Reconocido en los círculos de la fotografía por su perspicacia e inventiva, e influyente en numerosos jóvenes autores a raíz de su labor docente en la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, Richard Benson trabajó desde la voluntad de registrar los sucesos, lugares y objetos del mundo, enfrentándose a los retos materiales, físicos y conceptuales que ello implicaba.
Repasa su medio siglo de trayectoria el Philadelphia Museum of Art, en una muestra que incide en su trabajo desde la humildad, en su ilimitada curiosidad por el entorno y en su investigación continua de los procesos y tecnologías fotográficos: concebía el conocimiento humano, del que forma parte la tecnología, como un proceso acumulativo, casi orgánico, que tenía más que ver con la adaptación al medio que con el genio individual.
En sus imágenes encontramos productos del ingenio humano, desde tallas de piedra hasta máquinas de vapor y construcciones complejas, así como sencillos retratos de las personas que amaba o salas de estar donde descansar, justamente, de esas máquinas.
Richard Benson. Newfoundland, 2006–2008. Colección de Barbara Benson
Anastasia Samoylova obtiene el primer premio de fotografía KBr Photo Award de la Fundación MAPFRE
El primer premio KBr Photo Award, concedido por la Fundación MAPFRE, ha recaído por unanimidad del jurado en la fotógrafa rusa Anastasia Samoylova, por su proyecto Image Cities, realizado en diversas localizaciones y aún en proceso. Analiza la integración de la fotografía y la imagen en el entorno urbano, un fenómeno cada vez más habitual; se inició en Moscú y Nueva York este mismo año y se completará en otras ciudades europeas gracias a este galardón.
Además de la dotación económica, el premio incluye la producción y organización de una exposición en el centro KBr Fundación MAPFRE de Barcelona en febrero de 2023 y la edición de un catálogo.
Samoylova (Moscú, 1984) es una artista ruso-estadounidense que vive y trabaja en Miami, se graduó en Bellas Artes por la Universidad de Bradley y en Diseño ambiental por la Universidad Estatal de Humanidades de Rusia. En 2019, la editorial Steidl publicó su proyecto FloodZone, que tuvo destacado impacto en la prensa internacional y fue reseñado en Artforum, The New Yorker, The Washington Post o Frankfurter Allgemeine, entre otros.
Además, sus trabajos han podido verse hasta ahora en Kunst Haus Wien (Austria), Kunsthalle Mannheim (Alemania) y el Museo de Arte Multimedia de Moscú (Rusia) y se encuentran en las colecciones del Perez Art Museum de Miami, el Museum of Contemporary Photography de Chicago y el Wilhelm-Hack Museum, entre otros.
Anastasia Samoylova. Image Cities
Image Cities investiga cómo, en nuestro tiempo de mercados financieros interconectados y extrema fluidez visual, las grandes urbes se están volviendo cada vez más parecidas y tratan, ahora, de promover su individualidad, a veces concediendo nuevos significados a su historia específica.
Si Moscú se promociona a sí misma como un actor global en la economía mundial pero se publicita mediante una iconografía manipulada de su historia, Nueva York, ciudad tenida por incómoda consigo misma, revisa su pasado brillante y su futuro imaginado mientras olvida, en el planteamiento de la artista, sus problemas actuales. Entretanto, Londres, potencia imperial en desvanecimiento, moviliza su patrimonio como si de un valor cultural contemporáneo se tratase y todas estas ciudades se encaminan hacia la consolidación de un paisaje urbano genérico de arquitectura anónima hecha de acero y vidrio en el que viviendas, oficinas y tiendas parecen prácticamente iguales.
Image Cities analiza, en definitiva, el papel que desempeña la fotografía en la creación de esta brecha ideológica entre una identidad urbana de la que se presume y la realidad de la vida cotidiana en ellas.
El jurado de este premio ha estado formado por Carles Guerra, artista, crítico de arte y comisario independiente; Carlos Gollonet, conservador jefe de fotografía de Fundación MAPFRE; Thomas Weski, conservador del Archivo Michael Schmidt y comisario de exposiciones; Sarah Meister, directora ejecutiva de Aperture y Urs Stahel, escritor, comisario, asesor independiente y conservador de MAST – Manifattura di Arti, Sperimentazione e Tecnologia – en Bolonia.
El KBr Photo Award es un premio internacional bienal con el que la Fundación MAPFRE quiere reafirmar su apoyo a la creación artística, dando a conocer al ganador en la escena nacional e internacional e impulsando su carrera con un premio en metálico, una exposición de su obra y su correspondiente catálogo.
