Acción Cultural Española ha anunciado hoy que el artista barcelonés Ignasi Aballí representará a España en la 59ª Bienal de Venecia, que tendrá lugar entre los meses de abril y noviembre de 2022. Presentará el proyecto «Corrección», con el comisariado de la periodista y crítico de arte Bea Espejo. 2022 será, además, el año en que se celebre el centenario de la participación de nuestro país en esta cita.

El jurado que ha seleccionado la propuesta de Aballí ha estado formado por Katya García-Antón, directora de la Fundación Office of Contemporary Art Norway; Javier Hontoria, director del Museo Patio Herreriano; Peio Aguirre, crítico de arte, comisario independiente y editor; Beatriz Herráez, directora de ARTIUM Vitoria; el director de Relaciones Culturales y Científicas del Ministerio de Asuntos Exteriores y de Cooperación-AECID, Guzmán Palacios, y la directora de Programación de Acción Cultural Española (AC/E), Isabel Izquierdo.

En una primera reunión del jurado, celebrada en enero, se decidió invitar a seis comisarios y artistas a presentar un proyecto para el Pabellón; se recibieron cinco propuestas. El pasado 27 de octubre, tras entrevistar a los comisarios y creadores, la votación final de sus miembros concluyó que el artista elegido fuera Aballí. Es la segunda vez que la selección del proyecto ha recaído en un jurado de expertos y en «Corrección» se ha valorado el carácter específico de la propuesta y «su rigor metodológico y conceptual» al ahondar en la noción de lo erróneo, lo oculto y lo inimaginable. A/CE ha anunciado que será una intervención que modificará la memoria en términos espaciales y también el espacio de la exposición, su ubicación en la Bienal y su relación con la ciudad de Venecia.

La resolución del jurado se ha anunciado con más de un año y medio de antelación respecto a la inauguración de la Bienal para ampliar el margen temporal para la producción del proyecto. De esta se encargarán el Ministerio de Asuntos Exteriores, la Unión Europea, Cooperación-AECID y Acción Cultural Española (AC/E).

El Museo del Prado reabrió al público ayer su sala dedicada a El Bosco tras permanecer cerrada desde el pasado marzo por la situación sanitaria. La apertura llega con un nuevo montaje, novedoso desde el punto de vista técnico: se han diseñado soportes nuevos para tres trípticos, se ha incorporado una mesa vitrina y también se ha instalado un nuevo sistema de iluminación, gráfica nueva y una pantalla que posibilitará a los visitantes contemplar detalles ampliados de las obras.

En 2016, como muchos recordaréis, el Prado dedicó al autor de El carro de heno una exposición que superó los 600.000 espectadores, marcando un récord histórico en la institución, y el año pasado más de 7.000 personas al día pasaron por la sala del artista, es decir, dos millones y medio de visitantes al año. Además, El Jardín de las delicias es una de las cinco obras más escuchadas por los usuarios de audioguías de la pinacoteca (la segunda después de Las Meninas) y, durante el pasado confinamiento, el vídeo más visto del programa online #PradoContigo fue asimismo el directo en Instagram dedicado a esta obra, con más de 1.300.000 impresiones. Con el replanteamiento de su sala, el Prado ha querido así responder a la gran demanda de visitas que genera habitualmente este espacio, mejorando la percepción de las imágenes.

Aunque se mantiene la ubicación de cada una de las piezas, el montaje anterior presentaba unas características formales que requerían ser actualizadas y mejoradas: ahora se han ganado metros para la circulación de los visitantes y para mejorar la accesibilidad a las pinturas; también se ha individualizado la iluminación de los trípticos (mejorando la visión del reverso de sus alas) y se han tenido en cuenta las necesidades derivadas de la implantación del Plan de Protección de Colecciones ante Emergencias.

Por otro lado, se ha adoptado una nueva gráfica que aporta información sobre las obras: textos explicativos individuales de cada pieza y un gran texto introductorio que muestra la firma autógrafa de El Bosco como colofón.

La sala cuenta también con un nuevo color, un verde más oscuro que el del anterior montaje, que realza tanto la gráfica como los tonos de las pinturas y subraya la iluminación, y con un monitor profesional de 65” de Samsung en el que se suceden imágenes de detalles sorprendentes de las obras expuestas, en un tamaño hasta doce veces superior al original.

