Hasta el próximo octubre, el Museo Oteiza acoge el proyecto Aflorar, realizado específicamente por David Bestué para este centro navarro. Se trata de una intervención escultórica compuesta por obras en las que la tensión entre forma y materia queda mediatizada por los procesos de transformación de los materiales utilizados.
Las obras de este autor parten de elementos orgánicos y perecederos, como sal, flores, laurel, arena, azúcar o humo, que sitúan la escultura a medio camino entre lo fijado por la forma y el volumen y lo que escapa, por su propia esencia vital, a cualquier contención, en contraste con la solidez de los trabajos de Oteiza y de la mayoría de los escultores del siglo XX. En su caso, además, componentes como el laurel o la rosa aparecen asociados a la representación de lo efímero y fugaz.
En sus procesos creativos, Bestué filtra y tritura algunos ingredientes hasta dar lugar a una materia líquida que formaliza mediante moldes, captando e inmovilizando lo vertido en su interior. Sus piezas toman, por tanto, apariencias básicas, como las de lingotes, esferas, pilares o ladrillos, pero guardan la memoria de la organicidad y el registro vital de los materiales, que rebasan su forma preestablecida. Se encuentran, así, sus piezas últimas libres de la condición de permanencia y plenas de una temporalidad determinada por las condiciones perecederas de sus mismos soportes.
Aflorar se sitúa en una posición crítica ante la escultura de la modernidad y cercana a los contextos marcados por lo cíclico y vital.
David Bestué. «Aflorar». Museo Oteiza
Jordi Teixidor y José María Yturralde, invitados en ESTAMPA 2022
La Feria Internacional de Arte Contemporáneo ESTAMPA celebrará sus tres décadas de andadura del 13 al 16 de octubre en IFEMA y conocemos ya sus artistas invitados, que esta vez serán dos pintores abstractos: Jordi Teixidor y José María Yturralde. Ambos presentarán obras específicamente realizadas para la muestra y centradas en la relación de las artes plásticas con la música y el sonido, dado que el compositor y musicólogo Miguel Álvarez Fernández llevará a cabo un estudio de las referencias, intereses, e influencias acústicas, científicas y musicales de los dos y volcará sus frutos en un álbum conmemorativo que recogerá toda la documentación surgida del análisis y, también, una edición de estos sonidos en un disco de vinilo de tirada limitada.
Sabemos, asimismo, que en ESTAMPA 2022 la participación de galerías y editores se estructurará en el habitual Programa General y en los proyectos comisariados por invitación Solo Project y Duo Project.
Se reforzará el programa de coleccionistas internacionales y se está terminando de diseñar otro especial para interesados en adquirir arte, con la colaboración del Ministerio de Cultura y Deporte. Incluirá la celebración de un extraordinario COLECCIONA en ESTAMPA y de visitas, encuentros, compras, premios y foros de debate con la participación de coleccionistas privados españoles.
Eduard Vicente será el próximo gerente del MACBA
El gerente, desde 2015, del Distrito de Horta-Guinardó de Barcelona, Eduard Vicente, será desde principios de junio quien ocupe ese mismo cargo en el MACBA. Su función será dirigir la administración del Consorcio del Museo de Arte Contemporáneo con el fin de ejecutar los acuerdos del Consejo General y de la Comisión Delegada en el marco de las líneas estratégicas del centro, y en consonancia con las líneas discursivas y de investigación presentadas desde la Dirección.
Se trata de la primera incorporación al equipo de este espacio desde la llegada de Dyangani Ose a su dirección.
Vicente ha impulsado el proyecto Districte Literari, el desarrollo de equipamientos ligados al arte urbano y los nuevos espacios de coworking artístico y cultural. Además, durante la pandemia, ha sido el responsable municipal de la implantación del pabellón sanitario del Hospital Vall d’Hebron en una instalación deportiva del mencionado barrio de Horta-Guinardó, y el coordinador del proyecto Alimenta, un nuevo modelo de alimentación social en Barcelona.