Pueden participar en él artistas nacionales o internacionales, mayores de edad, que tengan prevista la realización de un proyecto fotográfico nuevo o la finalización de uno ya iniciado, inédito en ambos casos, que no haya sido presentado a ninguna otra convocatoria similar.
Tania Bruguera, Premio Velázquez por su activismo performativo
El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy la concesión a Tania Bruguera del Premio Velázquez de Artes Plásticas, en palabras del jurado, “por su activismo performativo riguroso y especialmente atento a las dinámicas contextuales sociopolíticas». Se ha tenido en cuenta, asimismo, su revisión de los caminos del arte vinculado a la participación y a la puesta en cuestión de los modos habituales de actuar en el espacio público y de habitarlo.
Este galardón se concede desde 2002 a autores españoles o iberoamericanos, está dotado con 100.000 euros y hasta la fecha ha recaído en Ramón Gaya, Antoni Tàpies, Palazuelo, Juan Soriano, Antonio López, Luis Gordillo, Cildo Meireles, Antoni Muntadas, Doris Salcedo, Artur Barrio, Jaume Plensa, Esther Ferrer, Isidoro Valcárcel Medina, Marta Minujín, Concha Jerez, Antoni Miralda, Cecilia Vicuña y Soledad Sevilla.
A través de sus performances, que reclaman siempre la involucración del público, Bruguera nos llama la atención sobre injusticias sociales y políticas y también ha cultivado el arte contextual, la instalación y el vídeo. Ha desarrollado, asimismo, una relevante investigación artística en relación al arte y sus implicaciones políticas en la vida cotidiana y acompaña su práctica creativa con ensayos en torno a la educación y la construcción de conocimiento. Es, de hecho, fundadora de Arte de Conducta, el primer programa de estudios de performance y creación política.
El jurado que le ha concedido el premio ha estado presidido por Dolores Jiménez-Blanco, directora general de Bellas Artes, y formado por la mencionada Soledad Sevilla, ganadora del Velázquez en 2020; Consuelo Vallina, artista, presidenta de la Unión AC y de la AAVA; Imma Prieto Carrillo, directora de Es Baluard-Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma; Fernando Castro Flórez, profesor de Estética y Teoría de las artes de la UAM; Lars Jakob Bang Larsen, director de Art Hub Copenhague y João Ribas, director ejecutivo del teatro Roy y Edna Disney/CalArts (REDCAT), Los Ángeles.
Tania Bruguera. Autosabotaje, 2009
Álvaro Rodríguez Fominaya, nuevo director del MUSAC leonés
La Junta de Castilla y León ha anunciado el nombramiento de Álvaro Rodríguez Fominaya como próximo director del MUSAC leonés, una vez finalizado el proceso de selección que convocó la Fundación Siglo para el Turismo y las Artes, en el que han participado diez candidatos.
Rodríguez Fominaya, nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1968, ha sido director artístico del Centro de Creación Contemporánea de Andalucía C3A hasta el pasado abril e inició su trayectoria en el Centro Atlántico de Arte Moderno, donde fue, entre 2002 y 2008, conservador, conservador jefe y director en funciones. Con posterioridad asumió la dirección de Para/Site Art Space, en Hong Kong, entre 2008 y 2011, y fue conservador del Solomon R. Guggenheim Museum, para cuya sede bilbaína comisarió muestras como la de Antoni Tàpies o Yoko Ono y puso en marcha la sala Film&Video, materia esta última de la que es especialista.
El nuevo director del MUSAC cuenta, asimismo, con cursos de Doctorado en Historia del Arte por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria y con formación especializada en Estudios Curatoriales por la Fundación ‘La Caixa’. Es profesor (Faculty at Large) en el master de comisariado de la School of Visual Arts SVA de Nueva York desde noviembre de 2015 y, también, tesorero de ADACE (Asociación de directoras y directores de arte contemporáneo de España) y miembro de la Comisión Consultiva de adquisiciones de TEA-Tenerife Espacio de las Artes.
Desde hace cerca de dos décadas ha desarrollado diferentes proyectos de comisariado independiente y ha impartido conferencias en la Universidad de Navarra, la School of Visual Arts de Nueva York, la Universidad Internacional de Andalucía en Sevilla, el Sotheby´s Art Institute de Singapur, la University of Hong Kong o el Centro Cultural de España en Lima, entre otros espacios. Además, ha publicado diversos ensayos para el Guggenheim de Bilbao, el Centro de Atlántico de Arte Moderno o el Istanbul Modern y ha escrito numerosos artículos para El Periódico del Arte, entre otros medios.
