Hasta el próximo 29 de mayo, Sabrina Amrani presenta su primera exhibición dedicada a Paloma Polo: «Superposición». Tiene como eje dos proyectos en los que la artista maneja realidad y ficción como ámbitos análogos al acercarse de forma crítica a determinados episodios históricos y científicos; se nutren estas propuestas de datos de origen diverso sedimentados en vidrio, fotografía, papel y celuloide y enlazan con sus investigaciones sobre ecología del conocimiento.
Se trata de The Path of Totality (2011) y Apparent Position (2012); el primero deriva del interés de Polo en la historia de las expediciones imperiales concebidas para observar fenómenos astronómicos y el segundo se centra en una expedición concreta, destinada a investigar la Teoría de la Relatividad en los planteamientos metafísicos del siglo XX.
Hasta el 17 de julio, la Galería Elvira González presenta su tercera individual dedicada a Chema Madoz: cuenta con trabajos realizados en los últimos dos años (entre ellos una escultura) en los que el madrileño ha continuado explorando los misterios ocultos o latentes en objetos habituales.
Fue hace tres décadas cuando Madoz comenzó a explorar la plural identidad de esos objetos más allá de su función primera, bajo la influencia del surrealismo, el realismo mágico o los ready made de Duchamp; corrientes y artista que ya exploraron las posibilidades de su alteración o recontextualización.
En su nueva muestra encontraremos fotografías que sugieren inquietud y adversidad (como las que presentan aloe vera dentro de una jaula, un avión a punto de aterrizar en una carretera tortuosa o un zapato/ataúd); otras, como aquellas en las que aparecen barcos, aviones, campos y nubes, apelan a la necesidad de escapar o resistirse. Tampoco falta en este proyecto, como es habitual en su producción, el manejo de la idea de juego: destaca la imagen de un castillo de naipes en una estructura de madera, la partida queda truncada o suspendida: no será difícil establecer relaciones entre lo último de Madoz y nuestra actual situación.
Cuestiona Madoz los límites entre lo abstracto y lo figurativo, lo real y lo potencial, y cada una de sus imágenes supone una invitación a mirar de otra manera, a establecer otras conexiones entre lo cercano y otros espacios de interpretación.
En palabras del artista, la promiscuidad para mí reside en el objeto y no en la mirada. El objeto tiene una facilidad especial a la hora de interrelacionarse con otros objetos. A partir de esa promiscuidad surgen conceptos o ideas, que para mí son la particularidad de descubrir algo que estaba escondido o latente.
Chema Madoz. Sin título, 2020Chema Madoz. Sin título, 2020
Antoni Tàpies, primer artista invitado en Chillida Leku
El Museo Chillida Leku ha anunciado que en este 2021 tendrá artista invitado: será Tàpies, y de su mano comenzará en junio una línea expositiva en el Caserio Zabalaga dedicada a la escultura contemporánea al autor vasco. Podremos contemplar, desde el día 10 de ese mes y hasta enero de 2022 en el piso superior del Museo, «Tàpies en Zabalaga», una selección de trabajos de pequeño y gran formato del catalán, fundamentalmente esculturas datadas en los ochenta y los noventa. Han colaborado en el proyecto la Fundació Tàpies barcelonesa, la familia del artista y diversas colecciones privadas.
Sus obras entrarán en diálogo con las de Chillida, expuestas en la planta baja, y también con el propio espacio del Leku; según Mireia Massagué, la exposición hunde sus raíces en los principios comunes que guiaron la vida y la práctica artística de ambos. Justamente la elección de Tàpies como artista invitado se basa en los paralelismos en las trayectorias de los dos, en lo biográfico y lo creativo.
Gran parte de las piezas que formarán parte de la muestra estarán realizadas con tierra chamota, material que emplearon ambos: Tàpies desde 1981, tras conocer el taller del ceramista Hans Spinner y animado por el mismo Chillida. Uno y otro abordaron la materia con voluntad de trascenderla por caminos espirituales, vinculados a la filosofía, la poesía o el espiritualismo oriental; concebían la creación desde una perspectiva humanista y creían en su capacidad para transformar a las personas.
Algunas de las obras de Tàpies en el Caserio saldrán por primera vez de su Fundación catalana y dan cuenta, además, de la riqueza de su repertorio iconográfico.
