Esculturas, instalaciones, piezas textiles y libros intervenidos de Elisa Terroba forman parte de la muestra «Tejer los referentes», que la artista presenta hasta el 4 de octubre en la Fundación Laxeiro de Vigo.

El procedimiento de trabajo habitual de esta autora malagueña consiste en desmontar, disolver y fragmentar libros para volver a montarlos de forma diferente, deconstruyendo y pervirtiendo sus estructuras para construir un nuevo orden matemático y subrayando la realidad híbrida que el libro vive en nuestros días y la modificación de su lenguaje en la sociedad digital. Sus piezas en la exposición centran su temática en la Historia del Arte.

La Galería Nordés de Santiago de Compostela ha iniciado la temporada de la mano de Dalila Gonçalves. Su exposición, «Amanhar», hace referencia a la violencia, nunca desordenada, inherente a los procesos de trabajo de la escultura. Es posible atisbar paisajes en las piezas, evocaciones del agua, los peces y la tierra, pero estas surgen sobre todo de las redes de sentido que se establecen entre unas obras y sus vecinas.

Algunos de los trabajos expuestos parecen fruto de la disección: para Gonçalves, destripar y desgarrar la materia puede ser un acto poético además de un método.

Hasta el próximo 23 de octubre, Javier Balda presenta en la Galería Lumbreras de Bilbao «Todo no es color», una selección de trabajos en los que ha continuado trabajando en la reformulación de la pintura a partir de su fragmentación y el estudio de su materialidad, hasta convertirla prácticamente en un artefacto ambiguo.

La acumulación resulta fundamental en sus procesos de trabajo: Componer y ocupar como una extensión del cuerpo y del lugar, del espacio que se llena de fragmentos aparentes; realmente las capas de color y los materiales van negando la composición de la imagen, clausuran la anterior y los efectos de esa clausura se transforman en cuerpos estéticos en sí mismos.
La aplicación de una intuición acumulativa, aceptándola y no trabajando contra su apariencia, dan la respuesta a la experiencia de lo inacabado.

El diseñador burgalés Diego Gil Hernando ha sido seleccionado como ganador del concurso de diseño de la imagen del Certamen Nacional de Pintura del Parlamento de La Rioja, por su proyecto Boceto. Este último galardón cumple en 2021 doce ediciones.

A este concurso de diseño, de carácter abierto, concurrieron 28 proyectos presentados por diseñadores de toda España y estaba dotado con un premio de 750 euros.

Su jurado ha estado formado por el artista riojano Francisco Javier Garrido, el diseñador e ilustrador catalán Iván Bravo y el presidente del Parlamento de La Rioja, Jesús María García.

Atendiendo a las bases, el diseño de la imagen debía tener clara vinculación con el Parlamento riojano, por eso se han recibido trabajos dedicados al claustro, la fachada, los ornamentos del antiguo convento, sus obras pictóricas…

El ganador del concurso, Gil Hernando, ha creado su imagen mezclando el trazo artístico del Claustro del edificio donde se sitúa el Parlamento de La Rioja con una degradación estética de los colores que conforman la bandera de La Rioja.

Desde el pasado 18 de septiembre, Javier Riera presenta en la Galería Adora Calvo de Salamanca «Dentro-Fuera», muestra que consta de un conjunto de intervenciones situadas en el interior de la galería y también en espacios exteriores (estas últimas presentes a través de imágenes). Hacen referencia al poder de la acción en momentos de inestabilidad y a la importancia de la imaginación en tiempos de incertidumbre y se basan en la transitoriedad y el ensayo, cualidades que Riera entiende esenciales de sus procesos creativos.

Destaca una serie de tres fotografías realizadas en la playa asturiana de Moniello en Gozón; dan cuenta de la intervención realizada allí por el artista en las noches del 30 y el 31 de julio del verano pasado. Si el trabajo previo de Riera se caracteriza por proyectar geometría sobre la maleza, en esa ocasión hizo lo mismo sobre la humedad del ambiente, elemento cambiante y efímero sin más materia que refleje la luz que las gotas de agua en suspensión.

Su propuesta se planteó así como una experiencia de relación entre el paisaje, la luz y la geometría realizado a lo largo de las horas nocturnas en un escenario natural sin gente, deviniendo un ejercicio solitario y meditativo, de reflexión sobre el paisaje y la naturaleza cambiante de la realidad que percibimos.

El ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, informó en la inauguración de la pasada edición de Apertura Madrid Gallery Weekend de la activación, por parte de su Ministerio, de líneas de ayudas para el sector de las artes visuales contemporáneas por valor de 1,8 millones de euros.

Uribes notificó la compra de obra por valor de medio millón de euros que realizará el Museo Reina Sofía como parte de las ayudas extraordinarias al arte contemporáneo español, aprobadas en el Real Decreto Ley del 5 de mayo de apoyo al sector cultural por la pandemia del COVID-19. Se tratará de la adquisición de trabajos de autores españoles jóvenes o de media carrera que pasarán a formar parte de la colección de este centro y la compra tendrá lugar en galerías de arte de toda España.

Se tramitarán, asimismo, ayudas para la promoción del arte contemporáneo por valor de 638.000 euros, cuyas bases se harán públicas próximamente; su cuantía se ha incrementado en medio millón de euros respecto a 2019. Se mantienen las convocatorias de las ayudas a la modernización e innovación digital del sector de las artes visuales (por valor de 188.000 euros) y las ayudas para la investigación y creación artísticas en el campo de las artes visuales (500.000 euros).

Unas y otras subvenciones suman un total 1,8 millones dedicados a impulsar al sector de las artes visuales contemporáneas.

Tras ser propuesta por la comisión responsable del concurso internacional convocado para designar la dirección del IVAM y ser ratificado su nombramiento por el Pleno del Consell, Nuria Enguita ha presentado su proyecto para el centro valenciano y los principales ejes de actuación en la institución durante los próximos cinco años: enfatizar la apertura del Instituto Valenciano de Arte Moderno a la sociedad, realizar un cuidadoso trabajo sobre sus fondos desde el eje investigador de la institución, consolidar la internacionalización y la vertebración territorial del centro e impulsar la colaboración público-privada y desarrollar la vertiente educativa del espacio.

En relación al contexto en el que asume la dirección del IVAM, Enguita ha explicado hoy que “debemos replantearnos la misión del museo en el contexto de pandemia que nos está tocando vivir y en este marco pienso que el IVAM, como institución, debe fortalecer su relación con la sociedad. Debemos hacer que sea más poroso para dejar que el conocimiento que está fuera entre dentro y viceversa. Debemos trabajar más que nunca en programas presenciales y virtuales, en proyectos que permitan el acceso directo a los diferentes públicos, pero que desarrollen también otros relaciones con una pluralidad de referencias. Porque el peso de una institución cultural como esta tiene que ver también con lo que representa, significa y puede evocar”.

En lo relativo a las colecciones de este espacio, el proyecto de Enguita plantea trabajar no solo con los fondos museísticos, sino desde ellos, con un programa expositivo basado en tres ejes: los contextos y trasfondos históricos, cuatro campos de acción (Contextos-Mundo, Historicidad, Cultura popular y Feminismos) y cuatro maneras de hacer (Gestos, Materiales, Pantallas y Ediciones).

Se trabajará, asimismo en la vertebración territorial del Museo y su internacionalización. El IVAM cuenta con sedes en Valencia y Alcoy, y pronto abrirá una subsede de nuevo en Valencia. Enguita propone buscar una mayor conexión entre las sedes del IVAM y el resto de instituciones culturales de sus entornos, para fortalecer un ecosistema cultural sostenible, y también conseguir que el IVAM esté plenamente integrado en el circuito internacional de museos contemporáneos a medio plazo. En el ámbito estatal, se pretende establecer una mayor colaboración con los museos de arte contemporáneo públicos y privados.

En relación a adquisiciones, Enguita ha adelantado que se dará continuidad a una colección que se definió en la primera década del IVAM a la hora de adquirir obras y materiales documentales y que se crearán alianzas estratégicas con el coleccionismo privado valenciano y del resto de España para completar la colección del IVAM con trabajos de períodos artísticos no representados, hasta ahora, en los fondos de la institución.

Además, Enguita trabajará para desarrollar un centro de documentación que pase a ser el núcleo neurálgico del IVAM y el puente de contacto entre la colección y la biblioteca. Pretende implementar y completar la web de la institución con un repositorio de los fondos del Museo, el desarrollo de documentación de consulta online y una mejor muestra de toda la actividad del centro desde 1989.

Por otro lado, se profundizará en un programa público de mediación y de actividades estables de seminarios y conferencias en colaboración con universidades y otros centros educativos; se creará un observatorio de arte en colaboración con asociaciones vinculadas a las artes visuales y se organizarán talleres con artistas y un programa paralelo de artes vivas en las sedes del IVAM. Además, se trabajará en una nueva estructura pedagógica de la institución y en un refuerzo de actividades con programas como «IVAM escoles» e «IVAM universitats».