Es Baluard, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Palma de Mallorca, ha anunciado la incorporación a sus colecciones de 38 obras: una en régimen de donación, nueve en depósito y 28 correspondientes a compras. Se trata de trabajos datados entre 1916 y 2020 y realizados por veintinueve artistas, parte de ellos radicados en Baleares: Toni Amengual, Dineo Seshee Bopape, Miriam Cahn, Miguel Ángel Campano, Lluis Claramunt, Mounir Fatmi, Esther Ferrer, Rafa Forteza, Bel Fullana, Lara Fluxà, Daniel García Andújar, Susy Gómez, Petrit Halilaj, Peter Halley, Rafel Joan, Teresa Margolles, Max, Laura Marte, Joan Morey, Claudia Peña Salinas, Albert Pinya, Marta Pujades, Bernardí Roig, Bartomeu Seguí, José Ángel Sintes, Joaquín Sorolla, Martine Syms, Kemang Wa Lehulere e Ian Waelder. Campano y Margolles son objeto actualmente de sendas muestras en este espacio.

Se suman, así, a los fondos de Es Baluard pinturas, vídeos, fotografías, instalaciones, esculturas, dibujos y obras gráficas, incluyendo al cómic, género que se introduce en el centro por vez primera.

Según Imma Prieto, directora de este espacio, las nuevas adquisiciones de la Fundació Es Baluard Museu son más que importantes. Por un lado, rompemos con una dinámica que ha acompañado a Es Baluard Museu. Estamos ampliando la Colección a partir de compras, entendidas de forma contundente, y no solo a través de donaciones o depósitos. Y por el otro, en primer lugar apoyamos al sector artístico, motivo necesario para el contexto de este año, pero también estamos contribuyendo a salvaguardar la historia.

Las adquisiciones son fruto de un proceso de selección en el que han participado galerías, entidades y un total de 300 artistas, entre los que 195 son de procedencia balear. Según Prieto, la Comisión de Adquisiciones puesta en marcha este año no ha trabajado a partir de un concurso ni un open call específico: Es la misma convocatoria que hay cada año en el Museo desde sus orígenes. La gran diferencia ha sido la partida presupuestaria: durante años ésta ha sido 0 euros, desde hace dos años se amplió a 5.000 euros, después 10.000, y este año habíamos subido a 15.000 euros. Finalmente, gracias al apoyo del Patronato hemos podido contar con una cantidad digna que nos permite apoyar el sector como toca. Por nuestra parte, vamos a luchar para que esto no sea una excepción provocada por la COVID-19. Hay que defender a los y las artistas y galerías para entre todos y todas crear un tejido artístico estable y enriquecedor.

Ese presupuesto se ha acercado a los 173.000 euros y, en concreto, el incremento deriva del apoyo de la Delegación de la Presidencia para la Cultura del Govern de les Illes Balears, que ha aportado 140.000 euros, y del Departamento de Cultura, Patrimonio y Política Lingüística del Consell de Mallorca, que ha cedido 15.000. El presupuesto restante de 17.913 euros pertenece a la partida original de adquisiciones generada a partir de los presupuestos generales de Es Baluard Museu.

La Comisión de Adquisiciones de Es Baluard ha estado compuesta por un representante de cada patrono de la Fundació Es Baluard, cuatro profesionales del ámbito artístico de trayectoria reconocida (Yolanda Romero, Jefa de Conservación del Banco de España; Tanya Barson, Chief curator del MACBA; Neus Cortés, gestora cultural especializada en arte contemporáneo y Enrique Juncosa, comisario independiente y ex director del Irish Museum of Modern Art) y la directora y la jefa de Colección del Museo, Imma Prieto y Soad Houman.

Con esas nuevas incorporaciones, la Colección de Es Baluard Museu d’Art Contemporani de Palma alcanza las 800 piezas.

La instalación “Non Plus Ultra” de Gonzalo Borondo, que desde el pasado mes de septiembre se exhibe en el patio del Palacio de la Salina de Salamanca, dentro de la programación de Facyl (Festival Internacional de las Artes y de la Cultura de Castilla y León), entra en su recta final.

Mostrado por primera vez en MACRO – Museo de Arte Contemporáneo de Roma en 2018, este impresionante proyecto escultórico, que reflexiona sobre el concepto de límite, es una instalación concebida como itinerante, pero a la vez site-spefic, que en este caso está integrada por 56 módulos de láminas de vidrio serigrafiadas por ambos lados, de dos metros y medio de alto por ochenta de ancho, adaptada por el artista a este espacio.

En palabras de Borondo ““Non Plus Ultra” es en primer lugar una experiencia, una sensación. El espectador se enfrenta constantemente con los límites del espacio, constituidos por las láminas de vidrio, obstáculos visibles pero también transparentes. Límites que podrías romper, cruzar, si eliges arriesgar. Romper los límites asusta. Vivimos con el miedo de ir más allá del límite, siempre acompañados por el sentimiento de incertidumbre. Pero creo que el artista dentro de la sociedad desempeña precisamente este papel, transgredir los límites impuestos por las normas.”