La comisión que ha seleccionado a Rodríguez Fominaya como director del centro leonés ha estado presidida por Gregorio Muñoz Abad, vicepresidente primero del Patronato de la Fundación Siglo para el Turismo y las Artes de Castilla y León y de ella han formado parte, como vocales, Juan Manuel Bonet, que ha sido director del Instituto Valenciano de Arte Moderno, del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y del Instituto Cervantes; Ana Doldán de Cáceres, directora conservadora en el Museo Esteban Vicente de Segovia; José María Luna Aguilar, director de la Agencia Pública para la Gestión del Museo Casa Natal de Pablo Picasso, la Colección del Centre Pompidou y el Museo Ruso de Málaga; Juan González-Posada Martínez, director general de la Fundación Siglo y Cristina del Olmo Aguado, coordinadora de la Subdirección de la Fundacion Siglo, que ha actuado como secretaria con voz y sin voto.
Su contrato será de alta dirección a tiempo completo, de carácter temporal y por un periodo de cuatro años prorrogable por otros cuatro más como máximo.
Álvaro Rodríguez Fominaya, nuevo director del MUSAC leonés
Ludovica Carbotta y los dolores de crecimiento
Hasta el próximo enero, la Sala Verónicas de Murcia acoge la muestra de Ludovica Carbotta «Growing pains». Consta de esculturas asociadas a memorias individuales a las que la artista ha procurado dotar de cierta personalidad, humanizándolas parcialmente.
Sus Telamonen remiten a familias, aludiéndose a los paralelismos entre los sistemas de reproducción escultórica y los biológicos y la serie Paphos tiene un carácter claramente autobiográfico: se refiere a su experiencia durante el confinamiento, enlazándose su cuerpo y la materia, el desarrollo humano y el del proceso de trabajo artístico de sus piezas. Una de las obras de ese conjunto se ha concebido específicamente para esta muestra e ira transformándose hasta su finalización.
Ludovica Carbotta. «Growing pains». Sala Verónicas, Murcia
Los relatos fantásticos de Cristina de Middel, en el Museo Universidad de Navarra
Hasta el 6 de marzo de 2022, el Museo Universidad de Navarra presenta la exposición «Pseudología Fantástica» de Cristina de Middel, que recoge su nuevo proyecto en el marco del programa Tender Puentes, Aleatoris vulgaris; Man Jayen, expuesto en este mismo centro en 2015 y las series Cucurrucú, Afronautas y Party.
Tienen en común la mezcla de lo real con fantasías muy elaboradas y su uso del archivo; en palabras de la fotógrafa: Hago míos sus materiales y ofrezco versiones totalmente distintas que no tienen nada que ver con la intención con la que fueron creados. Su trabajo ahonda en la ambigua relación entre fotografía y verdad y conjuga enfoques documentales y conceptuales, jugando con la reconstrucción de arquetipos y estereotipos que ayudan a difuminar la separación entre la realidad y la ficción. En esta ocasión, nos invita a explorar las ideas de la expedición y el viaje, la cultura de la violencia en México y la aleatoriedad.
Museo Reina Sofía y Centro Niemeyer realizarán proyectos culturales conjuntos
Los directores del Museo Reina Sofía y el Centro Niemeyer de Avilés han firmado un convenio por el que ambas instituciones anuncian la próxima planificación y ejecución conjunta de proyectos culturales que buscan contribuir a la construcción de nuevos paradigmas institucionales en el ámbito de la intervención cultural y la producción de pensamiento.
El documento firmado establece un marco general de intercambio mutuo entre ambas entidades que se concretará en el desarrollo de propuestas de investigación y estudio en materias de interés común, la edición de publicaciones y otros materiales de comunicación, la organización de encuentros, seminarios y jornadas o la realización de exposiciones, entre otras actividades.
El convenio cuenta con una vigencia de cuatro años y plantea una renovación por otros cuatro. Carlos Cuadros, director del espacio asturiano, lo ha calificado como «un gran salto cualitativo del Centro Niemeyer que contribuirá a reforzar la calidad de sus actividades culturales, al asociarse con la experiencia y el conocimiento de uno de los museos más destacados de España». Borja-Villel, por su parte, también ha valorado muy positivamente esta iniciativa, que pretende «establecer alianzas con otros agentes culturales del conjunto del país para favorecer el acceso de todo tipo de públicos al arte moderno y contemporáneo».
