La producción de Antonio Guerra contiene una aproximación interdisciplinar a la fotografía, desde los terrenos de la escultura y la instalación, y busca invitarnos a reflexionar sobre los procesos de transformación del paisaje y sobre nuestra percepción del mismo a través de la imagen.

Hasta el 18 de noviembre, presenta en Espacio Alexandra, en Santander, su proyecto «Ser Estar Parecer», que investiga los límites entre lo natural y lo cultural a partir de nuestra experiencia con sus espacios. Para ello, se vale de fotos como medio vertebrador de ilusiones verdaderas y de la capacidad ilusoria del paisaje como constructo social, valiéndose de la intervención en el territorio y la escenificación para reinterpretar esos lazos entre sociedad y naturaleza.

Sus obras enfrentan la realidad frente a su doble, lo orgánico frente a lo inorgánico, lo corpóreo frente a lo efímero.

Como viene siendo habitual desde hace años, un buen número de empresas apoyan la creación artística en la feria ESTAMPA a través de premios de adquisición. Repasamos los galardonados en la última edición de esta cita, abierta en IFEMA hasta el domingo:

El gobierno regional ha concedido el premio Comunidad de Madrid/ESTAMPA a Irene de Andrés, por su obra Turismo per cura, en el stand de la Galería Juan Silió, y a Victoria Encinas por E 01, en el de Fernando Pradilla, mientras la Colección DKV ha adquirido esta vez piezas de Laura F. Gibellini (NF/ Nieves Fernández), Christian Lagata (Artnueve) y Antonio Montesinos (Isabel Hurley).

Por su parte, el Premio Colección ENATE ha sido para Javier Garcerá, de la Galería Daniel Cuevas, y el Colección La Escalera para la producción de Ana Buenaventura en el espacio de José de la Mano.

La Colección Navacerrada ha reconocido el trabajo de Manuel Minch (Juan Silió) y Alberto Ros (Blanca Berlín) y el Premio Colección Studioloha recaído en Marina Vargas (RoFa Projects) y, de nuevo, en Garcerá.

La artista Paula Anta, de la Galería Daniel Cuevas, ha sido la ganadora del Premio Fundación Campocerrado, mientras que Lorena Torres (Herrero de Tejada) lo ha sido del Premio Casa de Indias. También la Colección Julián Castilla ha reconocido la obra de Cecilia Paredes, en la Galería Blanca Berlín, y la de Marco Alom, en la Galería Arizar, ha sido galardonada con el Premio Aldebarán.

El Premio Colección MGEC ha recaído en Miki Leal, de la Galería F2, y la Colección Kells ha premiado el Proyecto Culebra, de ATM y Espacio Valverde.

Asimismo, el Premio Colección SÛ se ha repartido entre Claudia Caremi, Florencia Rojas y David Benarroch; el Premio Cervezas Alhambra: Atrévete con Arte ha recaído, como dijimos, en Día Muñoz, de Ponce+Robles, y la Galería Set Espai d´Art, de Valencia ha sido reconocida con el premio al Mejor Stand ESTAMPA 2022, con la colaboración de Taittinger.

Cervezas Alhambra ha premiado a la artista ecuatoriana Día Muñoz por su obra Gene Hybrid, que puede verse en el stand de Ponce + Robles en la 30ª edición de ESTAMPA. El propósito de este galardón, dotado con 1.000 euros para la autora, es dar a conocer a jóvenes artistas y galeristas comprometidos con la actualidad del mundo del arte.

Han formado parte del jurado Ianko López, gestor y periodista especializado en arte; Lorena Martínez de Corral, comisaria independiente y asesora artística; Antonio Fernández Alvira, artista y uno de los finalistas del quinto Premio Cervezas Alhambra de Arte Emergente y Álvaro Trujillo, Brand Manager Territory de Cervezas Alhambra.

Gene Hybrid, la pieza reconocida, es una escultura realizada siguiendo una técnica de contrachapado de abedul con vidrio soplado sin plomo que hace referencia al ataque ruso efectuado al banco de semillas de Ucrania «Yuriev Plant Production» y también al egoísmo del ser humano al destruir el medio ambiente por razones políticas o personales. Cada pieza del conjunto representa una simbiosis entre una semilla perdida y ya grande siendo regenerada y protegida por un microorganismo: una relación armónica entre todo ser vivo y un pacto no escrito de protección entre especies.