Podéis visitarlo hasta el próximo 31 de octubre.

El Museo del Prado, junto a Samsung, ha lanzado la app La Guía del Prado, destinada tanto a amantes de la historia del arte como a quienes quieran preparar su visita a la pinacoteca o estudiar a fondo los detalles de sus obras preferidas, porque pone a disposición de los usuarios cuatro centenares de obras para disfrutarlas desde cualquier lugar y en cualquier momento.

Según el director del Prado, Miguel Falomir, esta aplicación quiere servir tanto al visitante no iniciado como al especialista, y acercar el Museo a un público cada vez más numeroso e interesado en obtener una información clara y precisa de las obras que en él se conservan. Nuestro deseo es que esta guía acompañe e ilustre a quienes tengan el placer de recorrer las salas, y que aproxime la colección a quienes no puedan hacerlo.

Está disponible para smartphones y sigue la estela de la versión impresa de la guía, publicada por primera vez en 2008, que se ha convertido en la publicación del Prado con mayor difusión: más de 600.000 ejemplares vendidos en 10 idiomas.

Categorizada por escuelas y autores, incluye más de 400 obras comentadas por los conservadores y especialistas del Museo, que informan al usuario sobre la historia narrada en cada obra, la personalidad artística del autor o su importancia en el conjunto de las colecciones u otros asuntos de interés histórico artístico con datos actualizados. Además, todas las obras incluyen ficha técnica y sus imágenes están accesibles para la descarga en alta definición.

De navegación sencilla e intuitiva, la app cuenta con una presentación general, una historia del Museo y capítulos con introducciones que dividen cada colección y que agrupan las obras en torno a un artista, un género, una época, etc.

Se trata de la segunda app oficial del Prado, tras “El Tesoro del Delfín”, y se suma al reciente lanzamiento de obras disponibles del Prado en la app “S Pen Academy”. Como novedad, hasta el 21 de noviembre y en exclusiva los usuarios de dispositivos Samsung compatibles podrán descargarse gratuitamente el contenido completo de la aplicación, que de otra forma cuesta 5,49 euros.

La guía está disponible en español e inglés, y próximamente en francés, alemán, italiano, portugués, japonés, chino, ruso y coreano, tanto en Android como en iOS.

La Fundación Ankaria ha concedido al creador navarro Carlos Irijalba el VII Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista, por su proyecto Exaptación. Se trata de una reflexión sobre ese concepto, que acuñó la paleontóloga sudafricana Elisabeth Vrba para referirse a los rasgos genéticos originales de algunas especies que, durante la evolución, adoptan funciones diferentes.

Sirviéndose de espuma metálica (empleada desde los sesenta para prótesis) como material de trabajo, el artista ha creado un libro formado por 24 piezas únicas, el mismo número que costillas tiene el ser humano, junto al texto original de Elisabeth Vrba y anotaciones del propio Irijalba sobre un papel piedra irrompible e impermeable.

Según el autor, el libro remite en su forma y apariencia al libro tradicional, con lomo, cubiertas y tripa, en un juego dialéctico entre la obsolescencia y la misma exaptación, pero el interior aloja la diversidad latente de otros posibles usos, como un repositorio mineral capaz de nuevos propósitos.

El segundo premio ha recaído en el venezolano José Luis Castro por su obra Velázquez, un ejercicio de deconstrucción y recreación a partir de un libro ilustrado de la obra del genio sevillano. Sobre las láminas que reproducen algunas de las pinturas más famosas del autor barroco, y valiéndose del collage, Castro ha llevado a cabo una intervención que dota a estas obras, y al mismo libro, de connotaciones nuevas.

Por último, el premio especial Javier Rosón Pérez, destinado a un artista joven menor de 28 años, ha recaído en la madrileña María del Carmen Rodríguez Jiménez por su obra Kalós Éidos Scopéo, una pieza única articulada en torno a la cuestión del empleo de superficies especulares para la creación de ilusiones ópticas que demandan al espectador su interacción con la obra. El libro cuenta con 13 imágenes caleidoscópicas.

A esta última edición del Premio La Palabra Pintada al Mejor Libro de Artista concurrían 276 obras de artistas procedentes de todos los lugares del mundo y el jurado estuvo compuesto por el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá, y por los patronos de la institución, Saleta y Javier Rosón, Jaime Mairata y José María Luna.