Quien obtenga el primer premio recibirá 10.000 euros; el ganador del premio al Joven Artista riojano, 2.000 euros y se concederán asimismo tres Medallas de Honor dotadas en conjunto con 18.000 euros.
Todas las obras premiadas enriquecerán el fondo artístico de la Cámara riojana, formado por más de un centenar de obras de arte entre pintura, escultura, tapices, etc.
Del total de 388 inscritos al Certamen, un Jurado formado por Antonio López García, Pedro Martínez Sierra, Jose María Luzón Nogué, Silvia Lindler García y Manuela Mena ha escogido 42 obras como finalistas; se expondrán temporalmente en los claustros alto y bajo del Parlamento durante el mayo y también de forma virtual, en la web institucional. Además, como novedad este año, se van a incluir audioguías sobre cada pieza expuesta en la que se podrá escuchar la motivación de cada artista, así como un breve currículum de estos.
La inauguración de la exposición temporal y la entrega de premios se realizará el próximo 30 de abril y la exposición se abrirá al público entre los días 1 y 31 del mes que viene. Los viernes por la tarde el director del Certamen, Francisco Javier Garrido Romanos, realizará visitas guiadas en dos turnos: a las 17:00 y a las 19:00 horas.
Por otro lado, coincidiendo con la resolución del premio, el viernes 16 de abril a las 19:00 horas tendrá lugar un encuentro entre Garrido Romanos y Antonio López. Charlarán sobre el arte como itinerario en continuo retorno en el Hemiciclo del Parlamento. El aforo será reducido.
La Fundación Amigos del Museo del Prado dona a la pinacoteca la primera obra documentada de Goya
La Fundación Amigos del Museo del Prado ha donado a este centro Aníbal vencedor, que por primera vez mira Italia desde los Alpes de Francisco de Goya, pieza con la que la pinacoteca completará una de las escasas lagunas cronológicas en su colección del artista, que es la más completa del mundo. Se trata de su primer trabajo documentado y también de una de las composiciones más relevantes de la etapa de juventud del aragonés, y en el Museo se acompañará del llamado Cuaderno italiano, cuaderno de dibujo adquirido por el pintor durante su estancia en Italia (1769-1771) que cuenta, entre otros numerosos dibujos y anotaciones personales, con apuntes para la idea compositiva del Aníbal vencedor y con estudios para sus figuras principales.
Esta obra destaca por su perfección técnica, su orden compositivo armonioso, el virtuoso tratamiento lumínico y por la firmeza de la pincelada al modelar las figuras con color y luz. Representa el conocido cruce de los Alpes por el general cartaginés Aníbal y su ejército en su tránsito de España a Italia en 218 a. C., con el fin de lanzar un ataque contra Roma, y anticipa la manera del artista de concebir las figuras en sus posteriores pinturas de género o de historia, de organizar el espacio pictórico a través de efectos cromáticos y lumínicos y de definir las anatomías y las distintas superficies de los objetos.
Goya la realizó en 1771 en Roma, durante una estancia de dos años en Italia para participar en un concurso celebrado por la Reale Accademia di Belle Arti de Parma. Aunque el premio fue para Paolo Borroni, el español obtuvo seis votos y una mención y se citó su nombre en la edición de enero de 1772 de la revista literaria Le Mercure de France.
La donación ha querido honrar la memoria de Francisco Calvo Serraller, vicepresidente del Patronato de la Fundación Amigos del Museo del Prado y director de su línea académica, que también era director del Museo cuando, en 1993, Jesús Urrea atribuyó a Goya la autoría de esa obra (antes considerada de Giaquinto), adquirida por los Amigos por 3,3 millones de euros. Se encontraba entonces en la Fundación Selgas-Fagalde.
Esta donación es el primer acto de la conmemoración del 40º aniversario de la Fundación, que tendrá su continuación en la edición de un libro sobre su historia y en una exposición en el mismo Prado, en la que, por primera vez, podrán contemplarse reunidas las obras donadas por esta institución al Museo en esas décadas.
