El Centro Cultural Tecla Sala presenta hasta el 25 de mayo una exposición de Ferran Freixa (Barcelona,1950), artista con una gran capacidad para captar y sublimar el estado de las cosas, un paciente observador de las luces, sombras y matices.

Su predilección es observar el paso del tiempo a partir de escenas ambiguas, objetos, espacios o arquitecturas inertes.

Esta exhibición es la primera retrospectiva del artista y resume cuarenta años de trabajo con una obra silenciosa, extremadamente refinada, fruto de una dimensión autobiográfica.

El barcelonés entró en el mundo de la fotografía de forma autodidacta y en 1969 empezó a trabajar en los campos de la moda, la industria y la publicidad. A partir de 1978 se especializó en la fotografía de arquitectura y de interiorismo y desde 1973 ha realizado un gran número de exposiciones de sus fotografías de autor en galerías y museos de Europa y de los Estados Unidos.

Bajo el título de «Over/Under the Raw», la berlinesa Galerie Kornfeld muestra, hasta el 8 de febrero, una selección de obras recientes de José Manuel Ciria que suponen un deliberado regreso a la abstracción. Se incluyen tres series de trabajos marcados por cambios en la vida del artista (su traslado de Nueva York a Madrid y su inminante marcha a Londres) y por su investigación de las relaciones entre gesto y orden, entre estructura geométrica y pincelada vibrante.

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La parisina casa de subastas Drouot pondrá a la venta los días 28 y 29 de este mes las 500 piezas que componen la biblioteca del ex ministro francés Dominique de Villepin. El valor de sus fondos se cifra en torno al millón y medio de euros.

En ellos encontramos piezas de museo, ediciones dedicadas de La Boétie, Sartre o Victor Hugo y manuscritos de Mussolini, De Gaulle o Gandhi, así como testimonios anónimos y carteles de época.

Reconocido internacionalmente por sus trabajos de land art a gran escala, Robert Smithson visitó a menudo el estado de Texas entre 1966 y 1973 para desarrollar diversos proyectos que, salvo uno (Amarillo Ramp, 1973), no llegaron a materializarse; cinco de ellos los revisa, hasta abril de 2014 en una muestra, el Dallas Museum of Art.

La exhibición presenta dibujos apenas conocidos y esculturas.

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Hasta el 10 de marzo, el MoMA presenta la primera retrospectiva completa de la producción de Isa Genzken en un museo americano y la mayor hasta la fecha dedicada a su obra.

Célebre por sus recientes esculturas de encaje, ha cultivado también la pintura, la fotografía, el collage, el dibujo o el vídeo. Muchos de los cerca de 150 objetos que conforman la exposición podrán verse Estados Unidos por primera vez.

La última década ha sido particularmente productiva para la alemana, que ha redefinido su forma de trabajar en objetos y collages. En Nueva York podemos ver desde esculturas de pequeño formato hasta instalaciones.

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Documenta anunció ayer que su 14ª edición será dirigida por Adam Szymczyk, director actual de Kunsthalle Basel.

El año pasado, Documenta 13 fue dirigida por Carolyn Christov-Bakargiev.

Documenta 14 tendrá lugar del 10 de junio al 17 de septiembre de 2017 en Kassel.

Hasta el próximo 16 de diciembre, el vallisoletano Palacio de Pimentel presenta «Se acabaron las lágrimas», un proyecto fotográfico de Fernando Fradejas compuesto por imágenes que quieren reproducir el drama cotidiano de la violencia de género.

El fotógrafo riosecano se ha valido de su experiencia como Guardia Civil para dejar constancia en sus instantáneas de esta lacra.

Hasta el 23 de febrero de 2014, la bonaerense Fundación Proa presenta la primera muestra en Sudamérica de Ron Mueck, una exhibición que ya ha pasado por la Fondation Cartier pour l’art contemporain y que entre marzo y junio del próximo año veremos en el Museu de Arte Moderna do Río de Janeiro.

Mueck se inscribe en la tradición escultórica donde es representada la figura humana; aunque sus temas, materiales y técnicas que lo convierten en un autor original, innovador y profundamente contemporáneo. Sus trabajos llaman la atención del público por el cambio de escala en las dimensiones y el realismo de sus figuras, cuyos gestos expresan situaciones llenas de vida y misterio, encierran una interioridad vital y profunda y a la vez expresan la obsesión del artista por la verdad y la perfección de su técnica.

Utiliza materiales como resina, fibra de vidrio, silicona y pinturas acrílicas para reproducir fielmente todos los detalles de la anatomía humana y construir esculturas que tematizan la vida y la muerte y evocar un tipo de realismo íntimo y monumental.

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Formada a lo largo de tres generaciones familiares y actualmente perteneciente a la Corporación Masaveu, la colección de este nombre es gestionada por la Fundación María Cristina Masaveu Peterson a día de hoy y reúne más de 1.500 piezas fechadas desde la Edad Media a nuestros días, de las que 63 obras se exhiben en CentroCentro desde el 29 de noviembre.

