Desde el pasado 23 de noviembre, los visitantes del Moderna Museet de Estocolmo descubren profundos cambios en su visita a la colección permanente del centro: se ha reorganizado por completo y las diecinueve salas en que se dispone se han renovado a fondo.

Son 140.000 las obras que forman parte de los fondos del museo y, con el fin de que el mayor número posible de ellas pudieran ser contempladas, el recorrido por la colección venía cambiando casi constantemente. Esta vez, se ha optado por dar prioridad en las presentaciones a temas o artistas individuales, de ahí que las nuevas salas expositivas respondan, desde el mes pasado, a epígrafes como Una habitación propia, Collage y ensamblaje, Después de la pared o Abstracción excéntrica.

Técnicos, conservadores y comisarios han preferido que solo sean 300 las piezas expuestas por ahora en representación del acervo del Moderna Museet, y también han decidido dar protagonismo a las mujeres artistas y a los creadores suecos, incluyéndose, con una representación importante de piezas, a Siri Derkert.

Nos esperan igualmente trabajos de Lygia Clark y Robert Gober que no se habían expuesto antes y veremos también obras de Ola Pehrson o Mona Hatoum que habían estado durante años en el almacén o que habían sido prestadas a otras instituciones suecas o extranjeras. Algunas de las piezas estrella del centro, como uno de los monogramas de Rauschenberg, un paisaje marroquí de Matisse o un Sigrid Hjertén se exhiben integradas en renovadas constelaciones de obras.

Gitte Ørskou, directora del Moderna Museet, ha señalado que este espacio cuenta con una de las mejores colecciones de arte moderno y contemporáneo de Europa y que mostrarla, al menos parcialmente, conforme a criterios temáticos y no estrictamente cronológicos arrojará nuevas luces sobre las obras individuales y revelará el poder intemporal de la creación para transmitir ideas y emociones más allá de contextos de época.

Hasta el 16 de febrero de 2020, el MALBA argentino presenta «Soplo», retrospectiva de Ernesto Neto, figura esencial de la escultura contemporánea, que reúne sesenta de sus obras. Desde sus inicios en los ochenta, el artista ha producido un cuerpo de trabajo en el que buscaba hacer dialogar arte, espacio y espectadores bajo la influencia de la creación neoconcreta brasileña.

Sus primeros trabajos los realizó a partir de materiales como medias de poliamida, esferas de poliestireno, especias y hierbas, en grandes instalaciones inmersivas concebidas como espacios de convivencia y también de toma de conciencia; asimismo suele favorecer el desarrollo de tensiones entre materiales textiles recientes y técnicas artesanales como el crochet. Con el tiempo, sus proyectos han avanzado hacia la afirmación del cuerpo como elemento que no se puede disociar de la mente y de la espiritualidad.

El Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, que dirige Andrea Levy, ha nombrado a la gestora cultural Natalia Álvarez Simó directora teatral del Centro Cultural Conde Duque, con el objetivo, según el consistorio, de «convertir a este emblemático espacio, situado en un edificio del siglo XVIII, en un centro de artes vivas y del movimiento que recoja los nuevos lenguajes escénicos de la escena contemporánea».

Álvarez Simó, que se incorporará a su puesto a comienzos del próximo año, desarrollará su programación en el teatro, el auditorio, las salas de exposiciones y los patios de este complejo cultural, que abarca 58.000 metros cuadrados en el barrio de Universidad y en el que también tienen sede instituciones como la Biblioteca Benito Pérez Galdós, la Hemeroteca Municipal o el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

El Van Gogh Museum y el Drents Museum han anunciado que han comprado conjuntamente la pintura de Van Gogh Campesino quemando maleza (1883), obra de pequeño formato pero muy expresiva en la que una figura solitaria prende fuego a malas hierbas bajo la luz simple del crepúsculo. El artista la llevó a cabo en Drenthe, donde permaneció en el otoño de aquel año capturando el paisaje de sus alrededores en diversas pinturas y dibujos, aunque este trabajo es uno de las pocos que se ha conservado. Se exhibirá alternativamente en ambos centros.