Además de conocer la obra seleccionada, los visitantes a ESTAMPA podrán realizar el recorrido por las galerías integradas en el proyecto «Cervezas Alhambra: Atrévete con el Arte», destinado a fomentar el nuevo coleccionismo y comisariado por Alicia Ventura: se recomiendan las propuestas de Julia Puyo, Cristina Ramírez, Luna Bengoechea, Laura F. Gibellini, Sandra Paula Fernández, Mar Arza, Chigsum Jessye, Paloma de la Cruz y Sandra Val.

En paralelo Muñoz exhibe, hasta el 28 de octubre en la sala madrileña, su proyecto «Intestinal Affaire».

Obras de Andy Warhol, Nina Saunders, Richard Wilson, Caroline McCarthy, M+M, Chila Kumari Burman, Marijke van Warmerdam y Patrick Vanden Eynde forman parte de «Función y Ficción. Formas de encuentro con las obras de la Colección Bergé», muestra que presentan en el Despacho Cuatrecasas de Madrid Santiago Ávila y Celeste Garduño, alumnos de la cuarta promoción del Máster en Estudios de Comisariado del Museo Universidad de Navarra.

El proyecto nos invita a repensar las relaciones que mantenemos con espacios y objetos cotidianos en un entorno como el de esa firma, concebido desde la pulcritud y la asepsia, y una de sus piezas será escogida por visitantes y trabajadores en una votación impulsada por los comisarios.

La propuesta de Ávila y Garduño fue escogida por un jurado compuesto por Jorge Badía Carro, la coleccionista Alicia Alcocer Koplowitz, Ángel J. Gómez Montoro, presidente del Patronato del Museo Universidad de Navarra; Nieves Acedo del Barrio, directora del Máster en Estudios de Comisariado; Pedro Enciso Bergé, vicepresidente de Bergé y cía y María Aguilera Aranaz, conservadora de la Colección Bergé.

CaixaForum Madrid presenta, hasta enero de 2023, una muestra biográfica sobre Nikola Tesla que realiza un recorrido cronológico por su vida y por los avances tecnológicos que fueron hitos en su trayectoria, desde sus inicios en Europa hasta su etapa americana, donde falleció casi arruinado.

La exhibición, la primera en España organizada en colaboración con el Nikola Tesla Museum de Belgrado, subraya la relevancia del croata en la historia de la ciencia: se han documentado cerca de trescientas patentes suyas, inventó el motor de inducción y favoreció el desarrollo de la corriente alterna como fuente de energía y la transmisión inalámbrica de energía e información.

De personalidad tan excéntrica como seductora según quienes lo conocieron, fue plagiado y tratado a veces injustamente por algunos de sus contemporáneos, protagonizando episodios controvertidos como la llamada guerra de las corrientes con Edison. Tras su muerte cayó en el olvido hasta que volvió a ser convertido en leyenda.

El próximo 13 de octubre abrirá sus puertas en la calle Bárbara de Braganza de Madrid la Galería Rosenblut & Friedmann, una iniciativa de la marchante chilena Yael Rosenblut y el coleccionista alemán Mario Friedmann.

Su exposición inaugural, que podrá verse hasta el 18 de diciembre, estará dedicada al colectivo «New Barbizon», cuyo trabajo no se había mostrado hasta ahora en España. Lo componen cinco mujeres artistas de Rusia y Ucrania que, tras emigrar a Israel en los años noventa, decidieron salir del estudio y pintar el mundo que las rodeaba, atendiendo especialmente a las tensiones sociales a veces silenciadas, ocasionalmente raciales y religiosas.

Forman parte del grupo, fundado en 2010, Anna Lukashevsky, Zoya Cherkassky, Maria Pomiansky, Natalia Zourabova y Olga Kundina.

Judith y su criada con la cabeza de Holofernes (1639 – 1640), obra poco conocida atribuida a Artemisia Gentileschi, acaba de ser adquirida por la Norwegian DNB Savings Bank Foundation y se exhibe ahora en el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño de Oslo, de cuyas colecciones formará parte.

Es habitual que las pinturas de esta artista ofrezcan dudas en cuanto a datación y atribución; en este caso, el nombre de Artemisia Gentileschi aparece visible en la espada que sostiene la propia figura de Judith en el lado izquierdo. Anteriormente, este trabajo solo se conocía a través de una fotografía en blanco y negro, por lo que los expertos no pudieron concluir que era obra de la autora hasta que el original reveló la firma.