Veremos pinturas y esculturas datadas entre los siglos XII y XIX y será la primera vez en que puedan contemplarse reunidas tantas obras y de tal calidad de los fondos de la Colección Masaveu. En el proceso de preparación de la exposición se han catalogado piezas inéditas que también viajarán a Madrid.

La gran mayoría son de temática religiosa y el recorrido de la exposición tendrá como hilo conductor los cambios en los materiales y procedimientos artísticos en el transcurrir de siete siglos. Habrá obras de El Greco, Zurbarán, Ribera, Murillo, Alonso Cano, Matthis Gerung, El Bosco o Joos van Cleve el Viejo.

La Maison Víctor Hugo de París desvela el lado más surrealista de la faceta creativa del escritor a través de una exposición en la que sus dibujos del autor se intercalan con los de los seguidores de ese movimiento artístico, como Óscar Dominguez o Max Ernst.

Hasta mediados de febrero podrá contemplarse «La cime du rêve», muestra en la que medio centenar de dibujos del autor de «Los Miserables» se yuxtaponen con los de los grandes del Surrealismo en un recorrido estructurado temáticamente a través de los castillos, la naturaleza, el amor, el bestiario o los jeroglíficos.

El Premio Velázquez de Artes Plásticas 2013 ha recaído en Jaume Plensa por «la coherencia de una trayectoria en la que ha renovado en profundidad el lenguaje plástico de la escultura, integrando poesía y conceptualización con propuestas de gran intensidad estética».

El galardón lo concede el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte desde 2002 para premiar la obra de un creador en cualquiera de sus manifestaciones y está dotado con 100.000 euros. El año pasado no se convocó debido al abandono de parte del jurado como medida de protesta por los recortes a la cultura y el IVA cultural del 21%.

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En su concepción del potencial de la creatividad artística como herramienta para la sensibilización medioambiental, la Fundación Banco Santander ha financiado el proyecto «In lo<3 we trash Gdansk. Cualquier plástico dura más que un amor eterno», puesto en marcha por Basurama en la ciudad polaca de Gdansk del 21 al 23 de Noviembre.

Contando con la participación del público, «In lo<3 we trash Gdansk» ha transformado los plásticos de esa ciudad en cápsulas inflables e interactivas que se convertirán en espacios lúdicos y de formación en el marco del Festival Re:Miasto, con la finalidad, según Basurama, de «aumentar la conciencia social sobre la cantidad de desechos que producimos ofreciendo un mayor entendimiento del desecho como recurso», entendiendo el plástico como «la máxima expresión de nuestra sociedad de consumo: con un valor de mercado despreciable, su repercusión en el medioambiente es demoledora».

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Rufino Tamayo protagonizó la subasta de arte latinoamericano de la casa Christie’s del pasado 19 de noviembre con la venta de cuatro de sus obras por 1,8 millones de euros. Entre ellas destacó «Mujer alcanzando la luna», adjudicado en 1,07 millones.

Su «Trovador» continúa siendo la obra de un artista latinoamericano vendida al precio más alto en una subasta (5,3 millones de euros).

Finalmente «Mujer alcanzado la luna» no superó las estimaciones más optimistas que estimaban el cuadro en 1,3 millones de euros, pero reafirmó a Tamayo como un valor seguro, con la venta de «Dos mujeres en rojos» (1978), por 494.800 dólares, «Niño jugando» (1945), por 316.000 euros, y «Vendedora de fruta» (1940), por 44.000.

Beatriz Milhazes logró el segundo mejor precio con su acrílico sobre lienzo «O Casamento», un juego geométrico que recrea un matrimonio vendido por 758.000 euros, seguido «La Rose Zombie», del cubano Wifredo Lam, por 628.000, y «Relief No. 285», del brasileño Sergio Camargo, por 557.000.

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Utopía Parkway presenta, hasta el 10 de enero de 2014, una exposición que muestra una parte del quehacer creativo de Concha Gómez‐Acebo desde que se estableció en Brasilia en abril de 2011.

Se trata de 18 cuadros y un trabajo en soporte audiovisual fruto de «una mirada lenta», una contemplación desde el interior.

Si en su anterior exposición en 2010 en esta sala, la mirada de Concha viajaba en un tren de cercanías desde la mañana de la agitación laboral de las afueras de Madrid hasta el silencio del anochecer en la soledad castellana, ahora lo hace en la luz blanca e hiriente de Brasilia, en la naturaleza apabullante repleta de ruidos e insectos que crece con las lluvias y arde en la sequía y «que convive con la violencia, la muerte, lo oculto, lo trivial y lo ingenuo». Brasilia se convierte en su obra en un círculo plástico que recorre el camino del día a la noche, de la sabana tropical del Cerrado al inconfundible urbanismo escultórico de Niemeyer, de la frialdad de sus edificios ideados para funcionarios y la asepsia lujosa de las piscinas del Lago Sul al misterio de sus hoteles y a la vida que late en las vendedoras ambulantes de marmitex.