Francisco de Goya. Aníbal vencedor que por primera vez mira a Italia desde los Alpes, 1771. Museo Nacional del Prado. Donación de la Fundación Amigos del Museo del Prado
El Thyssen-Bornemisza ofrece entrada gratuita en la semana del centenario del barón Thyssen
Mañana, 13 de abril, se cumplirán cien años del nacimiento de Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002) y el Museo que lleva su nombre en Madrid lo conmemorará con varias exposiciones y actividades; en realidad, la celebración arrancó en octubre, con la presentación de la muestra «Expresionismo alemán en la colección del barón Thyssen-Bornemisza«.
Le seguirán «Orfebrería, pinturas y esculturas en la colección del barón Thyssen-Bornemisza» (12 de abril de 2021-23 de enero de 2022), «Pintura italiana de los siglos XIV al XVIII de la colección del barón Thyssen-Bornemisza en el MNAC» (26 de octubre de 2021-9 de enero de 2022) y «Arte americano en la colección Thyssen» (13 de diciembre de 2021-26 de junio de 2022), todas ellas muestras que podrán verse en las salas de la colección permanente. Además, continuará la exhibición en el centro de los retratos del Barón pintados por Lucien Freud.
En cuanto a otras actividades, hay que destacar el ciclo de conferencias El Barón y la Colección del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, que comenzará el día 22; los conversatorios educativos El barón Thyssen-Bornemisza como coleccionista (hasta junio de 2021), el proceso de restauración ante el público de Joven caballero en un paisaje, de Vittore Carpaccio, y la posterior exposición de los resultados de la misma (17 de mayo-1 de noviembre de 2021), así como la semana de celebración del Centenario, en la que nos encontramos.
Hasta el 18 de abril, el acceso será gratuito (previa reserva de la entrada online) a la colección permanente, en la que se podrá ver el montaje especial «Tesoros de la colección de la familia Thyssen-Bornemisza». Además, a lo largo del día 13 se podrán disfrutar cinco mini conciertos, en colaboración con la Escuela Superior de Música Reina Sofía, en el salón de actos; y la semana se rematará (viernes 16, sábado 17 y domingo 18) con otros seis conciertos (esta vez con la colaboración del Centro Superior y Fundación Katarina Gurska).
José de la Mano, Premio al Mejor Stand en ESTAMPA 2021
Ayer comenzó, en el Pabellón 6 de IFEMA, ESTAMPA 2021, que puede visitarse hasta el próximo 11 de abril; participan setenta galerías de arte contemporáneo, que presentan la obra de alrededor de un millar artistas. A las salas presentes en el Programa General se suman las de la sección comisariada «Diálogos Generacionales», con una selección realizada por Alicia Ventura, así como el proyecto de Victoria Civera, artista invitada en esta ocasión. La cita ha anunciado hoy sus premios, concedidos por diversas instituciones y empresas.
El gobierno regional ha concedido el Premio Comunidad de Madrid-ESTAMPA a la obra de Ixone Sadaba en el stand de la galería gijonesa ATM, que pasará a formar parte de la Colección de Arte Contemporáneo del CA2M. Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles.
La Colección DKV ha distinguido la obra de Álvaro Albaladejo (en el stand de Artnueve, Murcia) y la de Marina Vargas (en el de Llamazares); la Colección Campocerrado ha otorgado su premio a Juan Baraja, por sus imágenes en Espacio Líquido, galería también radicada en Gijón. La Colección Kells, por su parte, ha reconocido la obra de David Martínez Suárez (ATM, Gijón); la Colección Casa de Indias ha galardonado a Mercedes Pimiento (en el stand de Alarcón Criado, Sevilla) y el Premio MGEC, que concede el Museo del Grabado Español, ha recaído en Concha Jerez y José Iges, en la feria en Galería Aural, con sedes en Alicante y Madrid.
Además, el Premio Colección Candela A. Soldevilla ha sido para Nadia Barkate (en el stand de Moisés Pérez de Albéniz) y la Galería José de la Mano ha sido reconocida con el premio al Mejor Stand; cuenta con trabajos geométricos de Agustín Ibarrola y Ángel Duarte.
Por último, Cervezas Alhambra ha entregado su primer Premio Cervezas Alhambra a Ben Callaway por la obra What, never?, un óleo sobre lienzo en el que el artista quiso representar las dudas que propicia la llegada de la noche. Pintado en rosa en la mitad inferior, en la parte superior restante se muestra en color negro con dos líneas diagonales rosas que resisten la invasión de la pintura negra, pareciendo que la imagen podría desaparecer con un simple parpadeo, e incluso moverse como en una película. Puede verse en Espacio Valverde.