La dotación económica del galardón (3.000 euros para el primer premio, 1.500 para el segundo y 1.000 para el vencedor en la categoría joven) está destinada a la adquisición de obra de los artistas galardonados. Por otro lado, el proyecto ganador pasará a formar parte de la exposición “La Palabra Pintada”, que continúa su itinerancia por España. En ella se pueden encontrar los trabajos de los últimos premiados: Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016), Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018) y Ana Soler (2019), junto a las piezas de figuras consagradas que componen el cuerpo central de la muestra.

Hasta el próximo 8 de diciembre, el Centro de Escultura de Candás Museo Antón (Candás, Asturias) presenta «Área protegida», muestra dedicada a la propuesta de Elisa Torreira que obtuvo la Beca Antón de ayuda a la creación e investigación escultórica en 2019.

Artista y poeta, Torreira presenta un proyecto justamente híbrido, a medio camino entre la escultura, la instalación y la poesía, en el que se sirve del vestido como símbolo de protección y también como signo de autoidentificación y de identificación de cara a los demás en tiempos de Big Data uniformante.

La producción de esta autora tiene como eje el estudio de las posibilidades de verbalización del objeto artístico: trata de llevar la poesía a contextos más allá del literario y ha trabajado en libros de artista, poemas-objeto, performances e instalaciones escultóricas. En Candás exhibe ahora un imaginario de vestidos que trascienden lo que las prendas pueden tener de apariencia más o menos fútil para hablarnos de rasgos atribuibles a nuestra sociedad, como la tendencia a la decepción, a la soledad y a un dolor a duras penas expresado. Estos vestidos son metáforas de nuestra fragilidad ante los traumas personales y sociales; según Natalia Alonso Arduengo, el vestido-nicho es el refugio en el espectáculo del mundo del cual somos actores y actrices en escena, pero también somos el público con trastorno por déficit de atención.

En el Museo Antón, Torreira nos invita a transitar entre intersticios: los existentes entre los lenguajes de la poesía, la escultura y la instalación y, físicamente, entre los vestidos, que son a su vez barrera liminal entre nuestro cuerpo y el mundo, entre lo oculto y lo que se desvela, lo íntimo y lo social. Los que aquí se presentan son, a veces, frágiles como el papel o transparentes como el metacrilato: no tapan sino que exponen interiores y nos identifican como vulnerables. Además, desde su vaciedad plantean preguntas sin respuesta: desconocemos si podrían habitarse, a quién pertenecen esas ropas-escultura; los cuerpos ausentes que pudieron ceñir escapan a nuestra mirada.

La exhibición se articula en tres estancias: Silencio, Soledad y Ruido; desde sus mismos nombres, plantean la frecuente orfandad física y emocional del individuo contemporáneo, frente a la proliferación de felicidad propia de las redes sociales, y la necesidad de reconectar con la propia interioridad. El biólogo Edward O. Wilson se refería a nuestro tiempo como La Era de la Soledad y puede que la pandemia no haya hecho sino refrendarlo; en estos meses, la indumentaria, sobre todo la nueva del rostro, ha multiplicado su sentido protector.

La artista valenciana Victoria Iranzo ha obtenido el 35º Premio BMW de Pintura con su obra Rue Africaine. Recibirá 25.000 euros. José Castiella, con Fail anti stuff mechanism, ha logrado la Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica (8.000 euros) y Carolina Ferrer ha sido reconocida con el Premio a la Innovación, dotado con 6.000 euros, por El lugar de la espera. En la categoría infantil, que premia el «talento más joven», ha sido galardonada la madrileña Helena Serrano con El baño del gato. Esta modalidad está premiada con 4.000 euros.

Victoria Iranzo ya recibió la Beca Mario Antolín en el año 2014 por Protective custome. En Rue Africaine muestra su imaginario personal, que se basa en la idea de pintura como campo de batalla. Presenta a una figura erguida, frontal y valiente ante la incertidumbre del tiempo y se sirve de la metáfora del vestido como protección y nuevo elemento sujeto al cambio y a la necesidad de adaptación al medio.

Castiella, por su parte, concibe la pintura como herramienta para la especulación y las figuras que encontramos en sus obras surgen como fruto del azar, adquiriendo un rol narrativo durante su proceso creativo. Sin embargo, contemplando sus pinturas y esculturas tendremos la sensación de que unas y otras pertenecen al mismo mundo, coherente aunque de reglas desconocidas.

Y Carolina Ferrer ha representado en El lugar de la espera un espacio para la pausa y la reflexión y quizá para el cambio: contiene ambivalencias, ilusión e inquietud, porque puede entenderse como prólogo o como epílogo. La obra debe su título al libro homónimo de Sònia Hernández.