Dado que el lienzo es demasiado fino para haber sido tejido en Italia, es posible concluir que debió realizarse durante el período que Artemisia pasó en la corte de Londres desde finales de 1638 hasta que regresó a Nápoles en 1640. Acudió a Gran Bretaña para ayudar a su padre enfermo, Orazio Gentileschi, que trabajaba con sus hermanos en encargos de la corte para el rey Carlos I.

La pieza se sumará a otras obras de Gentileschi en el Museo Nacional noruego, como la temprana Santa Catalina de Alejandría (1614-1615), prestada por una colección privada, y María Magdalena penitente (1640).

Hasta el 12 de noviembre, la Galería Marta Cervera expone, en «Cuando el color respira», un conjunto de pinturas de Menchu Lamas: trabajos actuales y piezas representativas de etapas anteriores, de gran formato y de tamaño medio. Se trata de composiciones en las que la geometría vibra y da lugar a intensos campos de color, conjugándose recursos abstractos y figurativos y abriéndose a las texturas.

Pueblan su producción figuras enigmáticas, animales totémicos, huellas, óvalos, círculos y sombras de cariátides.

Hasta el 19 de noviembre, la sede madrileña de la Galería Marlborough presenta la muestra de Francisco Leiro «A filla da porteira», que reúne nuevamente esculturas del gallego en las que cuerpo y objeto se funden, generando una sensibilidad híbrida que hace referencia a un universo onírico. Muy a menudo, el cuerpo se cosifica y el objeto se humaniza, vertebrándose un juego perverso pero visualmente muy rico.

Sus trabajos, no obstante, continúan ofreciendo la ambigüedad suficiente para que el espectador pueda obtener sus propias interpretaciones: sugieren sin imponer y se elimina la expresividad de las texturas de la madera para generar figuras más anónimas, o anodinas, en las que gana importancia la policromía.

La artista neoyorkina Danica Phelps suele recoger en su producción referencias a autores conceptuales para emprender proyectos vinculados a la recopilación de datos, al testimonio exhaustivo, y sus dibujos pueden interpretarse como representaciones documentales de actividades cotidianas.

Hasta el próximo 22 de octubre, presenta en la Galería Nieves Fernández de Madrid «Founding», un proyecto planteado como diario personal en el que registra el crecimiento de su hijo a partir de un viaje por el Cañón del Colorado en Arizona: vida y cercanía.

Entre los artistas vivos irrenunciables se encuentra Bruce Nauman, que desde los sesenta ha marcado la historia de la creación contemporánea de la mano de instalaciones, vídeos, esculturas, performances, fotografías, dibujos y proyectos sonoros que remiten a la experiencia humana, a los aspectos más profundos del psiquismo, la percepción del cuerpo y la relación del individuo con el espacio, el tiempo y el lenguaje.

Tras pasar por la Tate Modern londinense y el Stedelijk Museum de Ámsterdam, Pirelli HangarBicocca expone en Milán una selección de sus investigaciones espaciales y arquitectónicas en la muestra «Neons Corridors Rooms», que analiza al completo sus ensayos en términos de las tres dimensiones, uso de luz, sonido, lenguaje y vídeo. Hasta el 26 de febrero de 2023.

La Galería Gerhardt Braun ha abierto un nuevo espacio en el número 72 de la calle Claudio Coello de Madrid, que se suma a sus sedes consolidadas de Palma de Mallorca, Ibiza y Port Andratx (Mallorca). Estrena la sala Leon Löwentraut, que en la exposición “No Limits” exhibe sus últimas pinturas, esculturas, dibujos, ediciones y también la instalación interactiva Volar, un proyecto desarrollado en colaboración con un programa de diseño virtual de la Universidad de Kaiserslautern que pretende sumergir al espectador en la experiencia inmersiva del vuelo, entablando en él cierto paralelismo con la experiencia creativa.

Löwentraut, nacido en 1998 en Renania, ha presentado su producción en galerías de Nueva York, Basilea y Singapur, el Parlamento de Düsseldorf o el Museo Pushkin de San Petersburgo y Gerhardt Braun lo representa desde 2018.

La Galería Hilario Galguera, enraizada en Ciudad de México, donde cuenta con dos espacios expositivos, ha abierto este mes de septiembre sede en Madrid, en el número 12 de Doctor Fourquet. Hasta el 5 de noviembre, presenta allí la primera muestra individual de Peter Buggenhout en España, titulada «Un perro con ojos para los ciegos».

Este artista belga trabaja en series profundizando en aspectos vitales de la existencia contemporánea, como la decadencia, la sobreacumulación, la incertidumbre, la destrucción o el desconocimiento. En Madrid puede verse una de sus nuevas propuestas, King Louie; su título deriva del personaje de El libro de la selva de Kipling, cuya personalidad pudo perjudicarle a sí mismo, a su pueblo y sus planes.