Este premio forma parte del proyecto de Cervezas Alhambra Atrévete con el Arte, un recorrido que incluye los stands de diez galerías y ha sido diseñado por la marca en colaboración con la comisaria del proyecto, Alicia Ventura, y el director de ESTAMPA, Chema de Francisco. De entre todas las propuestas, un jurado formado por la comisaria independiente Lorena de Corral, el coordinador de la sección de arte ABC Cultural, Javier Díaz- Guardiola; Irma Álvarez-Laviada, ganadora de la IV edición del Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente y Álvaro Trujillo, Brand Manager de Cervezas Alhambra, seleccionó a Callaway como ganador de este galardón, dotado con 2.000 euros.
Ángel Duarte. Sin título (maqueta para la escultura monumental Ouverture au monde), hacia 1972-1973. Galería José de la Mano
La Galería Joan Prats cumple 45 años
La Galería Joan Prats barcelonesa cumplió 45 años el pasado 23 de marzo: ese día de 1976, Manuel y Joan de Muga abrían sus puertas en la Rambla Catalunya. Se situó en el espacio que ocupaba la sombrerería de Joan Prats, a quien rindieron homenaje conservando su nombre, por acercarlos a Miró, Tàpies, Brossa, Sert, Gomis, Llorens Artigas, Calder, Chillida o Penrose, entre otras figuras del arte contemporáneo de vanguardia.
Sert justamente diseñó el espacio de la galería y su primera exposición, titulada «Presència de Joan Prats», mostraba obra de su íntimo amigo Joan Miró.
A finales de este año, este espacio rendirá homenaje a su fundador en una exposición que se acompañará de una publicación, editada con la colaboración de Carles Guerra.
Apertura de la Galería Joan Prats en 1976
Nudos y desgarros
Hasta el próximo septiembre, el Guggenheim neoyorquino acoge «Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism», un conjunto de obras escultóricas de sus fondos datadas en los sesenta y los setenta y realizadas por autores sin los que no entenderíamos hoy el arte de posguerra en Estados Unidos: Lynda Benglis, Maren Hassinger, Robert Morris, Senga Nengudi, Richard Serra y Tony Smith. Sus trabajos suponen una respuesta crítica a las innovaciones de los pintores expresionistas abstractos incidiendo en procesos y materiales.
La exhibición subraya que autores de generaciones posteriores a Pollock vieron en su legado un camino para el impulso a las experimentación con las técnicas tridimensionales. Serra, por ejemplo, relacionó su instalación Belts (1966-1967), realizada con bobinas de caucho industriales y neón, con los murales de aquel; Tony Smith buscó traducir sus ambiciones espirituales a través de geometrías orgánicas y esenciales y los trabajos de la serie Knot de Benglis son superficies pintadas que podemos considerar objetos escultóricos que desafían al muro.
«Knotted, Torn, Scattered: Sculpture after Abstract Expressionism». Guggenheim, Nueva York
En el centenario de Roger Raveel
El espacio belga BOZAR celebra este año el centenario de Roger Raveel presentando una retrospectiva a gran escala de su obra.
Se trata de uno de los pintores del país más destacados de la segunda mitad del siglo XX: su lenguaje visual equilibró figuración y abstracción y sus temas solían basarse en su entorno inmediato, aspecto que lo separó de buena parte de sus contemporáneos. A través de varios capítulos temáticos, la exposición traza su periplo creativo y puede visitarse hasta julio.
El esplendor de Ruiz Balerdi
El Museo Gustavo de Maeztu de Estella (Navarra) presenta, hasta el 16 de mayo, una muestra dedicada al pintor donostiarra Rafael Ruiz Balerdi, una de las grandes figuras del panorama vasco del arte vanguardista de la posguerra.
Se exhiben una quincena de obras cedidas por la Galería Altxerri de San Sebastián, su ciudad, que reflejan su madurez creativa: una decena de óleos y cinco trabajos sobre papel que prueban su faceta como dibujante y colorista.
