamos asociando este concepto a quienes no podían abandonar el consumo de ciertos bienes; pero, también podríamos vincularlo a quienes no se adaptan a algunas convenciones sociales o las sobrepasan.

Según Martret y Galindo, podemos acercarnos a los protagonistas de su serie fotográfica, en ese sentido, desde un doble punto de vista: como seres subversivos, como seres que se rebelan ante las normas establecidas socialmente; o como seres a la deriva, como víctimas de la falta de conexión emocional, presos del individualismo, de la dislocación global o del consumismo. De este modo, sus adicciones serían caminos para adaptarse a un medio en el que no tienen cabida sus deseos.

“It’s a Wonderful Life” ha sido publicado por la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid y la editorial PHREE tras ser el proyecto ganador del concurso Fotolibro<40.

Dentro de un mes, del 14 al 17 de noviembre, se celebrará en el Auditorio y Palacio de Congresos de Castellón la sexta edición de la feria de arte contemporáneo MARTE, única cita de estas características dedicada a la creación actual en la Comunidad Valenciana.

Su artista invitada será la mallorquina Amparo Sard, que llevará a MARTE el proyecto «Entornos cambiantes», destinado, según su autora, a favorecer una toma de conciencia sobre la forma en que reaccionamos e interpretamos hoy lo que vemos. Cree Sard que nos hemos acostumbrado a percibir parte de la realidad como si fuera ciencia ficción, sin que nos afecte ni nos suscite ninguna reacción.

Nos anticipa en qué consistirá su trabajo: Lo que se encontrará el espectador es una serie de imágenes, muchas de ellas autorretratos, donde una figura inicial es deformada para dar una sensación algo inquietante. Porque, quizá de esa manera, el que no reacciona ante las imágenes deprimentes ante las que nos encontramos, o en este caso, frente a la imagen superficial que está contando la historia de la exposición, percibe cierta inquietud o angustia.

La obra de Sard forma parte de los fondos del MOMA y el Guggenheim de Nueva York, ARTIUM, los Deutsche Bank de Berlín y Nueva York o la colección Patricia Phelps de Cisneros, entre otras. Además, fue seleccionada como una de las mejores artistas del mundo del año 2018 para la LXRY List de Holanda.

Fernando Benzo, consejero delegado de Madrid Destino, y Borja Baselga, director gerente de la Fundación Banco Santander, han firmado hoy el acuerdo de colaboración que permitirá la continuidad de Levadura, programa de residencias de creadores en escuelas coproducido por ambas instituciones. El proyecto tiene como fin llevar a las aulas conceptos y metodologías propias de la creación contemporánea de forma participativa y en contacto directo con artistas actuales.

Levadura se desarrolla por sexto año consecutivo y supone la participación de cinco artistas o creadores (cuatro escogidos por convocatoria pública y uno por invitación curatorial) para desarrollar un proyecto educativo en cuatro centros culturales que gestiona Madrid Destino (Conde Duque, Medialab Prado, CentroCentro y Matadero Madrid) y en uno o más colegios de Madrid, elegidos asimismo por convocatoria pública.

Madrid Destino, dependiente del área de Cultura, Turismo y Deporte que dirige Andrea Levy, se encarga del comisariado del proyecto y de la producción. La Fundación Banco Santander, que financia la iniciativa, también participa en las bases y el jurado de las convocatorias públicas, así como en la supervisión de los talleres y en la publicación de los resultados de los proyectos. Actualmente ambas instituciones están promoviendo la convocatoria para cuatro creadores madrileños, abierta hasta el 23 de octubre.

Elena Hernando, en los últimos nueve años Directora-Gerente del Museo Lázaro Galdiano, ha sido designada por el Ejecutivo madrileño directora general de Patrimonio de la Comunidad de Madrid.

Licenciada en Geografía e Historia por la Universidad Complutense y funcionaria de carrera del Cuerpo Superior de Administradores Civiles desde los noventa, Hernando fue durante una década Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes.

En su etapa al frente del Lázaro Galdiano, este centro ha dedicado destacadas muestras a colecciones y artistas contemporáneos invitados.

Desde el pasado 23 de septiembre y hasta el próximo día 29, tiene lugar en Aladrén (Zaragoza) la tercera edición de ABABOL, Festival de Arte Público, Memoria y Despoblación que dirige Gema Rupérez y que invita a tres creadores a desarrollar proyectos artísticos públicos en esa localidad tras participar en residencias.

Este año se han recibido cerca de cuarenta propuestas llegadas de México, Venezuela, Uruguay, Chile, Polonia, Italia y también de España y su selección ha sido efectuada, además de por Rupérez, una de nuestras fichadas, por la productora cultural Alba Braza y la historiadora y comisaria Emma Brasó.

Los seleccionados han sido Alegría y Piñero, Alejandro Gambín y Raúl Hevia. Los primeros plantean, en El habla como elemento arquitectónico, una investigación sobre la creación de esculturas de habla artificial; Gambín aborda en una intervención mural la relación entre memoria y vida cotidiana y, por último, Raúl Hevia, en Fuente de la Eterna Juventud, imagina cómo podría construirse dicho monumento.

Sus intervenciones quieren convertir Aladrén en un espacio de convivencia entre arte contemporáneo, arquitectura y entorno rural y han sido precedidas, en las anteriores ediciones de ABABOL, por proyectos como los de Abel Jaramillo, Khairi Jemli y Tamara Arroyo.

Mañana, 27 de septiembre, tendrá lugar en Aladrén la proyección del documental Soñando un lugar, de Alfonso Kint, dedicado a la posibilidad de dejar la ciudad y abrazar el campo; el 28 de septiembre se celebrará la mesa redonda ARTE, MEMORIA Y DESPOBLACIÓN, en la que participarán expertos en gestión cultural, documentación e historia del arte, además de varios conciertos y, por último, el 29 de septiembre, un pasacalles a las 12:00 horas permitirá conocer mejor los proyectos desarrollados.

El Centro Cultural Montjuic de la Gran Vía barcelonesa acoge, del 16 al 29 de septiembre, una exposición colectiva de artistas que cultivan el estilo Pop Stram, organizada por la Fundación Matilde Tamayo.

Creado por Ciscu Tamayo, este estilo se caracteriza por la combinación de elementos estrambóticos (entendiendo como tales las figuras que combinan rasgos humanos y animales o las de apariencia irreal) y elementos populares: objetos, personajes públicos, logos e imágenes comerciales y reconocibles. Las obras de los artistas que lo cultivan cuentan con una narrativa ligada a recuerdos, anhelos, emociones, críticas, sueños, protestas, etc.