La Marlborough Gallery de Nueva York presenta, hasta el 16 de marzo, una exhibición de obra reciente del pintor cubano Julio Larraz, la cuarta del artista en esta sala desde que la filial neoyorquina de Malborough fuese inaugurada en el año 2000. La muestra se compone de 24 pinturas sobre lienzo y cuatro acuarelas y pasteles sobre papel que se caracterizan por su sencillez, su iluminación dramática, su exagerada escala, su sensualidad cromática y su combinación de realidad y fantasía.

En cuanto a la temática abordada por Larraz, siempre desde la metáfora y desde un fuerte carácter narrativo, destacan temas universales como el aislamiento, la melancolía, las intrigas políticas o el lado absurdo del poder. Frecuentemente incorpora referencias a la mitología griega y a la historia del arte.

Larraz trata también las ambiguas interacciones entre hombre y naturaleza. Nacido en La Habana en 1944, expuso por primera vez su obra en 1971, en la Galería Pirámide de Washington y cuatro años después recibió una beca Cintas del Instituto de Educación Internacional de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Miami.

Buena parte de las obras emblemáticas de los artistas impresionistas se dan cita hasta mayo en el Metropolitan Museum en una muestra que ilustra cómo los artistas vinculados a este movimiento se dejaron llevar por los dictados de la moda entre la década de 1860, cuando los críticos admiraron el retrato The Green Dress de la esposa de Monet, y la de 1880, en la que Degas efectuó sus series de bailarinas más conocidas.

Entre las piezas expuestas destaca El desayuno sobre la hierba de Manet y entre los centros que han cedido piezas para la exhibición destacan el Musée d´ Orsay, el Museum Folkwang de Essen, el National Museum de Estocolmo o la Courtauld Gallery de Londres.

Las pinturas se acompañan de vestuario femenino y masculino contemporáneo y de fotografía e ilustraciones de aquel tiempo.

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la Fundación Warhol pone a la venta, a través de la casa Christie´s, pinturas, dibujos, fotografías y litografías de Andy Warhol por las que se podrá pujar durante una semana desde precios variados y más accesibles de lo habitual, intentado seguir el afán de popularizar el arte del creador pop.

Hasta el próximo 5 de marzo se ponen a la venta 125 piezas de la colección de la Fundación Warhol, que quiere desprenderse de estas obras para recaudar fondos y conceder becas para el fomento del arte.

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La quinta edición de la serie «miradas cruzadas» que nos ofrece el Museo Thyssen-Bornemisza está centrada en la representación del intimismo en la pintura.

Lleva por nombre «Juego de interiores. La mujer y lo cotidiano» y reúne una selección de diez obras de las colecciones permanentes del centro que retratan asuntos relativos a la vida cotidiana, familiar o íntima en épocas y escenarios diversos.

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Ayer murió Nigel Glendinning, hispanista y gran estudioso de la figura y la obra de Goya. Nacido en Surrey, se licenció en 1953 en Lengua y Literatura francesa y española en la Universidad de Cambridge y dedicó su tesis doctoral a la Vida y obra de Cadalso.

Vinculado desde su juventud a nuestro país, en 1956 comenzó a trabajar como profesor adjunto de la universidad de Oxford, poco después fue nombrado Reserach Fellow en Trinity Hall de la Universidad de Cambridge, catedrático de Español en Trinity College de la Universidad de Dublín (1970-74), catedrático de la Universidad de Southampton (1962-70) y catedrático de Queen Mary and Westfield College de la Universidad de Londres (1974-1991), de la que ha sido catedrático emérito hasta su muerte.

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La galería ovetense Guillermina Caicoya muestra hasta julio instalaciones, dibujos y pinturas que el joven artista gijonés Jorge Nava ha reunido bajo el título de «Seres vivos».

Menos crudas que sus trabajos anteriores, estas piezas responden, en sus palabras, a una visión más madura, más poética y menos salvaje, y son reflejo de experiencias personales. Nava representa flores antropomórficas, mujeres que parecen flores o esqueletos que parecen estar vivos.

El flamenco, los expresivos giros de manos que lo acompañan y sus instrumentos de percusión se encuentran presentes en bocetos, dibujos, pinturas y collages en los que Joan Miró representó a diversos bailarines españoles entre 1921 y 1981. Una selección de estos trabajos, llamativos por su ingenio, se exhiben hasta el 30 de junio en el Israel Museum de Jerusalén.

Miró los ejecutó en una gran variedad de estilos (realismo, cubismo, surrealismo y abstracción), desde su voluntad experimental en lo formal y en lo técnico. Dos de las obras de la muestra proceden de los fondos del propio Israel Museum y el resto han sido cedidas por varios centros internacionales.

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Armonía compositiva y minuciosidad en el trato de la figura humana y en la elección cromática son determinantes en la obra de Federico Barocci, artista fundamental del  s XVI italiano. La National Gallery de Londres le dedica hasta el 19 de mayo su primera retrospectiva, una muestra que cuenta con algunos de sus mejores retablos, como El Santo Entierro o La Última Cena, procedentes de la Catedral de Urbino.