Ahondó en diversos estilos, sobre todo en el informalismo gestual, y concedía mayor importancia al acto de pintar que al objeto resultante del mismo. Su forma de pintar se caracterizaba por la rapidez de ejecución derivada de la libertad de la mano; llegó a decir ¡Si yo supiera lo que sabe mi mano…!. Esta manera de crear facilitaba la ejecución de sus piezas en múltiples superficies y con varios materiales: lienzos, papeles de embalaje, óleos y lápices, bolígrafos, tizas de color pastel, ceras o tinta china; trabajaba la pintura muralista y los pequeños formatos, incluso en cuartillas o cuadernos de dibujo.
Rafael Ruiz Balerdi. Museo Gustavo de Maeztu
Mayra Martell y Jon Gorospe reciben el Primer Premio Internacional Photo Ankaria
La Fundación Ankaria convocó este año, por primera vez, su Premio Internacional Photo Ankaria, destinado a reconocer la labor de fotógrafos experimentales, y ya tiene ganadores: el primer galardón ha recaído en la mexicana Mayra Martell, por un proyecto sobre belleza, selfies y droga y el segundo en Jon Gorospe, por un trabajo sobre el paisaje urbano vasco.
Las obras de Martell, nacida en Ciudad Juárez, han sido realizadas desde 2017 en Sinaloa y remiten a la generación por el narcotráfico de estilos de vida, valores, expresiones, músicas y mitologías que se erigen en un modelo aspiracional para muchas personas en esa región. Comenzó investigando sobre las buchonas, mujeres ligadas al narco, a través de sus perfiles en Instagram, para más tarde emprender un trabajo de campo en Culiacán tomando como modelos a esas mismas personas.
Atendió la autora a sus modos de vida, a las intervenciones quirúrgicas con las que han tratado de transformar su aspecto y a su tendencia a las marcas de lujo en el vestir, haciendo hincapié en su visión de la importancia de las apariencias y en su uso, en esa línea, del selfie. Dice Martell haber experimentado el vaivén del terror como una dualidad de la belleza.
Esta artista, cuya obra se centra en lo documental, había trabajado hasta ahora sobre todo en el asunto de las desapariciones forzadas en América Latina y, en 2014, su libro Ciudad Juárez fue nominado en el certamen europeo Deutscher fotobuchpreis.
Mayra Martell. Wildhunting
Gorospe, por su parte, ha sido galardonado por su propuesta Noraezean (en vasco, a la deriva), fruto de su inmersión en Internet para capturar y refotografiar cien vistas del paisaje urbano vasco extraídas de mapas y callejeros online y realizadas por usuarios de plataformas digitales. En el conjunto, el fotógrafo ha observado la constante homogeneización de los lugares construidos, su intercambiabilidad y despersonalización, salvo en ciertos signos de esperanza que apelan a una identidad propia y autónoma.
El Premio Ankaria Photo, al que han concurrido dos centenares de artistas, está dotado con 3.000 euros y una beca de residencia en Barcelona tutorizada por Joan Fontcuberta. Su jurado ha estado presidido por Ricardo Martí Fluxá, presidente de la Fundación Ankaria, y de él han formado parte como vocales Saleta Rosón, patrona de la Fundación Ankaria; José María Luna, director de la Agencia Pública para la gestión de la Casa Natal de Pablo Picasso, la Colección del Museo Ruso y el Centre Pompidou del Ayuntamiento de Málaga; el propio Joan Fontcuberta, fotógrafo, docente, investigador y ensayista; Joana Hurtado, directora de Fabra i Coats y Sema D´Acosta, comisario del premio. Ha actuado como secretaria Isabel Elorrieta, directora de la Fundación Ankaria.
Jon Gorospe. Noraezean
ARCOlisboa 2021 se celebrará finalmente en septiembre
La Câmara Municipal de Lisboa, IFEMA y el Comité Organizador de ARCOlisboa han decidido trasladar esta cita a septiembre (entre los días 16 y 19) con el fin de favorecer la participación en la misma de galerías, coleccionistas y profesionales internacionales. Por la misma razón y excepcionalmente, tendrá lugar en otra sede: Doca de Pedrouços, frente al río Tajo y de fácil acceso.