Trató Van Gogh de capturar el estado del campo en otoño, sirviéndose sobre todo de colores oscuros. Atendiendo a sus cartas, llevó a cabo dieciocho estudios allí y, con Campesino quemando maleza, todos los que consta que se preservan forman ya parte de colecciones públicas holandesas.

Al concentrarse en los efectos lumínicos, en la captación del crepúsculo, el autor de Los girasoles alumbró aquí una obra intrigante. Logró reproducir hábilmente la iluminación derivada del fuego, el humo ascendente y la sombra que proyecta sobre la tierra.

En 1883 Van Gogh solo había pintado óleos durante un año y aún buscaba un estilo propio como pintor. La adquisición de este trabajo ha sido posible con la colaboración del BankGiro Loterij, la Mondriaan Fund, Vereniging Rembrandt y la Vincent van Gogh Foundation.

El Ministerio de Cultura y Deporte ha concedido el Premio Velázquez de Artes Plásticas 2019 a la creadora chilena Cecilia Vicuña; en palabras del jurado, por su destacada obra como poeta, artista visual y activista, que ha desplegado un arte multidimensional en el que interactúa con la tierra, el lenguaje escrito y los tejidos. La han valorado como creadora de una poética especial en la que se cruza la conciencia ecológica, la ciudad y la institución artística.

Vicuña, que inició su trayectoria en los sesenta, es autora de proyectos que inicia en forma de poemas o imágenes para después transformarlos en esculturas, películas, canciones o instalaciones. Ella califica a su producción como «lo precario».

El jurado del premio, dotado con 100.000 euros, ha estado presidido por el director general de Bellas Artes y Patrimonio Cultural, Román Fernández-Baca, y formado por la subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes, Begoña Torres González; Marina Vargas, artista; Tania Pardo, subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo; Nuria Enguita Mayo, directora de Bombas Gens; Jose María de Francisco Guinea, director de Estampa; Maria José Magaña, responsable del Área de Artes visuales del Instituto Cervantes; Iván de la Nuez, ensayista, crítico de arte y comisario y José Luis Blondet Serfati, profesor, comisario e investigador.

El pasado domingo, 17 de noviembre, la feria de arte contemporáneo de Castellón MARTE cerraba su sexta edición tras recibir más de 10.000 visitantes.

Según la organización, la cita ha crecido en actividad, público, ventas y coleccionistas. Repasamos los galardones concedidos durante la muestra: el Premio Adquisición NARANJAS CON ARTE fue para Mar Vicente, de Espai Nivi Coll Blanc (Castellón); el Premio Adquisición UBE CORPORATION recayó en Alejandra Freymann, de Galería Herrero de Tejada (Madrid); el Premio Adquisición VILA-REAL ASSESORS lo obtuvo Ricardo Escavy, de Galería Shiras (Valencia), el Premio Adquisición MARTE ha sido para Luis Pérez Calvo, de La Gran (Madrid); el Premio Adquisición Colección Manuel García lo recibió Aina Albo Puigserver, de Galería Pep Llabres, y el Premio Residencia otorgado por PIRAMIDÓN CENTRE D’ART DE BARCELONA, Juan de Dios Morenilla, de Galería Punto (Valencia).

Javier Rodríguez Lozano, uno de nuestros Fichados, ha obtenido el VII Premio a la producción artística Fundación Banco Santander – Open Studio, según el jurado, por el potencial y la apertura de su trabajo y la creatividad e interés de sus imaginarios autobiográficos, entre lo doméstico y lo urbano; también por el valor simbólico de sus proyectos, dedicados a fenómenos cotidianos que habitualmente pasan desapercibidos.

Los cuatro finalistas del galardón han sido Alex Marco, Jacobo Bugarín, Marta Galindo e Irene Infantes.