Con anterioridad, fue gerente de Servicios Generales y Coordinación Territorial (2007-2011) y también ejerció de gerente del Distrito de Horta-Guinardó en una primera etapa (2001-2007). Asimismo, estuvo al frente de la gestión presupuestaria y financiera de la Fundació Futur (2011-2015).
David Reed, perder y encontrar
Cuando camina por Manhattan, David Reed se fija especialmente en los paseantes y los vehículos cuando doblan esquinas y desaparecen; ese instante suspendido entre la presencia y la evaporación, explica, guarda cierta relación con su pintura, cuyo proceso define como perder y encontrar, intuición e instinto.
Nada más llegar a Nueva York en 1966, procedente del sur de California, se encontró con el escepticismo de la crítica y de sus profesores de la New York Studio School ante la vigencia de la disciplina, pero también con su devoción por la gestualidad. El panorama lo llevó a trabajar, en los setenta, en lienzos abstractos de altura no menor en los que predominaban los trazos rojos o negros realizados de izquierda a derecha, de arriba a abajo y, a veces, en diagonal.
A partir de la ejecución de esas imágenes basadas en pinceladas, centró su atención en los procedimientos de la escultura minimalista y posminimalista, alejándose de la pintura y concediendo valor a esta únicamente como testimonio de su tiempo; también hizo uso de las técnicas sugestivas del cine y el vídeo.
Pero los lienzos no lo han abandonado. Hasta el próximo 21 de mayo, Gagosian presenta en su sede en Basilea una muestra que reúne varios de ellos y que enlaza con el espíritu de las que Reed ofreció en 2017 y 2020 en sus espacios neoyorquinos: emplea nuevos materiales, el estarcido y el raspado y ha hecho suyas plantillas cortadas con láser producidas digitalmente; en algunas piezas, una pincelada estarcida puede compararse directamente con la marca pintada a mano en la que se basa. Entiende el artista que replicar una marca pictórica es imposible, pero que fallar abre nuevas posibilidades.
Su vibrante paleta también es novedosa, pero conserva los fuertes contrastes cromáticos de imágenes anteriores y, ocasionalmente, el color surge del gesto: el negro aplicado sobre el amarillo, por ejemplo, da como resultado un sorprendente tono de verde. Le interesa la capacidad de esos gestos para generar algo inesperado, no los aborda como fines en sí mismos.
Aún en otros trabajos, se desvía del formato esbelto y vertical que le permitía mover sus obras sin ayuda durante el confinamiento en favor de una mayor amplitud. Formas superpuestas o que generan intersecciones remiten a rollos de película y están marcadas por gestos estarcidos; de nuevo, lo que al principio sugiere una adición espontánea a menudo resulta haber sido cuidadosamente producido y localizado para suscitar una determinada tensión. Así activa Reed las superficies de las piezas, construyéndolas y esculpiéndolas para subrayar la separación fundamental de cada elemento mientras los dispone en diálogo entre sí. Al yuxtaponer lo opaco y lo translúcido, lo improvisado y lo planificado, evoca la coexistencia de diferentes metodologías, narrativas y cronologías.
David Reed. «Losing and Finding». Gagosian Basel
Elizabeth Peyton, últimas emociones
Dice Elizabeth Peyton que, para ella, el retrato es un vehículo para ver todo el universo porque, a través de un rostro, puede acercarse a todo lo que existe.
Una individual suya se presenta por primera vez en Francia en una década; la acoge la sede de Thaddaeus Ropac en el barrio parisino del Marais y consta de nuevas pinturas al óleo, sobre lino y tabla, y de obras en papel. Como el conjunto de su producción, capturan las emociones y la vulnerabilidad de sus modelos; interesa especialmente a la artista cómo estas se reflejan en sus rostros y pueden alcanzar valor universal.
Trabaja a partir de la vida, las fotografías, el vídeo y la memoria y las piezas que forman parte de esta exhibición, titulada «transformer», las llevó a cabo en Nueva York. Puede visitarse hasta el 18 de junio.