Cerca de setenta galerías portuguesas e internacionales participarán en la cuarta edición de esta Feria, que repetirá su articulación en Programa General y secciones comisariadas: Opening, que este año crece con la participación de un mayor número de galerías, seleccionadas por João Mourão y Luis Silva; Kunsthalle Lissabon, que aportará nuevos artistas y escenas, y África en Foco, de nuevo con Paula Nascimento al frente, que propondrá descubrimientos artísticos a los coleccionistas y aficionados al arte africano.
Vista de ARCOlisboa 2019
Veepee concederá en ARCOmadrid premios que impulsen el arte emergente
Veepee y ARCOmadrid han hecho público hoy que, coincidiendo con el vigésimo aniversario del ecommerce líder de ventas flash y la 40ª edición de la Feria, pondrán en marcha los Premios Veepee a la Creatividad, destinados a potenciar el arte y los jóvenes talentos.
Estos galardones estarán dirigidos a creadores participantes en la sección Opening, de la que forman parte galerías con menos de siete años de trayectoria, y reconocerán obras nuevas o ya producidas que reflejen el concepto «Visiones del futuro».
Según Maribel López, directora de ARCO, visibilizar el arte emergente es fundamental para ARCO; forma parte de nuestra esencia y, por lo tanto, la creación de los Premios Veepee a la Creatividad, dirigido a las galerías de la sección Opening, nos permitirá observar la dirección a la que señala la creación del futuro.
El autor de la obra ganadora recibirá 9.000 euros y esta será expuesta en el Exhibitors’ Lounge durante la celebración de la Feria, un lugar de reunión de galeristas y profesionales. Además, las dos obras finalistas, premiadas con 2.000 euros cada una, se expondrán en los stands de las galerías de los artistas seleccionados.
Las galerías participantes en la sección Opening de ARCOmadrid 2021 podrán enviar su candidatura hasta el 3 de mayo, fecha a partir de la cual el jurado, compuesto por representantes de Veepee, ARCO y dos profesionales del mundo del arte contemporáneo, valorará las propuestas recibidas. En junio se habrá público el proyecto ganador y las dos piezas finalistas.
Espacio de la galería portuguesa Madragoa en la sección Opening de ARCO en 2017
Marina Vargas, Simón Zabell, Jesús Zurita y la casa de Asterión
Hasta el próximo 17 de abril, la Galería Herrero de Tejada acoge la colectiva «Asterión», que reúne a Marina Vargas, Simón Zabell y Jesús Zurita en torno al cuento corto de BorgesLa casa de Asterión, protagonizado por el propio Asterión y el Laberinto pero estrechamente enlazado a la misma personalidad del escritor argentino.
Vargas ha elegido autoidentificarse con el minotauro borgiano durante sus procesos de quimioterapia; Zurita ha profundizado en la noción de laberinto, casa y espacio cotidiano de ese minotauro, planteando que si este lo recorría con un espejo y una antorcha es porque todo debe arder y Zabell presenta pinturas inspiradas en la clausura de Asterión, ocasión para su diálogo interior.
Marina Vargas. Asterión. El cuerpo revelado, 2020
Julia Aurora Guzmán, del agua y los libros
La Galería Daniel Cuevas presenta la primera muestra de la temporada relacionada con su línea de trabajo vinculada al libro: «AGUAVIVA», de la joven artista dominicana Julia Aurora Guzmán. Es autora de instalaciones, esculturas, fotografías y piezas textiles en las que recontextualiza mecanismos y elementos arquitectónicos para, dejando a un lado su función original, convertirlos en metáforas de emociones individuales y colectivas; así, sus columnas no son ya elementos estructurales y se convierten en nuestro espejo.
Concede, asimismo, protagonismo al agua y su movimiento: mareas y olas aluden a nuestros procesos de cambio, y también apunta Guzmán a elementos cotidianos de su país, a través de semillas, arena, coral o malla de coco.
Julia Aurora Guzmán. Fértil, 2019
Begoña Torres dirigirá el Museo Lázaro Galdiano
El Patronato de la Fundación Lázaro Galdiano, presidido por el Ministro de Cultura y Deporte, Rodríguez Uribes, ha nombrado a Begoña Torres González directora gerente de esa institución.