Enguita releva en el cargo a José Miguel García Cortés y queda al frente del IVAM tras dejar su cargo como directora de otro espacio valenciano, Bombas Gens. Al frente de este último la sustituye Sandra Guimarães, comisaria en el Museu Serralves durante doce años y curadora jefa en Remai Modern (Saskatoon, Canadá) entre 2015 y 2019.

El Consejo de Ministros, a propuesta del ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, aprobó ayer el nombramiento de María Dolores Jiménez-Blanco como nueva directora general de Bellas Artes.

Su incorporación forma parte del renovado diseño del organigrama del Ministerio de Cultura y Deporte, tras la creación de la Secretaría General de Cultura.

Jiménez-Blanco se encuentra vinculada tanto al ámbito académico como al museístico y ha trabajado en instituciones nacionales e internacionales como la Universidad Complutense, la Universitat Pompeu Fabra, la Universidad de Nueva York, el Museo del Prado (desde 2013 es vocal de su Real Patronato y de su comisión permanente) y el Guggenheim de Nueva York.

También ha sido editora y autora de la primera guía oficial del Museo del Prado (La Guía del Prado, 2008).

Dada la situación sanitaria, la Fundación Juan March ha decidido que su programación entre los meses de octubre y diciembre se desarrolle completamente de forma virtual. En los próximos meses, pondrán a nuestra disposición una web oficial y un CANAL MARCH renovados, este último con la voluntad de consolidarse como uno de los mayores fondos audiovisuales de cultura en nuestro idioma.

Ese portal emitirá medio centenar de conciertos y conferencias en directo y contará con contenidos originales, interactivos y audiovisuales, y con grabaciones de audio y vídeo inéditas del archivo de esta institución.

El 16 de octubre se estrenará la primera temporada de la serie de videoensayos La cara B, que propondrá una mirada sorprendente a historias relacionadas con la actividad de la Fundación y sus protagonistas y, ya en noviembre y diciembre, podremos disfrutar en march.es de dos exposiciones digitales comisariadas por el departamento de Arte de la Fundación: «El caso Mondrian» y «Típicos retratos. Una historia del rostro en quince representaciones».

Además, esta institución se estrenará en el mundo de los pódcast, lanzando progresivamente cinco programas de producción original en castellano (Poética y poesía, Debates insólitos, Artistas al oído y La cara C) y uno en inglés (Major Figures in Spanish Culture), para público anglosajón.

Y, a finales de año, se presentará un rediseño de la página web MARCH.ES, último paso de la transformación digital que viene preparando la Fundación en los últimos años y que la pandemia ha acelerado.

La Galerie Karsten Greve, que representa el legado de Lucio Fontana desde 1977, presenta hasta el 7 de noviembre, en su sede de París, una nueva exposición de cerámicas del artista argentino-italiano. Se trata de veintiocho piezas fechadas entre 1936 y 1961 y concebidas como esculturas, porque el mismo Fontana dijo: Soy escultor, no ceramista.

Creó objetos figurativos que representan temas religiosos, como Crucifixiones, deposiciones de la cruz o la Virgen con el niño, además de escenas de batalla e incluso figuras de la Commedia dell’arte. También formas exuberantes inspiradas en la vida, la flora y la fauna marinas. Los esmaltes brillantes cubren estos objetos como una costra azucarada.

Hasta el 6 de diciembre, el CAC Málaga acoge «Ergo Sum», muestra que reúne cuarenta trabajos recientes de Bosco Sodi, entre pinturas monocromáticas negras de diversos formatos y esculturas doradas. En unos y otros ha estudiado las posibilidades de sus materiales y las conexiones espirituales de su trabajo, más allá de lo conceptual.

Sodi trabaja habitualmente con materiales orgánicos e intenta cultivar con ellos, en sus palabras, “la temporalidad, la humildad, la asimetría y la imperfección” para acercar su producción a la naturaleza.

La Galerie Templon de Saint Lazare (París) abre su programación de otoño mostrando más de veinte obras, algunas inéditas en Europa, creadas por Edward y Nancy Kienholz entre 1978 y 1994, año de la muerte del primero. Sus instalaciones se caracterizan por su radicalismo formal y político y, además, alumbraron cuadros tridimensionales y ensamblajes realizados a partir de objetos cotidianos; trabajos que trascienden las fronteras de la escultura y representan nuestro mundo desde un enfoque tan fascinante como inquietante.