Elizabeth Peyton. «Transformer». Thaddaeus Ropac
Mel Bochner, dibujos conceptuales
A lo largo de sus casi seis décadas de carrera, Mel Bochner se ha convertido en figura relevante del arte conceptual, que ha desplegado en un buen número de técnicas: dibujos, pintura, grabados, fotografía, escultura, libros e instalaciones. Hasta el próximo agosto, el Art Institute of Chicago presenta la primera muestra centrada en sus dibujos: ha trabajado en la redefinición de sus fronteras y en el manejo en ellos de la serialidad, la temporalidad y el deslizamiento entre palabra e imagen.
Consta la exposición de noventa obras de todas las fases de su carrera, en las que ha explorado sus temas esenciales: lenguaje, números, medidas, forma y percepción visual. En algunas se sirvió de técnicas tradicionales (tinta, lápiz, pastel, tiza y carbón); en otras, de fósforo quemado, óleo sobre periódico, pigmento en polvo e incluso piedras. Según el autor, la materialidad de un dibujo es fundamental para su significado y cada medio revela algo pero esconde algo más.
Mel Bochner. Circle with 2 Measurements (By Formula), 1969-2022
Christian Villamide, el atrezo y el territorio
El eje de la producción del artista lucense Christian Villamide son las problemáticas y tensiones comunes a las definiciones de paisaje, naturaleza y territorio. Desde el 13 de mayo, presenta en la Galería Marisa Marimón de Orense una exhibición en la que ofrece una mirada crítica sobre la idealización, o dulcificación, de aquellos espacios en los que la vegetación se emplea como reclamo para la mirada, como las pequeñas zonas verdes entre mares de asfalto.
Entre las series que componen la muestra, titulada «Atrezo-Territorio» y comisariada por Sara Donoso, veremos una inédita que incide en las distancias entre la memoria de una naturaleza pasada y la artificialidad presente.
Christian Villamide. Atrezo-Territorio XII, 2019
Frederic Anderson, trazo y ritmo
Hasta el próximo 14 de julio, la Galería Parra & Romero presenta la primera muestra individual en nuestro país de Frederic Anderson, «Different Trains», con la colaboración de su sala neoyorquina, Christophe Van de Weghe.
Sus pinturas, que ofrecen un lenguaje autorreferencial, constan de marcas caligráficas abstractas y anotaciones de línea, forma y color que el artista genera con gran precisión y que beben del arte y la música minimalistas. Dan lugar a una cierta textualidad o incluso a partituras en las que las notas parecen generar ritmos y melodías; no hay espacio para el azar.
De hecho, la serie que puede verse en la sala madrileña, titulada justamente Different Trains, toma como referencia el álbum del mismo nombre de Steve Reich y algunas de sus obras, como Before the War o After The War, se llaman como algunas de sus pistas.
Frederic Anderson. «Different Trains». Galería Parra & Romero
Faraones, arte contemporáneo e inteligencia artificial para abrir CaixaForum Valencia
Si todo marcha según lo previsto, CaixaForum Valencia abrirá sus puertas al público el 22 de junio; sus obras ya se encuentran en la fase final y en los próximos días comenzarán a montarse las que serán las muestras inaugurales. Podrán visitarse tres: «Faraón. Rey de Egipto», «Horizonte y límite. Visiones del paisaje» y «#LaNube{IA}», esta última una experiencia inmersiva.
La sala grande de exposiciones acogerá la dedicada al antiguo Egipto, fruto de la colaboración que la Fundación ”la Caixa” mantiene desde 2016 con el British Museum y abierta hasta principios de 2013. Se analizará el simbolismo y el ideario propios de la monarquía egipcia a través de 140 piezas, entre obras de orfebrería, contundentes bustos o bellos relieves de templos que acercarán al público a la vida real y al ejercicio del poder en aquella civilización.