Establece lazos entre sus trabajos y la historia o la literatura y están elaborados estos con objetos encontrados o de desecho, previamente insignificantes o poco estables, como polvo, escombros o sangre, por lo que generan información inaccesible, o accesible solo en parte. Sus procesos son largos y metódicos y dan lugar a estructuras y construcciones de gran formato, cuya lógica interna se desvela en la interacción directa del espectador con ellos; a menudo se asemejan a ruinas, contrapuestas a las actuales tendencias de consumo fácil.

La sede madrileña de la Galería Juan Silió presenta «3mm», su primera exposición de Irene Grau. En la producción reciente de esta autora, la pintura nace de lo que se desecha al cortar la piedra, que son tres milímetros de residuo, de material que pierde su corporeidad para recobrarla en el lienzo, jugando con las formas y su desaparición.

En una escala de grises, sus piezas sugieren las grietas de lo aparentemente sólido y componen un paisaje que señala caminos alternativos y rutas en principio imperceptibles. Justamente los muchos caminos desde los que se puede abordar la construcción del paisaje en la pintura son el punto de partida del trabajo de la artista, que disecciona la naturaleza para tomar de ella elementos que, abordados desde una nueva perspectiva, devienen composición y encuentran en ese terreno la capacidad de expresarse de forma pura.

Las suyas son, por tanto, obras contradictorias en las que la sencillez de un solo material, o de un único color, reflejan la complejidad y el poder de transformación que puede contener una unidad. En sus últimas imágenes, Grau busca las grietas de los procesos que marcan un sistema productivo lineal que condena igualmente las formas que deben adoptar los elementos naturales.

Desde el próximo 29 de septiembre, la Fundació Suñol acogerá la exhibición «Memorias cruzadas. Las colecciones como territorio de creación», un diálogo entre una selección de los fondos del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca y los de la Colección Suñol Soler. Completan el conjunto trabajos recientes de siete artistas contemporáneos que los han creado a partir de esas colecciones históricas que reunieron Fernando Zóbel y Josep Suñol.

La muestra, comisariada por Glòria Picazo, se ha concebido para favorecer la reflexión sobre los roles de la institución artística y del coleccionista o de las colecciones como activo. Los autores representados son Elena Asins, Josep Guinovart, Asunción Molinos, Joana Moll, Antònia del Río, Pablo Palazuelo, Arnau Sala Saez, Susana Solano, Julia Spínola, Pep Vidal y Oriol Vilanova.

Probablemente ningún otro artista represente las esencias de la vibrante escena neoyorquina de los ochenta como Jean-Michel Basquiat. Nacido en esa ciudad en 1960, se escapó de casa a los 17 años para abrirse camino primero como grafitero y, en ocasiones, viviendo en la calle. Pero no pasó mucho tiempo antes de su meteórico ascenso y de su inspiradora amistad con Andy Warhol: sus pinturas pronto tuvieron una demanda extremadamente alta y, en 1982, ya se había convertido en el participante más joven en Documenta 7 y en el primer artista de fama mundial con raíces afroamericanas y caribeñas. El éxito fulgurante acabó con su muerte en 1988.

Su obra no ha perdido vigencia y hoy continúan examinándose su herencia africana y las problemáticas sociales que aborda, comenzando por el racismo.

La Albertina vienesa acoge, hasta el 8 de enero de 2023, la primera retrospectiva completa de este autor en un museo de Austria, con medio centenar de imágenes procedentes de colecciones públicas y privadas.

El Museo del Prado ha anunciado esta mañana la recopilación y publicación del listado de todas las obras depositadas en sus colecciones procedentes de la Comisaría General de Defensa del Patrimonio Artístico, piezas probablemente incautadas por la Junta de Incautación y Protección del Tesoro Artístico durante la Guerra Civil.

Recoge 25 obras documentadas y el origen de la mayoría de ellas, 22, constaba con anterioridad, expresamente, en las fichas que podemos consultar en la web de la pinacoteca. La ausencia de datos en los tres casos restantes se debía a que el mal estado de conservación de las pinturas hacía que careciesen de ficha en ese portal, aunque estuvieran catalogadas en el sistema de gestión de la colección del Museo.