Este premio, que cumple siete ediciones, tiene como fin favorecer la visibilización de jóvenes artistas alejados de los circuitos comerciales y está dotado con una residencia de tres meses en el espacio madrileño Nave Oporto y con 3.500 euros brutos como bolsa de producción.

Del jurado este año han formado parte la comisaria independiente Julia Morandeira, María Beguiristain, directora de Arte y Exposiciones de Fundación Banco Santander; Tania Pardo, subdirectora del CA2M; los artistas Miki Leal e Irma Álvarez-Laviada, de Nave Oporto; Mario Santamaría, ganador del VI Premio a la Producción Artística Fundación Banco Santander, y María Eugenia Álvarez, directora de Open Studio.

En anteriores ediciones, este premio ha recaído en Belén Rodríguez, Olmo Cuña, Elvira Amor, Pablo Capitán del Río, Jesús Madriñán y el citado Mario Santamaría.

Como ha ocurrido en CentroCentro, aunque en diferentes circunstancias en cuanto a acuerdos alcanzados, los cambios en el gobierno municipal tras las elecciones de primavera también traerán bailes de nombres al frente del Centro de Arte Alcobendas. El nuevo Ayuntamiento de esa localidad madrileña ha cesado a Belén Poole como coordinadora de este espacio, cargo que desempeñaba desde 2011, poniendo en marcha exposiciones dedicadas a artistas españoles en sus inicios, y en su etapa de media carrera, o dedicadas a la fotografía.

El nuevo equipo del Consistorio, gobernado por socialistas y Ciudadanos, ha anunciado que pretende enfocar su próxima programación en el público local. De momento se mantienen las muestras comprometidas para el próximo mes, dedicadas a Juan Carlos Bracho y Ángeles Agrela, pero las exposiciones de Gabriela Bettini, Ángel Marcos o la Colección Oliva Arauna, que se organizaban para 2020, no parece que vayan a realizarse.

Coincidiendo con la celebración del próximo Lisbon Art Weekend, que tendrá lugar del 15 al 17 de noviembre, la Fundación ARCO estrenará sus ARCO GalleryWalk en la capital portuguesa, tras la buena marcha de los programados hasta ahora en Barcelona, Sevilla, Valencia, Palma de Mallorca y Madrid.

Durante este fin de semana, la capital lusa será escaparate de la escena vibrante del arte contemporáneo en el país vecino: 16 galerías y espacios de creación participarán en los cuatro recorridos previstos y el público podrá conocer, entre otras, las propuestas de galerías que se sumarán a ARCOmadrid 2020, como 3+1 Arte Contemporánea, Balcony, Bruno Múrias, Francisco Fino, Madragôa, Monitor, Pedro Cera y Vera Cortês.

Las visitas, que durarán entre dos y tres horas, tendrán lugar por la mañana y por la tarde y para conocer en detalle los horarios y recorridos es necesario reservar plaza a través del correo rsvp@lisbonartweekend.com antes del 13 de noviembre.

Esta tarde hemos conocido que el Ayuntamiento de Madrid y Soledad Gutiérrez, directora de CentroCentro desde 2017, han alcanzado un acuerdo para disolver su contrato, vigente hasta 2021; hay que recordar que este espacio tiene titularidad municipal. Ambas partes han aclarado que la decisión se ha tomado «de mutuo acuerdo y sin voluntad de cese».

En palabras de Gutiérrez para El Cultural, después del verano hay una redefinición del centro por parte del Área de Cultura en la que el proyecto que estaba desarrollando no encaja. En esa redefinición me proponían que siguiera hasta el final del contrato, pero no desarrollando el proyecto con el que gané el concurso público.

Según ha anunciado el Ayuntamiento, será convocado un concurso público para sustituirla.