Por su parte, la Sala 2 albergará «Horizonte y límite. Visiones del paisaje», proyecto que tendrá como punto de partida la Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”, pero se acompañará de un buen número préstamos de instituciones como el Museo del Prado, el Museo Reina Sofía o el Musée d’Art et d’Histoire de Ginebra, así como de otros fondos corporativos y privados. Su objetivo será ahondar en el modo en que la creación del paisaje ha forjado nuestra percepción de la naturaleza durante los últimos siglos y podremos contemplar trabajos de Gustave Courbet, Joan Miró, Ramon Casas, Tacita Dean, Sophie Ristelhueber, Bleda & Rosa o Cristina Lucas.
Por último, la propuesta La Nube, ideada específicamente para el espacio familiar y educativo de CaixaForum Valencia, nos invitará a conocer el potencial educativo de la Inteligencia Artificial y a identificar las claves de su implementación entre los estudiantes, los docentes, las familias, las instituciones, los investigadores y las empresas. A medida que esta tecnología se expande en nuestras vidas y en la sociedad, se hace necesario preguntarnos cuáles son los beneficios y los desafíos que presenta, especialmente en campos como el de la formación.
Constará esta muestra de un recorrido concebido para experimentar y debatir ese empleo de la Inteligencia Artificial en los procesos de aprendizaje a partir de seis proyectos de investigación punteros ligados a aplicaciones de educación impulsadas por las universidades de Memphis, Carnegie Mellon (Melbourne), el Instituto de Investigación en Inteligencia Artificial (IIIA) del CSIC, la Universidad Pompeu Fabra y Starlab-Neuroelectrics.
Para celebrar con los valencianos la puesta en marcha de este espacio, la Fundación ”la Caixa” realizará jornadas de puertas abiertas desde el 22 hasta el 30 de junio.
Alejandro Nuevo, próximo director del Museo Nacional de Escultura de Valladolid
El Ministerio de Cultura y Deporte ha comunicado el nombramiento de Alejandro Nuevo como próximo director del Museo Nacional de Escultura de Valladolid; hasta ahora, Nuevo era jefe de área de la Subdirección General de Teatro en el INAEM y en el plazo de un mes se incorporará al centro estatal.
Nacido en Mallorca en 1980, es licenciado en Historia por la Universidad Autónoma de Madrid y Máster en Evaluación y Gestión del patrimonio histórico-artístico por la Universidad de Salamanca. En 2009 ingresó en el Cuerpo de Ayudantes de Archivos, Bibliotecas y Museos y, posteriormente, en el Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos, en 2017. Desde entonces ha trabajado en la Subdirección General de Museos Estatales desempeñando diversas tareas, entre ellas la jefatura del servicio de documentación, la puesta en marcha de publicaciones y catálogos en línea en el marco de la Red Digital de Colecciones de Museos de España y la gestión de equipos multidisciplinares, como los vinculados al proyecto Patrimonio en Femenino.
Además, ha trabajado como coordinador de la revista museos.es y ha participado en la elaboración del plan Museos+Sociales, así como en la redacción de diferentes informes en materia de igualdad de género relacionados con los museos estatales.
Alejandro Nuevo, nuevo director del Museo Nacional de Escultura de Valladolid
La sala madrileña Espacio Valverde presenta, hasta el 23 de mayo, la muestra «¿Quién quiere oro?», del artista norteamericano Maxon Higbee. Consta de una veintena de obras en distintas técnicas (en su mayoría, óleos sobre soporte de estuco mármol) referidas a los orígenes y la destrucción de su pueblo natal, Paradise, asolado por uno de los devastadores incendios que azotaron California en 2018. Pese al evidente carácter trágico de ese suceso, estas piezas no lo son: transitan entre la ira y la ironía pero nunca transmiten oscuridad.
Con este proyecto, Higbee cierra una senda comenzada hace tres años con piezas dedicadas al surgimiento de Paradise, localidad nacida al calor de de la fiebre del oro hasta que las llamas la convirtieron en páramo. Plantea el autor una comparación metafórica entre el destino del fundador del lugar, el capitán John Sutter (que no se benefició con el negocio del metal, porque sus buscadores llegaron a invadir su propiedad), y el propio incendio.