Vista exterior del Centro Niemeyer, Avilés
«Tornaviaje» se amplía en Madrid y en la red
«Tornaviaje«, la muestra que el Museo del Prado dedica al arte hispanoamericano llegado a nuestro país en la etapa virreinal, se expande en tres museos madrileños y también en Internet.
El Museo Nacional de Ciencias Naturales, depositario del antiguo Real Gabinete de Historia Natural que fundó Carlos III, conserva un destacado patrimonio de ejemplares conocidos como “los envíos de América”, entre los que no faltan los fondos adquiridos en París, en 1771, al naturalista Pedro Franco Dávila, oriundo de Ecuador. Desde entonces y hasta la pérdida de Cuba, Puerto Rico y Filipinas en 1898, llegaron a este centro un buen número de animales naturalizados, fósiles, minerales, rocas, conchas, semillas, herbarios, láminas… que constituyen un vivo testimonio de los intercambios científicos, comerciales y culturales entre España y los territorios de ultramar.
En un montaje especial, se exhiben rocas procedentes de la expedición científica de los hermanos Heuland en Chile y Perú (1795-1800) y una piedra bezoar engarzada en plata. Las muestras mineralógicas, formadas por carbonatos de cobre, piritas y hematites, cobran importancia por proceder de filones metalíferos y se recolectaron para estudiar la riqueza minera de estas regiones y valorar las posibilidades de su explotación industrial. Además de ejemplares de estudio, llegaron esas piedras bezoares, formaciones orgánicas generadas en el intestino de algunos mamíferos a las que se atribuían propiedades medicinales: eran empleadas como antídotos para venenos.
Por su parte, el Museo de América presenta parte de una serie de pinturas de castas atribuidas al pintor mexicano José de Ibarra (en el Prado pueden verse dos cuadros de mestizaje de ese mismo conjunto). Este género, propiamente americano y característico del siglo XVIII novohispano, muestra el proceso de mestizaje que se produjo entre españoles, indios y africanos, en escenas familiares con leyendas informativas.
Ibarra concedió importancia a la indumentaria de los representados: a los motivos ricos de los tejidos, a la viveza de los colores e incluso a las texturas.
Por último, el Museo Nacional de Antropología nos ofrece el montaje «Un paseo por Abya Yala: América decolonial», donde podemos contemplar una pequeña selección de obras de arte datadas en los siglos XVIII y XIX que pueden interpretarse en clave decolonial. Se introduce el nombre Abya Yala, el que el pueblo guna da al continente americano y que muchos prefieren utilizar en lugar de América, de origen europeo, para reflexionar sobre el uso de los nombres y sobre cómo la historia de los pueblos colonizados se suele narrar desde un enfoque eurocéntrico.
El Prado ha diseñado, asimismo, una visita virtual a «Tornaviaje» que nos permite recorrer cada una de las salas de la exposición con la mejor calidad de imagen de visita virtual disponible, gracias a la tecnología Gigapixel de Second Canvas. El proyecto se completa con comentarios sobre los detalles más importantes de algunas de las obras.
En la página web de la pinacoteca podrá adquirirse este recorrido online por 2,50 euros, en español o inglés, y disfrutar de las explicaciones de Rafael López Guzmán, comisario de la exposición, que pondrá en contexto al usuario antes de que inicie su Exploración Libre, con la ayuda de una audioguía, una hoja de sala y el tríptico de información. Del Biombo de la Conquista de México y La muy noble y leal ciudad de México se ofrece un nivel extremo de zoom, milimétrico, que permite percibir más allá de lo que el ojo humano puede observar a simple vista, así como comentarios sobre la simbología, la técnica o los personajes de esta obra clave.
La 29ª edición de ESTAMPA concede sus premios
La última edición de ESTAMPA, que ha regresado a sus habituales fechas otoñales, finalizó ayer y conocemos ya a los artistas galardonados con sus premios-adquisición.
El Premio Colección SÛ ha recaído en Guillermo Mora (Moisés Pérez de Albéniz), Inma Femenía (Galería Punto) y Almudena Lobera (Max Estrella) y el Premio Colección ENATE ha sido para Rafa Forteza (Ponce+Robles). El otorgado por la Colección La Escalera ha reconocido la obra de Julián Gil (Rafael Pérez Hernando) y Guillermo Mora (Moisés Pérez de Albéniz) ha recibido también el Premio Colección Artilleria.
Samuel Salcedo (Galería 3 Punts) se ha hecho con el Premio Klasse y Manuel M. Romero (Artnueve), con el Premio Colección Kells.