La exhibición, que se abre mañana al público, incorpora también algunos dibujos preparatorios que nos servirán para comprender la evolución de una misma imagen en la fertil imaginación de Barocci, en cuya producción está siempre presente una calidez muy personal que humaniza sus temas religiosos.

Venerado por sus clientes en vida, Barocci combina en sus trabajos la idealización del Alto Renacimiento con el dinamismo que será característico del Barroco.

El MMK de Frankfurt acoge hasta mayo «The Krazy House», exhaustiva retrospectiva que analiza las incursiones fílmicas de la artista holandesa Rineke Dijkstra y que incluirá dos vídeos inéditos. Preparada en estracha colaboración con la creadora, esta exhibición ofrecerá una visión muy cercana de las pasiones artísticas y fuentes de inspiración de Dijkstra, entre las que se encuntra la obra de Andy Warhol, Douglas Gordon, Isa Genzken, Tobias Rehberger, On Kawara o Bruce Nauman, artistas representados en los fondos del MMK.

La pieza estrella de la muestra será la proyección multicanal The KrazyHouse, grabada en 2009 en el club de Liverpool del mismo nombre y centrada en la expresión a través de la danza de cinco jóvenes. En sus trabajos, Dijkstra examina el contraste entre las posibilidades de la fotografía como imagen fija y las del vídeo como sucesión de imágenes en movimiento y rastrea también el proceso de maduración humano.

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Tras presentarse con éxito en la Pinacoteca de París, el Palazzo Reale de Milán presenta «MODIGLIANI SOUTINE e gli artisti maledetti. La collezione Netter», muestra comisariada por Marc Restellini que presenta 120 obras de la colección Netter inéditas en Italia realizadas por artistas como Modigliani, Soutine, Suzanne Valadon, Kisling y otros creadores que vivieron y trabajaron en Montparnasse durante los años veinte, en los años en que el barrio parisino era meca de la vanguardia y lugar de encuentro de artistas e intelectuales de primer orden.

Entre las obras expuestas destacan Elvire con collettino (1918), de Modigliani, los retratos que este mismo pintor realizó de Zborowski y Soutine y veinte óleos de este último, como Uomo con cappello, Scalinata rossa, Cagnes y La pazza.

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Hasta el próximo 13 de abril, la Galería Stefan Röpke de Colonia presenta su tercera muestra individual de Jordi Alcaraz, artista barcelonés autor de pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones con las que pretende introducir al espectador en una experiencia lúdica muy ligada a la naturaleza.

Luces y sombras juegan un papel fundamental en sus pinturas y sus dibujos a lápiz y sus esculturas equilibran la solidez de sus formas y la fragilidad propia de las composiciones efímeras.

Alcaraz, que vive y trabaja en Barcelona, ha expuesto sus trabajos en el LACMA de Los Ángeles, el Museum der Künste Bildenden de Leipzig, el Centre Santa Mònica, el Centre Tecla Sala y la Fundación Telefónica de Madrid.

Según los postulados de «Contra Tàpies», la muestra que la Fundació del artista en Barcelona abre el 1 de marzo, acercarse a la obra de Tàpies hoy día supone luchar contra una maraña de encrucijadas que dificultan interpretaciones analíticas.

Aproximarse a la carrera de este artista implica construir un lugar libre de las mitificaciones generadas por su figura y abierto a nuevos enclaves de lectura.

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La consejera de Cultura y Turismo de la Junta de Castilla y León, Alicia García, ha presentado hoy en León a la nueva directora del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, Eva González-Sancho, que ha trabajado hasta ahora como directora y comisaria del Frac Bourgogne, entre 2003 y 2011, y de la Etablissement d’en face projects, oficina de proyectos de arte en Bruselas, de 1998 a 2003. También ha sido profesora de Historia de las exposiciones en la Universidad de Metz de 2001 a 2004 y actualmente formaba parte del equipo curatorial de LIAF, Lofoten International Art Festival de Noruega.

Ha comisariado muestras de Guillaume Leblon, Pedro Cabrita Reis, Lara Almarcegui, Jonas Dahlberg, Katrin Sigurdardottir, Knut Åsdam, Peter Downsbrough, Gaylen Gerber, Rita McBride o Koenraad Dedobeeleer en Francia y otros países y también participó en la formación de las colecciones del Frac Bourgogn.

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LABoral ha lanzado hoy una aplicación para móviles y tabletas que permitirá visitar virtualmente sus exposiciones. De momento, puede descargarse gratuitamente a través de la plataforma Google Play para el sistema Android y,en pocos días, estará disponible en el App Store para dispositivos que operan con sistema IOS, como los iPhone e iPad.