En palabras del americano, esta serie no trata de desastres climáticos, no es una advertencia o un lamento; trata de cómo elegimos vivir nuestras vidas antes de llegar al inevitable horizonte de la muerte, que es, y siempre ha sido, nuestro propio apocalipsis personal.
Mallorca contará desde junio con una nueva galería: Fermay
El próximo mes de junio, se estrenará en Palma de Mallorca la Galería Fermay, espacio dedicado al arte contemporáneo que dirigirá Antoni Ferrer y que expondrá obras de artistas emergentes y consolidados; algunos de ellos se estrenarán en nuestro país.
La sala tendrá su sede en un antiguo espacio industrial del barrio de Blanquerna y representará y colaborará con autores locales, nacionales e internacionales, centrándose en aquellos cuyas prácticas desafían formas de expresión convencionales y que se encuentran en sus inicios o en su etapa de media carrera. Conocemos ya algunos nombres: Julio Varela, Elisa Braem, Damaris Pan, el dúo Carla Arocha + Stephàne Schraenen o Alejandro Corujeira.
Además, la galería buscará convertirse en un punto de encuentro que impulse el estudio y la reflexión en torno a las prácticas artísticas contemporáneas y tratará de impulsar el coleccionismo entre un público diverso.
Antoni Ferrer, director y fundador de la Galería Fermay. Fotografía: Elisabeth Salcedo
La Fundación Sandretto Re Rebaudengo Madrid inicia un nuevo Young Curators Residency Programme
La Fundación Sandretto Re Rebaudengo, en su filial madrileña, ha anunciado las comisarias que tomarán parte en la tercera edición de su Young Curators Residency Programme, que tendrá lugar en varias regiones españolas entre marzo y mayo de 2022: se trata de la estadounidense Emily Markert, la dominicana Laura Castro y la ítalo-francesa Ludovica Bulciolu.
Las ha seleccionado un jurado formado por Michele Bertolino y Bernardo Follino, comisarios y representantes de la Fundación en Turín, y Alejandro Alonso Díaz y Ana Ara, con el mismo cargo en la Fundación en Madrid. Además, esta tercera edición cuenta con la propia Ana Ara como nueva curadora responsable del programa en España.
La convocatoria de residencias atiende al modelo que la Fondazione Sandretto de Turín lleva a cabo en Italia desde 2006 con la finalidad de desarrollar las habilidades profesionales y críticas de las comisarias escogidas, así como de difundir el conocimiento del panorama artístico español a nivel internacional.
La residencia permitirá a las candidatas entrar en contacto y trabajar con creadores españoles durante sus tres meses de estancia de investigación intensiva: entre marzo y mayo, podrán visitar más de doscientos estudios de artistas, museos, fundaciones, instituciones culturales o espacios independientes en distintas ciudades, entre ellas Madrid, Barcelona, Bilbao, San Sebastián, Santander, Palma de Mallorca o Valencia. El proceso de investigación que llevarán a cabo, bajo la guía de Ara, culminará en una muestra que se desarrollará en junio en el barrio de Tetuán, en la capital.
El programa de la Fondazione Sandretto colabora con algunas de las mejores escuelas de comisariado internacionales, como el Royal College of Art de Londres o el Independent Study Program del Whitney Museum of American Art de Nueva York, entre otras, quienes proponen una primera selección de candidaturas entre su alumnado más destacado, después evaluada por el jurado.
Ludovica Bulciolu, Laura Castro y Emily Markert, comisarias seleccionadas en la 3ª edición del YCRP Madrid
Futuros abundantes: creaciones para la incertidumbre
TBA21 presenta, hasta marzo de 2023 en el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía de Córdoba, la muestra «Futuros abundantes», que plantea diálogos a partir de los fondos de esa institución en relación con la multiplicidad de relaciones entre personas y seres no humanos y con la posibilidad de que, si dichos lazos son cuidados, den lugar a un futuro rico en recursos naturales.