Por su parte, la Colección Campocerrado ha otorgado su premio a Jorge Fuembuena (Max Estrella) y la Colección Casa de Indias ha galardonado a Ana Barriga (Wecollect). El fotógrafo Juan Manuel Castro Prieto (Blanca Berlín) ha recibido, por su lado, el Premio Colección Studiolo y el Premio Colección Navacerrada ha sido para José Castiella (Ponce+Robles).
Por último, la Galeria Baró, radicada en Palma de Mallorca, se ha llevado el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2021, con la colaboración del champán Taittinger y el Premio de la Colección DKV se fallará próximamente.
Ganadores del premio Coleccion Sû en ESTAMPA 2021
La Fundación Masaveu vuelve a abrir sus puertas en Madrid
La Fundación María Cristina Masaveu Peterson ha reabierto este mes al público su sede madrileña, cerrada temporalmente a causa de la pandemia. Se reanuda, así, su exposición «Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo», sumándose a su recorrido once nuevas obras adquiridas en los últimos meses, y también se presenta una novedad: el Espacio Street Art, que se dedicará a proyectos de mecenazgo y a la presentación de piezas de la colección Masaveu vinculadas al arte urbano. El acceso a la sede de la Fundación continuará siendo gratuito, al igual que su programa de visitas guiadas.
Comisariada por Javier Barón, «Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo» se inicia en la Ilustración, se extiende hasta el posmodernismo catalán y cuenta con casi 130 piezas, incluyendo trabajos de Goya, Federico de Madrazo, Mariano Fortuny, Joaquín Sorolla —presente con veinticinco pinturas—, Ignacio Zuloaga, Ramón Casas o Hermen Anglada-Camarasa.
Las pinturas que se han incorporado al proyecto tras su reciente compra son, en muchos casos, inéditas y su estudio y restauración ha dado lugar, en ocasiones, a nuevas atribuciones. Algunas de ellas estuvieron vinculadas a colecciones extranjeras y, por tanto, su adquisición por la Fundación contribuye a la recuperación de patrimonio artístico español para nuestro país.
Casi la mitad de esas nuevas obras corresponden a artistas no representados anteriormente en estos fondos, como Juan Antonio Ribera, Francisco Lacoma y Fontanet, Genaro Pérez Villamil, Gustave Doré o Raimundo de Madrazo; otras, realizadas por Mariano Salvador Maella, Zacarías González Velázquez, Eduardo Rosales, Ignacio León y Escosura, Carolus-Duran y Darío de Regoyos, sí corresponden a artistas presentes, pero su inclusión en la exhibición contribuye a enriquecer su discurso y a hacerlo más didáctico.
Por su parte, al citado Espacio Street Art se podrá acceder desde el 27 de octubre y solo en visitas guiadas. Allí se exponen trabajos de autores internacionales (Banksy, Keith Haring o Vhils) o de artistas nacionales y emergentes (Mario Mankey, Muelle, Sabek y Albert Pinya), junto a cuatro proyectos promovidos bajo el mecenazgo de la Fundación y llevados a cabo por El Rey de la Ruina, Estudio Pedrita, Juan Díaz-Faes y Queen Andrea. Los dos últimos han sido diseñados específicamente para este centro.
Exposición «Colección Masaveu. Pintura española del siglo XIX. De Goya al modernismo» en la Fundación Masaveu Paterson. Fotografía: Marcos Morilla
Dora García, Premio Nacional de Artes Plásticas 2021
El Ministerio de Cultura y Deporte ha anunciado hoy la concesión a Dora García del Premio Nacional de Artes Plásticas correspondiente a este año, un galardón dotado con 30.000 euros, en reconocimiento a “su manera integral de concebir los espacios para crear performances en las que resulta clave la interacción con los públicos, así como su versatilidad en la utilización de soportes y su capacidad para favorecer la reflexión ética relacionando conceptos y emociones”.
El jurado ha subrayado, asimismo, “tanto la solidez de su trayectoria como el trabajo del último año que, en el contexto de una pandemia, investiga sobre las relaciones entre política y amor y las formas de solidaridad entre minorías”.
La autora vallisoletana, profesora en la Academia Nacional de las Artes en Oslo y antes miembro de la facultad del Programa de Estudios Independientes del MACBA (2015-2020) y co-directora de Les Laboratoires d’Aubervilliers, trabaja fundamentalmente en el campo de la performance, la producción de texto en diversos formatos y el documental experimental. Dos de los asuntos más presentes en su producción son la relación entre comunidades e individuos en la sociedad contemporánea y las posiciones marginales: suele homenajear a personajes excéntricos y antihéroes, como se evidencia en proyectos como The Deviant Majority (2010), The Joycean Society (2013) o Segunda Vez, un recorrido abierto por muchos de sus trabajos pasados que presentó en el Museo Nacional Reina Sofía hace tres años.