De ese conjunto, diecisiete imágenes fueron entregadas al Prado por la Comisaría General del Patrimonio Artístico Nacional entre 1940 y 1942; cinco recayeron en el entonces Museo de Arte Moderno y la última, aunque destinada en principio a este último centro, quedó en el Museo de Arte Contemporáneo y pasaría al Museo Reina Sofía, desde donde se adscribió al Prado en 2016, coincidiendo con una reordenación de fondos. A esas pinturas se suman un frutero y un reloj, igualmente provenientes de la Comisaría General del Patrimonio Artístico Nacional.

Esta cifra de una veintena de obras podría crecer, según ha apuntado el Prado, teniendo en cuenta los más recientes estudios del experto en patrimonio y Guerra Civil, catedrático y profesor emérito, Arturo Colorado Castellary, por eso el Museo abrirá formalmente una vía de investigación para atender la posibilidad de que otros trabajos de su colección tengan su origen en incautaciones realizadas en la contienda o durante el franquismo, con el fin de aclarar posibles dudas sobre los antecedentes y el contexto previos a que se produjera su entrada en el acervo del centro y, su fuera el caso según los requisitos legales, proceder a su devolución a los legítimos dueños.

El propio Arturo Colorado, que dirigió en 2019 el congreso internacional Museo, guerra y posguerra en el Prado, será el encargado de coordinar la labor de los investigadores que estudiarán a fondo los distintos archivos y los registros de la pinacoteca en esta materia, análisis que se llevarán a cabo en colaboración con el Área de Biblioteca, Documentación y Archivo.

Las conclusiones de ese estudio verán la luz a comienzos de 2023, pero el listado actual que reúne esas 25 pinturas puede consultarse aquí.

Revela’T, el primer festival internacional de fotografía analógica, celebrará su décima edición hasta el 2 de octubre en Vilassar de Dalt, Barcelona y otras ciudades catalanas; podremos visitar más de medio centenar de exposiciones y los días 16, 17 y 18 de septiembre se desarrollarán el Market Fotográfico y las Jornadas Profesionales, tres días de actividades formativas alrededor de la fotografía. El 1 de octubre, además, Revela’T hará una fiesta de cumpleaños por esa primera década y organizará el Photobook Day, una jornada dedicada al fotolibro.

El Festival rendirá homenaje en esta ocasión a Joan Fontcuberta, protagonista de la muestra «HeghDI’ vem ghaH, tú’lu’ , DINOSAUR», que será el encargado, además, de ofrecer la Conferencia Inaugural el viernes 16 de septiembre en el Teatro La Massa de Vilassar de Dalt y recibirá el distintivo de plata de Revela’T 2022.

Podremos ver varias series fotográficas de largo recorrido, como las de Alessandra Sanguinetti, de la agencia Magnum, que ha retratado durante más de veinte años la vida de dos primas que viven en una granja en Argentina; las de Cristina Fontsaré, que construye un diario de vida a través del seguimiento a varias chicas desde la infancia y hasta la edad adulta; Alexey Titarenko, que capturó las multitudes en San Petesburgo en otro tiempo; Deanna Dikeman, quien, durante 27 años, al despedirse de sus padres hacía una última foto desde el coche o Antonio Martín «Michael», que ha reconstruido a lo largo de un cuarto de siglo la memoria gráfica del barrio madrileño de Alameda de Osuna.

En cuanto a la fotografía social, Revela’T contará con la obra de Natalia Kepesz, galardonada con un World Press Photo en 2021, que ha trabajado en los campamentos militares de verano en Polonia, y con una selección de imágenes de los artículos de viajes de Rafa Badia.

Las técnicas fotográficas mixtas estarán presentes en la cita a través de la obra de Frank Machalowski, con retratos antiguos comprados en un mercadillo y fotos actuales hechas con cámara estenopeica anamórfica; en la gran retrospectiva dedicada a Luis González Palma, cuyas obras evolucionan hacia la tridimensionalidad; en los paisajes tratados con técnicas pictóricas de José Manuel Magano o en la exposición sobre la Guerra Civil de Joaquín Paredes. Además, dos muestras enseñarán el trabajo de diferentes talleres de cianotipia.

Por último, imagen y poesía se darán la mano en la obra de la fotógrafa Tomoko Nagakawa y la del autor de culto Jun Shiraoka, en la producción serena de José María Díaz-Maroto, los paisajes de Canarias de Daniel Fleitas, las capturas del cielo de Argentina de Beberly Estay, las historias íntimas y personales de Bárbara Traver o los recuerdos familiares de Rodrigo Flechoso. El paso del tiempo centra las piezas de Mark Formanek y Manabu Yamanaka, que investigan el cuerpo en la vejez.