Lejos de las convenciones del ready-made o el Pop Art, sus extrañas escenas están pobladas de figuras humanas y artículos manufacturados que nos ofrecen un realismo ambiguo y misterioso. Sus dardos apuntan al consumismo desenfrenado, el racismo, el sexismo, la violencia presente en la sociedad estadounidense y varias formas de hipocresía.

La muestra puede visitarse hasta el 31 de octubre.

Hasta el próximo 10 de octubre, Luis Palmero muestra en la Galería Artizar de Santa Cruz de Tenerife una selección de paisajes poéticos y abstractos en los que es posible apreciar la huella de los juegos de luz sobre las fachadas de las casas de Oramas.

La exposición se llama «Viento-madera», porque también son musicales sus referencias, y maneja una poética del espacio que apela a intimidades felices. Sus trabajos no son planos sino compuestos por estratos o trenzados, elaborados sin azar pero sin ansiar la perfección técnica.

El artista mexicano Héctor Zamora presenta, hasta el 7 de diciembre, una instalación específicamente creada para la azotea del Metropolitan Museum de Nueva York.

Este autor suele diseñar trabajos que involucran en su discurso los espacios públicos, o bien el entorno expositivo de las obras, generando fricciones entre las nociones comunes de lo público y lo privado, lo exterior y lo interior, lo orgánico y lo geométrico o lo real y lo imaginario.

El proyecto de Zamora es el octavo de una serie de encargos para esa azotea del MET, que cuenta con impresionantes vistas a Central Park y Manhattan. Comenzaron en 2013 y sus más recientes protagonistas han sido Adrián Villar Rojas (2017), Huma Bhabha (2018) y Alicja Kwade (2019).

La Fundació Sorigué reabrió el pasado 1 de septiembre su museo en Lleida, adaptándose a las nuevas medidas sanitarias y dando acceso al público a la exposición que tenía en marcha antes del confinamiento: «Mat Collishaw. The End of Innocence«. Para garantizar las medidas de seguridad y organizar los flujos de visitantes, se ha dispuesto un nuevo horario y un sistema de audioguía.

Hasta el cierre anterior a causa de la pandemia, esta muestra había recibido más de 7.500 visitas y cerca de 4.500 estudiantes participaron en el programa pedagógico preparado por el Área Educativa de la Fundació en torno a esta exposición. Esas visitas educativas se reiniciarán a partir del próximo lunes 14 de septiembre.

El pasado mes de agosto quedó constituida la Fundación Fernando Núñez, que tendrá fines filantrópicos, fundamentalmente la puesta en valor del patrimonio histórico y cultural de la Villa y el Monasterio de Uclés, favoreciendo el desarrollo y la sostenibilidad de su entorno.

Entre sus primeras actividades, la Fundación ha presentado la exposición #PHEDesdemibalcón y ha reiniciado las visitas al monumento tras el estado de alarma, cumpliendo con los protocolos sanitarios requeridos (la entrada es gratuita hasta el día 15 de este mes). Desde este septiembre, se iniciarán diversos proyectos expositivos e inmersivos bajo el título de RE_NACIMIENTO; con ellos se hará al público partícipe de los hallazgos físicos y conceptuales que tengan lugar en el Monasterio. El 12 de septiembre se abrirá la muestra «Marco y Luz».

Hasta el próximo 17 de octubre, la Galería Maruani Mercier de Bruselas presenta su segunda individual de Francesco Clemente: «Bestiary 2020». Consta de un grupo de catorce pinturas creadas por el artista este mismo año, durante el confinamiento, y en ellas es posible apreciar la incertidumbre del momento.

Es sabido que los bestiarios medievales eran compilaciones de seres tenidos por bestias y repletos de simbolismos y alegorías que, mientras enseñaban lecciones morales, transmitían conocimientos del mundo natural. Las bestias representadas en las pinturas de Clemente se refieren explícitamente a una tradición iconográfica ligada a aquellos volúmenes: a las figuras fantásticas que presentaban partes del cuerpo humano junto a elementos zoomorfos, como patas y colas.

El artista ha ahondado, en más de una ocasión, en la noción de metamorfosis y en los espacios liminales que separan el mundo espiritual interno del material externo, pero apelando ahora a estos fantasmas medievales nos invita a reflexionar sobre sinrazones actuales.