Como editora, ha producido publicaciones como las recientes Love with Obstacles (K.Verlag, 2020), On Reconciliation (K.Verlag, 2018), y Segunda Vez (Torpedo Books, 2018) y actualmente trabaja en un amplio proyecto de investigación llamado Amor Rojo, dedicado al legado de la marxista feminista Alexandra Kollontai.
El jurado del galardón ha estado presidido por la directora general de Bellas Artes, María Dolores Jiménez-Blanco; actuando como vicepresidenta la subdirectora general de Museos Estatales, Mercedes Roldán Sánchez. Lo componían el artista José María Yturralde López, galardonado en 2020; Pablo Martínez Fernández, educador e investigador; Clara Montero Tellechea, directora cultural de Tabakalera. Centro Internacional de Cultura Contemporánea; Mónica Núñez Laiseca, comisaria independiente y productora en ArtLink Central (Reino Unido); Sergio Rubira Gutiérrez, comisario de exposiciones y profesor de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid; Helga Müller, galerista y coleccionista y Consuelo Sánchez Naranjo, directora del Instituto Nacional de la Administración Pública (INAP).
Dora García. The Breathing Lesson, 2001
ESTAMPA concederá por primera vez el Premio Colección SÛ
En la próxima edición de la Feria ESTAMPA se concederá un nuevo galardón: el Premio Colección SÛ, destinado a apoyar el desarrollo profesional de artistas actuales.
Consistirá en tres becas de formación para que artistas representados por las galerías participantes en ESTAMPA se sumen al curso Getting it across: Communicating your art practice del ACT Programme, que tiene como fin impulsar la carrera internacional de artistas de media carrera. Se trata de un seminario intensivo para creadores visuales y pensadores que deseen mejorar la manera en que comunican y presentan su obra y también sus conexiones internacionales.
Está impartido Georgina Adam, periodista cultural y editora de The Art Newspaper; Alessio Antoniolli, director de Gasworks y Triangle Network; Francesca Bellini-Joseph, miembro del Comité Ejecutivo y del Comité de Adquisiciones de Arte Latinoamericano de Tate y educadora; Aaron Cezar, director de la Delfina Foundation y comisario de performance de la 58º Bienal de Venecia y por Gilda Williams, crítica en Artforum y profesora en Goldsmiths.
Las galerías presentes en esta cita pueden nominar a sus artistas para este curso completando o reenviando el formulario disponible en la web de ESTAMPA. La fecha límite para inscribir a los artistas es el 17 de octubre de 2021.
Luis Enrique Parés, nuevo director artístico de Cineteca Madrid
Cineteca Madrid ha anunciado que Luis Enrique Parés dirigirá la programación de sus salas a partir de enero de 2022; ha sido elegido por concurso público y pronto se incorporará a su puesto en este espacio integrado en el centro de creación contemporánea Matadero Madrid, que tiene como objetivo convertirse en espacio de referencia local, nacional e internacional del cine y la creación audiovisual.
En el proceso de selección, diseñado por el Ayuntamiento de Madrid y abierto el pasado julio mediante un procedimiento de concurrencia pública, se ha tenido en cuenta el fomento de contenidos que conecten el cine y el audiovisual con otras artes, el refuerzo de canales estables de diálogo y cooperación con el sector cinematográfico y audiovisual local o el incentivo de la investigación entre profesionales y del aprendizaje y el encuentro con el cine entre el público general.
Parés es licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid, máster en Documental de Creación por la Pompeu Fabra de Barcelona y en Estudios sobre Cine Español por la Rey Juan Carlos de Madrid. Desde 2019, trabaja en su tesis doctoral en torno al cine español en el exilio francés mientras continúa su carrera como gestor cultural en el Departamento de Programación de Filmoteca Española, el Festival de Cine Europeo de Sevilla y el Festival Internacional de Cine de Valdivia (Chile). En su faceta como divulgador, destaca su colaboración con Historia de nuestro cine, el programa de RTVE que coordina y presenta desde 2015.
La Comisión de Valoración que lo ha seleccionado ha estado formada por Javier Asenjo, Inés Enciso, Enrique Gonzalez Kuhn, Álex Lafuente y Marta Medina, así como por un representante del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento madrileño.