Hasta el 8 de noviembre, la artista madrileña Mar Cubero presenta en la Galería Nordés de Santiago de Compostela «La sombra que proyectan sobre el suelo», un proyecto en el que investiga las cualidades esenciales de todo objeto a partir de materiales naturales y formas orgánicas. Su producción está dominada por la sutileza.

En el 86º aniversario del nacimiento de Manuel Padorno, la Fundación CajaCanarias presenta en Tenerife «Un oficio indecible», una muestra que explora la relación de su pintura con la poesía y también con los maestros del pasado, desde Giotto hasta los expresionistas americanos, de Morandi a Guston pasando por Munch o Manolo Millares. Puede visitarse hasta el 21 de diciembre.

En 2020, la misma Fundación CajaCanarias publicará el último tomo de su poesía completa.

Hasta el 8 de diciembre, el Museo Barjola de Gijón presenta el proyecto «Fe Ciega» de Enrique Marty. Su punto de partida son los “culto cargo” que se desarrollaron en las Islas del Pacífico Sur a partir de artefactos improvisados construidos con bienes occidentales que los soldados estadounidenses habían abandonado tras la Segunda Guerra Mundial y que las tribus locales veneraron como a dioses.

El autor salmantino compara la fuerza vinculante que esos ídolos tienen sobre este colectivo con los cultos actuales ligados a grupos sociales que comparten creencias o posturas filosóficas, espirituales o religiosas.

Hasta el 17 de diciembre, Damià Díaz presenta en el Palacio de Ajuda lisboeta «El Camino de la mirada», su personal intervención en ese edificio comisariada por Rosina Gómez-Baeza y Lucía Ybarra.

Pueden contemplarse  siete esculturas de resina pintada, impresión digital sobre cerámica y dos obras en realidad aumentada a lo largo de las dos plantas de la que fuera residencia de la familia real portuguesa durante el siglo XIX. Esos trabajos se completan con esculturas de pequeño formato, dibujos y bocetos que muestran el proceso creativo y la evolución del trabajo de Díaz, que esta vez propone un diálogo entre presente y pasado.

Hasta el próximo enero, la sala madrileña Ivorypress acoge «Geology», el proyecto más reciente del creador chileno Fernando Casasempere. Consta de esculturas y pinturas vinculadas a tres líneas de estudio:  el patrimonio prehispánico, el paisaje chileno y la influencia de la cultura británica en su propia obra, tras residir en Londres Casasempere más de dos décadas. La exhibición puede visitarse hasta el 11 de enero de 2020.

140 obras de Edvard Munch apenas expuestas hasta ahora en Alemania se reúnen, hasta el 1 de marzo de 2020, en el Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen. Componen la cara más desconocida del pintor y han sido seleccionadas por el escritor Karl Ove Knausgård, noruego como el artista, desde un punto de vista muy personal.

Los trabajos rastrean a la vez el mundo interior de Munch y sus preocupaciones artísticas y se han estructurado en cuatro áreas temáticas dedicadas a la luz y el paisaje, el bosque, el caos y la energía (en relación con los impulsos emocionales y psicológicos que motivaron al artista) y a los otros: sus amigos y camaradas, aquellos con quienes pudo afirmar su control de sí mismo y de la realidad.

Hasta el 5 de abril de 2020, el Louisiana Museum of Modern Art acoge «The architect´s Studio. Tatiana Bilbao», un acercamiento a la trayectoria de esta arquitecta mexicana que explora e interpreta la historia cultural y las tradiciones de su país y que concede al paisaje, tanto urbano como rural, un lugar esencial en su trabajo.

Esta muestra es la tercera del programa The Architect’s Studio y analiza la variedad de los proyectos desarrollados por Bilbao: desde una ruta de peregrinación que involucró, además, a varios compañeros, hasta un jardín botánico en Culiacán o viviendas nuevas. Los trabajos de Tatiana suelen ser colaborativos, y a menudo también implican a filósofos y sociólogos.

Bilbao trabaja desde la máxima de que la arquitectura ha de tener un efecto instantáneo en quienes la habitarán.