El proyecto ha sido concebido como una experiencia piloto fruto de la cooperación entre LABoral y Llume, Estudios y Proyectos Culturales y se desarrolla en el marco de las ayudas concedidas por la Secretaría de Estado de Cultura, en 2012, para la modernización e innovación de las industrias culturales y creativas.

Además, se enmarca en el convenio de colaboración firmado por el Centro de Arte y Creación Industrial y el Parque Científico y Tecnológico de Gijón para potenciar la colaboración entre las empresas creativas alojadas en los centros empresariales municipales.

Queens Museum of Art, Museo ICO y Hablar en Arte ponen en marcha «Museum Explorers Club», un programa diseñado para familias con niños afectados por autismo con un formato flexible de visita-taller.

De modo lúdico y educativo, las familias descubrirán las salas del Museo ICO y del Queens Museum y podrán poner en práctica lo aprendido y desarrollar su creatividad en el estudio/taller, inspirándose en las piezas que han descubierto en las salas de exposiciones. La exploración y el juego les ayudarán a establecer relaciones con las obras de arte, construyendo su vocabulario visual propio.

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Hace ahora un siglo, en 1913, el Art Institute of Chicago fue el primer museo estadounidense en en presentar el trabajo de un entonces joven Picasso. Este mes de febrero, el centro celebra el centenario de ese inicio de la relación entre Chicago y el artista malagueño con una exhibición que reúne 250 pinturas, grabados, esculturas, dibujos y cerámicas procedentes de los fondos del museo y de colecciones privadas de la ciudad.

El Art Institute of Chicago comenzó a atesorar obras de Picasso a principios de 1920, cuando adquirió dos dibujos figurativos. En 1926, recibió como donación de Frederic Clay y Helen Birch Bartlett Viejo con guitarra (1903-1904) y posteriormente se hizo con Madre y niño (1921), el sillón surrealista Red (1931), esculturas como Cubist Head of a Woman (Fernande) (1909) y varios trabajos en papel.

El influyente pintor ruso Oleg Vassiliev falleció el pasado 18 de febrero a los 81 años de edad tras una larga batalla contra el cáncer. Margarita Tupitsyn, experta en su vida y su obra, ha subrayado el ingenioso equilibrio entre discurso y naturaleza, realismo y abstracción, en su producción, muy cotizada en las grandes casas de subastas hasta hace unos años.

Nacido en 1931 en Moscú, trabajó como ilustrador de libros infantiles durante tres décadas antes de introducirse en la pintura. En el 2004, la Galería Tretiakov y el Museo Estatal Ruso produjeron su primera monografía.

El Irish Museum of Modern Art de Dublín presenta hasta mayo «Analysing Cubism», muestra que explora el desarrollo del Cubismo temprano a través de obras de Albert Gleizes, Evie Hone y Jellett Mainie, pero también de Hone, Jellett y otros creadores irlandeses que trabajaron en las décadas de los veinte y de los treinta y que contribuyeron al desarrollo del arte moderno europeo.

Pese a centrarse en el Cubismo analítico, la exposición amplía su alcance hasta la II Guerra Mundial y la etapa posterior, en la que el foco artístico mundial se trasladó de París a Nueva York. Esta muestra podrá verse desde junio en la Crawford Art Gallery de Cork.

La Fundación barcelonesa Foto Colectania inaugura hoy la exposición «Obra-Colección. El artista como coleccionista», comisariada por Joan Fontcuberta, un proyecto de producción propia que se presenta por primera vez en la Fundación y que documenta una situación actual en auge: el tránsito del coleccionismo de creación a la creación como coleccionismo.

A través de trabajos de diez artistas, Ève Cadieux, Emilio Chapela Pérez, Hans Eijkelboom, Erik Kessels, Martin Parr, Jean-Gabriel Périot, Joachim Schmid, Richard Simpkin, Eric Tabuchi y Penelope Umbrico, esta exhibición propone un análisis de la fotografía contemporánea, una de las líneas de programación de Foto Colectania. Coproducida con la Fundació Banc Sabadell, se podrá ver hasta el 25 de mayo de 2013.

Johann Christian Reinhart (1761-1847) fue uno de los grandes artistas alemanes de la primera mitad del s XIX: destacó como dibujante, artista gráfico y pintor y, junto a Koch, puso las bases del idílico paisaje heroico decimonónico. Desde 1789 residió en Roma, donde ejercería una influencia fundamental en el círculo de creadores germanos que residían entonces en la ciudad italiana.

El colaboración con la Hamburger Kunsthalle, la Neue Pinakothek presenta, hasta el 26 de mayo, la primera muestra individual dedicada a Reinhart, una exhibición que reunirá, no sólo sus paisajes, sino también mordaces caricaturas que servían de contrapeso a esa pintura idealista y que prueban que fue algo más que un artista clásico romántico.

La exhibición también incluye dibujos, de excepcional interés por su variedad de técnicas y por haber sido redescubiertos recientemente. En ellos se aprecia su virtuosismo como colorista.
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