Fallece Mark A. Roglán, director del Meadows Museum
El Meadows Museum de Dallas ha anunciado esta semana el fallecimiento de su director, Mark A. Roglán, a los cincuenta años de edad y causa de un cáncer. Su muerte coincide con el vigésimo aniversario de ese centro, el principal en Estados Unidos dedicado a las artes y la cultura españolas, del que Roglán estaba al frente desde 2006.
En ese periodo, el Meadows ha triplicado su público y desarrollado importantes exposiciones internacionales, además de organizar becas significativas, programas educativos atractivos y accesibles y alianzas estratégicas con los principales museos del mundo.
Nacido en Madrid, Roglán se incorporó al museo como comisario interino y profesor asistente de historia del arte en agosto de 2001; se convirtió en comisario de colecciones en enero de 2002 y en comisario jefe en junio de 2004. Tras una búsqueda a nivel nacional, fue ascendido a director en 2006. Con anterioridad había trabajado en el Departamento de pintura y escultura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado y en el Departamento de dibujo del Fogg Museum de la Universidad de Harvard.
Rosa Velasco Ringeling, Premio Ankaria al Libro de Artista 2021
La Fundación Ankaria ha anunciado que su Premio al Libro de Artista, que cumple ocho ediciones, ha recaído este año en la chilena Rosa Velasco Ringeling, seleccionada entre un total de 194 artistas de todo el mundo que concurrían al certamen.
Su obra galardonada se titula Adobe/Babel y se trata de una pieza adaptable, que puede retorcerse y destorcerse, plegarse y desplegarse. En sus páginas se reproducen textos fragmentados de varias fuentes e imágenes intervenidas vinculadas con la pintura Torre de Babel, de Brueghel El Viejo. Según la artista, este libro objeto de pequeño formato entrecruza los aspectos simbólicos inherentes al adobe, concebido como material de construcción y posibilidad virtual de construcción de otra realidad.
Rosa Velasco Ringeling. Adobe/Babel
El segundo premio en esta convocatoria ha sido para la asturiana Irma Álvarez-Laviada, por Arrepentimientos, una obra donde aborda la noción del vacío. Ha creado un libro-inventario de todas las obras pictóricas de la historia del arte que ha encontrado en las que se tiene constancia de algún tipo de “arrepentimiento”, cambios realizados por los propios autores durante su ejecución.
Por último, el Premio Javier Rosón, que reconoce la mejor obra de un artista menor de 28 años, ha sido para la también chilena Carla Mora Ovando. Su trabajo se titula Imágenes domésticas y en él emplea con valor metafórico los silabarios utilizados en el sistema de educación escolar en Chile, interviniendo en la creación de nuevos textos didácticos con la misma base que el Silabario Hispanoamericano creado en 1945 y el Silabario del ojo, publicado a finales del siglo XIX. Mora realiza así una crítica al lenguaje que alude a tópicos vinculados al sexo femenino.
El jurado de esta edición del Premio Ankaria al Libro de Artista ha estado compuesto por el presidente de la Fundación Ankaria, Ricardo Martí Fluxá; los patronos de la institución Saleta y Javier Rosón, Jaime Mairata y José María Luna, y el profesor Salvador Haro, titular en el Área de Pintura de la Universidad de Málaga y Decano de la Facultad de Bellas Artes.
Velasco Ringeling recibirá 3.000 euros; Álvarez Laviada, 1.500 y Mora Ovando, 1.000, cantidades que serán destinadas a la adquisición de las obras de estas autoras.
Además, el proyecto ganador pasará a formar parte de la exhibición “La Palabra Pintada”, en itinerancia por nuestro país, que consta de los trabajos de los artistas que han logrado el premio hasta el momento: Javier Pividal (2014), Shirin Salehi (2015), Daniel Verbis (2016) y Guillermo Mora (2017), Roberto Aguirrezabala (2018), Ana Soler (2019) y Carlos Irijalba (2020), junto a proyectos de autores consagrados con la misma temática.
Irma Álvarez-Laviada. Arrepentimientos
Vanessa Gómez y las dimensiones de lo material
Hasta el 30 de octubre, la sede madrileña de la Galería La Cometa acoge «Dimensiones de lo Material», una exhibición en la que Vanessa Gómez reivindica los oficios tradicionales y la artesanía como medio transmisor de saberes ancestrales.
Reutilizando tejidos hechos con hilo, algodón o frijol, recuerda nuestra conexión corporal, cultural e histórica con la tierra a través de materiales donde tiene cabida la memoria de lo vital. Los procedimientos en los telares de las comunidades indígenas latinoamericanas se unen en sus piezas a las técnicas digitales.