Las piezas corresponden a Ai Weiwei, Allora & Calzadilla, Claudia Comte, Abraham Cruzvillegas, Olafur Eliasson, Mario García Torres, Isa Genzken, Sarah Lucas, Ana Mendieta, Regina de Miguel, Beatriz Milhazes, Asunción Molinos Gordo, Ernesto Neto, Rivane Neuenschwander, Thomas Ruff, Tomás Saraceno, Teresa Solar, Simon Starling, Thomas Struth, Tiravanija, Cerith Wyn Evans o Heimo Zobernig, entre otros muchos artistas, e irán rotando mientras dure la exposición.
Rivane Neuenschwander. Deseo tu deseo, 2003. Fotografía: Rafa Suárez
El último Concurso de Arquitectura Richard H. Driehaus tiene ganadores
El Concurso de Arquitectura Richard H. Driehaus, una iniciativa de INTBAU y el Ministerio de Transportes, Movilidad y Agenda Urbana, en la que colaboran el Ministerio de Cultura y Deporte y el Consejo Superior de Colegios de Arquitectos de España (CSCAE), ha celebrado este año su quinta edición premiando con 50.000 euros proyectos de arquitectura y urbanismo que destacan por preservar e impulsar las tradiciones locales y promover la conservación de nuestro patrimonio cultural.
Pretende fomentar este galardón la identidad propia de cada lugar, la economía circular, el trabajo artesano de calidad y el uso de materiales y soluciones procedentes del entorno próximo, y por tanto sostenibles y reutilizables.
Los proyectos arquitectónicos escogidos han sido seleccionados entre 39 propuestas internacionales y responden a las necesidades planteadas por los tres municipios elegidos por el jurado internacional en la primera fase del concurso. Ese jurado, formado por representantes de las distintas instituciones que colaboran en esta iniciativa, los ha destacado teniendo en cuenta los siguientes criterios: calidad y sostenibilidad, adecuación al contexto e integración en la cultura local, impacto en la comunidad y capacidad para convertirse en modelo para otras comunidades y viabilidad y eficiencia, procurando aumentar los beneficios para la población y su patrimonio cultural. Se han priorizado, asimismo, proyectos en el medio rural, que puedan contribuir a generar en este entorno nuevos recursos y actividades y, con ello, a fijar y atraer habitantes.
El desarrollo del concurso se articula en dos fases sucesivas: en la primera, se convoca a los municipios españoles a presentar posibles temas y emplazamientos de recuperación, preservación y dinamización de sus localidades y, entre la treintena de propuestas recibidas, se escogen las tres que mejor se ajustan a los objetivos y criterios de la convocatoria. En la segunda fase, con carácter internacional, se invita a estudios de arquitectura a presentar propuestas de diseño arquitectónico y urbano para los tres lugares elegidos.
Las propuestas seleccionadas han sido el diseño de Susana Granizo Polo y Silvia N. Gómez Díaz en el municipio burgalés de Valpuesta (plantea la recuperación de un conjunto edificado en el principal espacio público del pueblo, para albergar un centro de estudios sobre el origen de la lengua castellana); el proyecto del arquitecto Javier Senosiain Jauregui en Buitrago de Lozoya, que propone la reconstrucción y recuperación de una manzana completa de su casco histórico para disponer alojamientos turísticos municipales y la alternativa de Francisco Sánchez Salazar, Miguel Antonio García y Jesús Llanos Jiménez para recuperar un gran edificio de piedra situado junto al Camino de Santiago en Zubiri (Navarra).