Torres González es Doctora en Historia del Arte y miembro del Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos; desde 1997 hasta 2010 fue directora del Museo Nacional del Romanticismo y de 2010 a 2020 ha sido Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte y directora de Tabacalera. Desde marzo del año pasado ha ocupado, por último, el cargo de Subdirectora General de Registros y Documentación del Patrimonio Histórico del mismo Ministerio.
Especialista en museología, museografía, patrimonio, arte del siglo XIX y artes visuales contemporáneas, ha sido comisaria de un gran número de exposiciones y también cuenta con una extensa experiencia docente. Ha sido además miembro de diversos patronatos de Museos e Instituciones culturales, del Comité para la movilidad de artistas de la Unión Europea y de la Junta de Calificación, Valoración y Exportación de Bienes del Patrimonio Histórico Español.
Entre sus cometidos en la Fundación Lázaro Galdiano -que aúna el Museo, la biblioteca, el archivo y la edición de la revista Goya– estarán las funciones ejecutivas, organizativas y de planificación y dirección técnica de la misma.
Begoña Torres, nueva directora de la Fundación Lázaro Galdiano
Zóbel y grandes artistas de posguerra
Fernando Zóbel. Retrato, 1961
Hasta este martes, 23 de marzo, podemos disfrutar de la exposición “Zóbel y grandes artistas de posguerra”, que la Galería Mayoral, especializada en arte informalista y de posguerra, presenta en el espacio de la Fundación Pons (C/ Serrano, 138) en Madrid.
Comisariada por Alfonso de la Torre, la muestra permite contextualizar la presencia de obras de Fernando Zóbel (Manila, 1924-Roma, 1984) vinculada a artistas abstractos de primera línea como Chillida, Feito, Tápies, Oteiza, Millares, Miró, Juana Francés o José Guerrero, de los que encontramos también magníficas obras en la exposición. Además de pinturas y esculturas —no todas a la venta pero que suman en el relato propuesto—, podemos ver documentación y fotografías que rememoran sus encuentros y los momentos compartidos por este grupo fundamental dentro de la historia del arte español.
Recordemos que la presencia de Zóbel en España, y su faceta como coleccionista a partir de 1955, fue determinante para mantener en nuestro país buena parte de las obras de esos creadores, en un momento en el que empezaban a tener proyección internacional. A él y a su colección debemos el impulso para la creación del Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca.
Esta es la primera muestra que la galería Mayoral, con sede en Barcelona y París, presenta en Madrid. El horario de visitas es de 11:00 a 20:00 horas, festivos incluidos.
Fernando Zóbel. Cuatro semanas, 1983
Eduardo Chillida. La casa del poeta IV, 1983
Cruz-Diez gráfico
La Biblioteca y Centro de Documentación del Museo Reina Sofía presenta, hasta el 11 de junio de este año, la exposición «El peso de la forma. El diseño gráfico de Carlos Cruz-Diez», que divulga la producción menos conocida del artista venezolano.
Organizada en colaboración con el Archivo Fotografía Urbana y la Cruz-Diez Art Foundation, y comisariada por Ariel Jiménez, recoge parte de las creaciones que llevó a cabo entre 1930 y 2015 en tres formatos: el diseño editorial, los afiches y los catálogos de exposiciones. Se han reunido un centenar de piezas, entre ellas cuadernos, tiras cómicas, catálogos, libros, vídeos, carteles…
Carlos Cruz-Díez en su taller de diseño. Revista Momento. Caracas, 1957
Niki de Saint Phalle, despliegue en Nueva York
Desde el inicio de su trayectoria en los cincuenta, Niki de Saint Phalle desafió convenciones en una obra abierta a la performatividad, los proyectos colaborativos y el feminismo. Hasta el próximo septiembre, el MoMA de Nueva York acoge su primera gran exposición en Estados Unidos, «Structures for Life»: consta de dos centenares de trabajos que subrayan el carácter interdisciplinar de la obra de esta autora y su compromiso social: siempre quiso imaginar nuevas formas de habitar el mundo.
Se inició la artista en los ensamblajes y los proyectos performativos para, desde los sesenta, expandir su producción a la arquitectura, los jardines de esculturas, los libros, grabados, películas, decorados teatrales, la ropa, las joyas e incluso a su propio perfume. Buscó romper estigmas sobre el sida, promover los derechos de la mujer y también el cuidado del medio ambiente.
La antología puede visitarse hasta el 16 de septiembre.