Vanessa Gómez C. Estudio de luz y sombra XIV, 2021
La maternidad según Rebecca Glover
La maternidad y el espacio de lo doméstico constituyen el punto de partida de los últimos trabajos de la artista británica Rebecca Glover, que hasta el 13 de noviembre presenta en la Galería Silvestre de Madrid «To the edge of what I wasn’t, I was».
Muestras esculturas elaboradas con arcilla polimérica que evocan lo orgánico y la ciencia ficción y pinturas realizadas durante su embarazo, buscando entender a través de sus telas los enigmas de la gestación.
Rebecca Glover. «To the edge of what I wasn’t, I was». Galería Silvestre
Federico Miró se inspira en Japón
El artista malagueño Federico Miró continúa trabajando en sus lienzos a partir de referentes y técnicas a medio camino entre la tradición y la modernidad; entiende que pasado y presente mantienen una correlación atemporal. En F2 Galería, en Madrid, exhibe hasta el 16 de octubre «The invisible thread», un repaso a obras recientes de elaboración muy minuciosa y formato único en las que su fuente de inspiración ha sido Japón y la cultura nipona.
La paleta cromática ha quedado reducida a una gama monocroma por cuadro, sustituyendo sus anteriores colores áureos por los que ofrece la naturaleza de ese país. Continúan albergando sus pinturas elementos figurativos y abstractos y un rico horror vacui que da lugar a tramas sincronizadas y ritmos que introducen coreografías en los lienzos.
Federico Miró. «The invisible thread». F2 Galería
Los nuevos horizontes de Yago Hortal
La continua experimentación es una de las claves de la trayectoria del artista barcelonés Yago Hortal, que estrena temporada en la Galería Senda de la capital catalana. Presenta «¿Otra vez?», muestra que recoge telas donde vira a lo esencial: interviene el lienzo y retira todo lo que queda sobre él para desvelar un negativo del mismo proceso de la pintura, un registro de su elaboración.
Frente a sus trabajos anteriores basados en la aplicación de masas pictóricas y la búsqueda de la tercera dimensión, opta ahora por estructurar sus piezas a partir del movimiento y la gestualidad de la pincelada; también por el uso de tonos naturales y primarios frente a su pasada querencia por los flúor. La exhibición puede visitarse hasta el 13 de noviembre.
Yago Hortal. «¿Otra Vez?». Galería Senda
ABABOL lleva a Aladrén a Marta Castro, Chico Trópico y David Cantarero
ABABOL, Festival de Arte Público, Memoria y Despoblación, se celebra en la localidad zaragozana de Aladrén hasta el próximo 26 de septiembre. Su objetivo es invitar a artistas contemporáneos a trabajar allí en una obra relacionada con el medio rural y también fomentar el turismo cultural en esa zona, demográficamente castigada.
Cada año se lanza una convocatoria internacional para seleccionar a tres artistas en residencia que desarrollen proyectos en los espacios públicos de Aladrén; esta vez se han recibido 44 candidaturas y una comisión formada por la gestora cultural María Gracia de Pedro, la directora de hablarenarte Flavia Introzzi y la artista Gema Rupérez ha seleccionado a Marta Castro, el colectivo Chico Trópico y David Cantarero.
Castro presenta Función Barrera, una instalación que funde piel y arquitectura en referencia a esa función barrera de ambas, nuestro constante medio de protección. Ladreán o la piedra extraña es el título de la propuesta del colectivo Chico Trópico, un proyecto de ficción comunitaria concebido para mezclarse con la memoria del pueblo de Aladrén. Han elaborado un dispositivo ficcional, un extraño objeto, que quiere ser punto de partida para generar narraciones sonoras sobre este pueblo relativas a su pasado y su presente.
Por su parte, Cantarero viene trabajando, en el marco de ABABOL, en la escultura pública Usted está aquí, realizada en hierro. Su forma funde las del icono que indica en los mapas digitales la ubicación del lector y algunas de las principales partes que formaban el tradicional arado romano.
Estos trabajos se sumarán en Aladrén a los nueve realizados en las pasadas ediciones del Festival, convirtiendo este pueblo en un espacio de arte contemporáneo al aire libre en armonía con el entorno y la comunidad; una de las señas de identidad de este proyecto es el diálogo entre vecinos y creadores. Se realizan visitas por los diferentes talleres de los artistas y varias actividades paralelas: un conversatorio, una mesa redonda sobre arte, memoria y despoblación y conciertos de Mayalde.