Proyecto premiado para Buitrago del Lozoya, realizado por el arquitecto Javier Senosiain Jauregui
La plataforma MAR selecciona los proyectos a desarrollar en residencias de investigación en Planta Alta
La plataforma MAR, formada por el Museo Reina Sofía, la Fundación Daniel y Nina Carasso y la asociación cultural hablarenarte, ha finalizado el proceso selectivo de proyectos para la realización de seis residencias de mediación en Planta Alta, tras examinar las casi trescientas solicitudes presentadas. Esta ha sido la primera convocatoria pública de ese programa, que a partir de ahora se organizará anualmente.
MAR tiene como finalidad generar acciones de cambio relevantes para las instituciones culturales contemporáneas a través de propuestas de mediación artística cultural y estas residencias buscan estimular y consolidar la investigación sobre pedagogías críticas y la mediación experimental, así como articular colectivamente un foro o comunidad en el que quepan distintas propuestas en este campo.
El acompañamiento del programa de residencias, llamado «notar», correrá a cargo, como decíamos, de Planta Alta, donde se hospedarán los residentes en Madrid.
La primera de las seis propuestas escogidas ha sido Dragones x el reina, a cargo de Dolores Galindo Fontán y Rocío Gómez (Dragonas de Lavapiés). Aborda la crisis existencial e identitaria de jóvenes y adolescentes que caen en las redes de la violencia urbana en el centro de Madrid y se enmarcará en la línea de «malestares contemporáneos» del Museo, que tiene como fin investigar sobre las condiciones del ciclo histórico actual.
Contubernio para una filosofía útil en las aulas, de Marta Álvarez Guillén y AnaNan, establecerá un puente entre espacios educativos formales, los museos como centros de producción de cultura contemporánea y educación no formal y la sociedad civil. Su centro será la filosofía, como materia que vertebra las disciplinas de humanidades, en crisis en la enseñanza.
Por su parte, Concejo abierto: aprendizajes del comunal para habitar el provenir, de Silvia Teixeira, analizará aspectos de la mediación en las entidades menores locales, juntas vecinales y concejos abiertos de la montaña oriental leonesa. Estos organismos, según la autora, exploran otros modos de construcción de la vida en común, recursos naturales, patrimonio y aprendizajes colectivos, así como también afectos, vínculos y silencios que sostienen lo común.
Rodrigo Vera Cubas es el artífice de Modo de no-hablar. Palabra e infancia en poéticas experimentales de España y Latinoamérica, proyecto que pretende articular un espacio de investigación, intercambio y experimentación en torno a prácticas artísticas experimentales surgidas desde la década de los sesenta en Perú, Chile, México, Argentina, Uruguay y España. Su investigación busca mediar los trabajos seleccionados con experiencias periféricas a la institución artística, registrados en documentos que testimonian procesos de alfabetización en escuelas o fuera de ellas, archivos que testifican estrategias de pedagogía crítica, alfabetización y poesía en centros de educación popular, etc.
Asimismo, La Parceria + Conciencia Afro desarrollarán Intersticios, un análisis de las prácticas artísticas efectuadas por personas racializadas que, según recogen, vienen ocupando posiciones subalternas o han sido excluidas de los espacios de representación cultural y de creación en la ciudad de Madrid. También estudiarán las relaciones establecidas entre creadores, comunidades, nuevos públicos en el marco de nuevas organizaciones culturales primarias.
Por último, en Proyecto Seleccionado, Renata Cervetto llevará a cabo un archivo basado en el recorrido pedagógico del Museo Reina Sofía, en diálogo con otras instituciones y agentes radicados en España, entre el 2008 y el 2020. Igualmente, rastreará los cruces y resonancias entre nuestro país y Latinoamérica en torno a estas prácticas, atendiendo sobre todo a la influencia de ciertas bienales.