El jurado del premio ha estado compuesto por su presidente Enrique de Ybarra e Ybarra, Tomás Paredes, Presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte; Carmen Iglesias, miembro de la Real Academia Española y de la Real Academia de la Historia y Luis María Anson, periodista y escritor, presidente de El Imparcial y Miembro de la Real Academia Española.

El resto de artistas finalistas de este año han sido Alejandra Freymann con Sobre espejos iluminados (sur); Alejandro Calderón Martín con Contigo; Ana Barriga Oliva con La ofrenda; Cristina Toledo con Messages from spirits; Diego Vallejo Pierna con Negativo; Guillermo Mora con 2001 en 2020 y José Luis Cremades Milla con Plain air.

La Consejería de Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid ha llevado a cabo una nueva adquisición de obras de artistas contemporáneos, con una inversión de 500.000 euros, con la doble finalidad de aumentar la colección del Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles y de apoyar al sector en este año especialmente complicado.

La Comisión de valoración de adquisiciones resolvió, en su última reunión anual, adquirir 54 nuevas piezas de técnicas diversas (dibujo, instalación, escultura o fotografía) tras la importante respuesta obtenida en la convocatoria extraordinaria anunciada el pasado abril y destinada a paliar las pérdidas ocasionadas por la crisis del coronavirus. Se ha decidido realizar un aumento presupuestario significativo y retomar ofertas de las ya presentadas entonces para continuar apoyando al sector y ampliar su colección de obras de arte.

Estas nuevas adquisiciones responden tanto a ofertas de galerías de arte madrileñas como a las de artistas residentes en Madrid no representados por ninguna de ellas. En total, durante este 2020 la Comunidad de Madrid ha invertido 1.300.000 euros en obras de artistas contemporáneos, el importe más elevado destinado a este objetivo desde la creación de la colección de la Comunidad de Madrid (se ha incrementado un 433% del presupuesto para este fin).

Entre los autores del más de medio centenar de obras que han pasado a formar parte de la colección del CA2M se encuentran Cruz Novillo (Galería Fernando Pradilla), María Luisa Fernández (Galería Maisterravalbuena) o Francisco Leiro (Galería Marlborough), Begoña Goyenetxea o Josep Grau-Garriga (Galería Michel Soskine).

También se han adquirido instalaciones escultóricas y proyectos objetuales de jóvenes autores como Antonio Fernández Alvira, Antonio Guerra, Christian Lagata, Clara Sánchez-Sala, Elena Bajo o Marta Fernández Calvo, Esther Gatón, Luna Bengoechea (Galería Lucía Mendoza), Miren Doiz, Manuel Prados o Javier Fresneda.

En el terreno de la imagen, destacan la nueva pintura de Ángela Cuadra o Julio Sarramián (Galería Herrero de Tejada) y la de figuras consolidadas como Prudencio Irazábal (Galería Helga de Alvear), así como fotografías de Félix Lorrio, Clemente Bernad, Álvaro Sánchez Montañés, Isidro Blasco (Galería Ponce + Robles) o Nicolás Combarro. Los fondos de videoarte del CA2M se completarán con trabajos de Theo Firmo, Carlos Aires, Ana Esteve Reig, Alex Reynolds, Ion de Sosa y Mar Reykjavik.

Además, se han adquirido piezas de artistas pioneras del feminismo como Paloma Navares o Victoria Gil (Formato Cómodo) y de nuevos valores como Elena Jiménez o Marina Vargas, Andrés Senra (Swinton Gallery), María Gimeno o Daniel García-Andújar (Galería 1Mira Madrid).

El arte local relacionado con las políticas de la representación se enriquecerá en Móstoles con piezas de Chus García-Fraile, Cristina Llanos, Jorge García o Paula Rubio, y la investigación sociológica de la cultura de club en España, con una obra de Irene de Andrés.

La presencia latinoamericana en el arte de Madrid queda representada con obras de Marcelo Brodsky, Alexander Apóstol, Patrick Hamilton (Casado Santapau), María María Acha-Kutscher o Jimena Kato, y las artes vivas, con el registro de una performance de John Baldessari (Galería La Caja Negra) y las obras de Antonio de la Rosa (Galería Freijó), Nora Barón (The Ryder Projects), María Sánchez, PLAYDramaturgia y SEPA.

La Comisión de Adquisiciones que ha decidido las compras ha estado formada por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo, subdirectora del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo y asesora de Artes Plásticas, y las especialistas Estrella de Diego y María Paz Corral.