Michael Jenkins y Javier Romero, más allá de los mapas
Michael Jenkins y Javier Romero vienen gestando, desde hace un cuarto de siglo, una colección de arte contemporáneo internacional compuesta por casi 300 piezas de 162 artistas, consagrados y emergentes, entre los que no faltan los Albers, Francis Alys, Rosana Antolí, Boltanski, Louise Bourgeois, Tania Bruguera, Trisha Brown, Carmen Herrera, González-Torres, Teresa Lanceta, Ellsworth Kelly, Richard Long, Claes Oldenburg…
Han donado ese acervo al Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, que exhibe hasta el 29 de mayo parte de ellos en la muestra «Obertura. Más allá de los mapas». Las piezas seleccionadas, en formatos y técnicas diversos, reflejan la variedad de temáticas y narraciones que los artistas han venido explorando en el contexto social y político desde mediados del siglo pasado. Una decena de los autores representados son alicantinos.
Vista de «Obertura. Más allá de los mapas». MACA, Alicante
Las constelaciones de Sandra Vásquez de la Horra
La sala londinense Sprovieri presenta, hasta el 20 de mayo, su segunda muestra individual de Sandra Vásquez de la Horra: «Constellations». Recoge una selección de sus dibujos, realizados bajo la influencia del cine, los cuentos de hadas, manuales de botánica y zoología y su propia experiencia personal.
Desde finales de los noventa, la artista los culmina sumergiéndolos en cera, proceso que les confiere una materialidad única y que enfatiza las líneas de lápiz con una profundidad ambigua. Encontraremos en la exposición imágenes extremadamente definidas a medio camino entre lo traumático y lo surrealista; remiten a tradiciones chilenas y a la literatura mágico-realista latinoamericana.
Sandra Vásquez de la Horra. Yemayá, te saludo y celebro, 2022
Elmgreen & Dragset y el cuerpo en la era posindustrial
Hasta el próximo 22 de agosto, la Fondazione Prada presenta en Milán “Useless Bodies?”, muestra del dúo Elmgreen & Dragset que ahonda en la condición del cuerpo en la era postindustrial, en la que nuestra presencia física parece haber perdido su centralidad y, por momentos, incluso devenir superflua. Abordan estos artistas cómo esos cambios vienen afectando a todos los aspectos de nuestra vida: desde las condiciones laborales hasta la atención sanitaria pasando por las relaciones interpersonales y la forma en que registramos la información.
En sus palabras, nuestros cuerpos ya no son los sujetos activos de nuestras vidas. A diferencia de lo que sucedía en la era industrial, hoy ya no generan valor dentro de los avanzados mecanismos de producción propios de la sociedad contemporánea. Incluso se podría argumentar que nuestras identidades físicas se han convertido más en un obstáculo que en una ventaja. En el siglo XIX, el cuerpo producía bienes de consumo, mientras que en el siglo siguiente asumió predominantemente el papel de consumidor. En las dos primeras décadas del siglo XXI, el organismo ostenta el estatus de producto cuyos datos son recopilados y vendidos por Big Tech.
La percepción de nuestra fisicidad ha sido siempre un asunto importante para Elmgreen & Dragset, quienes en su práctica escultórica y performativa han indagado también en cuestiones como el crecimiento, la intimidad, la identidad y la dimensión pública de nuestras vidas.
El Ateneo Art Gallery de Manila invitó a Antoni Muntadas a presentar un proyecto inédito, que comenzó a desarrollar en una fase de investigación y prosiguió en la producción de versiones contemporáneas de diversos objetos comercializados por el Galeón de la capital filipina a través de la ruta transpacífica que abrió la expedición de Magallanes: sedas, porcelanas, tapices…
El artista prestó especial atención a los mantones, las monedas y las porcelanas, que reelaboró para hacer referencia a sucesos históricos, a efemérides que pone en cuestión, a políticas coloniales o a la violencia y la explotación.
Ahora es el CAAC sevillano el espacio que exhibe, hasta septiembre, «Ejercicios sobre memorias pasadas y recientes», nuevas producciones de aquellas piezas junto a obras anteriores que nos acercan a los métodos de trabajo de Muntadas, a su atención al contexto y a los viajes y desplazamientos.
El gerente, desde 2015, del Distrito de Horta-Guinardó de Barcelona, Eduard Vicente, será desde principios de junio quien ocupe ese mismo cargo en el 