Este año el CGAC de Santiago de Compostela conmemora su vigésimo aniversario y lo hace con una exposición titulada «93», para recordar el año de apertura al público de este museo diseñado por el arquitecto Álvaro Siza.

«93» es una muestra organizada cronológicamente que presenta obras de más de cien artistas nacionales y extranjeros que trabajan en diversos medios y soportes. La mayoría de los trabajos proceden de colecciones particulares e institucionales de España, Portugal y Francia.

Se parte de la premisa de que, a principios de los noventa, se consiguió discernir un cambio profundo en los modos de producción cultural y los artistas comenzaron a tomar mayor conciencia crítica frente a problemas económicos, políticos y sociales marcados por la crisis de los mercados de finales de la década anterior, por la emergencia de preocupaciones y estudios de género y por una postura más vinculada a una «estética relacional».

«93» combina presencias emergentes en diferentes contextos nacionales con artistas de referencia para esa nueva generación, en una horizontalidad cronológica que permitirá al espectador hacer un viaje preciso en el tiempo. La muestra permanece abierta hasta el 23 de marzo de 2014.

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El volcán es una intervención artística de Marina Núñez comisariada por Isabel Durán que sido realizada para Casa del Lector con motivo de la exposición «La Villa de los Papiros» y podremos ver hasta el 23 de abril.

La obra está inspirada en las fotografías aéreas y por satélite de Pompeya y representa una carta geográfica. Plantea un relato que narra cómo desde la erupción del Vesubio del 79 d. C. se producen nuevas erupciones cada 2.000 años exactamente, hasta situarnos en el año 22079. Este hecho supondrá, por motivos científicos desconocidos, una mutación del Homo sapiens, que se hace resistente a los mil grados que llegan a tener la lava y las nubes de gas.

Además, las tres mujeres que protagonizan la intervención se muestran como etéreas envueltas en la erupción. Las hembras resistens poseen una serie de cualidades extraordinarias y conservan y transmiten en la maternidad todo el saber y la cultura acumulados desde las primeras explosiones prehistóricas del Mons Vesuvius.

La expresión del ADN resistens resulta ser como una gran biblioteca. En el relato se establecen los vínculos de ésta, transmitida a través de los óvulos/neurona de las hembras resistens desde la de la Villa de los papiros de Herculano, biblioteca de contenidos básicamente epicúreos.

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Durante tres días de la pasada semana Yelmo y Cinesa aplicaron un descuento aproximado del 50% en el precio de sus entradas y en todo el país, el número de espectadores se duplicó respecto a la semana anterior (un incremento del 123%) y los ingresos de taquilla se incrementaron un 56% en total.

Las cifras no corresponden en exclusiva a estas dos compañías, pero, unidas, Yelmo y Cinesa suman una tercera parte de los cines de toda España (cerca de 1.000 salas) y su rebaja de precios fue el único cambio importante en las taquillas.

El pasado lunes, el público aumentó un 59% respecto a la semana anterior y los ingresos un 27%; el martes, el público creció un 192% y la recaudación subió un 88%; y el miércoles se produjo un incremento del 118% de público y un 54% en los ingresos.

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El comité de selección de CASA//ARTE ha admitido para su participación en la feria las propuestas de 38 galerías nacionales e internacionales, trece más que el año pasado. La cita se celebrará del 12 al 15 de diciembre en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles de Madrid.

El número de regiones representadas en la exposición también ha aumentado: Madrid será la que más participantes aporte, con 17, seguida de Cataluña, que pasa de dos a cinco. También habrá representación de la Comunidad Valenciana, Andalucía, Baleares Castilla y León y Cantabria.

Como novedad, en esta edición destacan especialmente cuatro propuestas internacionales: tres de Lisboa y una de Berlín, así como la presencia de galerías cuya actividad se apoya en Internet, como Photosai o C6 y Me&TheCuriosity.

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Amar Kanwar ha filmado paulatinamente las transformaciones industriales que han transformado y destruido el paisaje de Odisha desde hace una década. Desde 1990 empresas nacionales e internacionales han establecido en esta región, tradicionalmente agraria, la minería a gran escala, polígonos industriales y explotaciones de yacimientos de bauxita y hierro que han originado conflictos entre las comunidades locales, el gobierno y las empresas por el control de las tierras, los bosques, los ríos y los minerales.

El resultado lo ha plasmado en «Sovereign Forest», proyecto con una visión más poética que documental que hasta el 23 de marzo de 2014 puede verse en la Fundación Thyssen-Bornemisza Contemporary Art de Viena.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta, hasta el 31 de agosto, «Selecciones de la colección del Museo Guggenheim Bilbao IV», exposición que confronta obras de la Colección del centro realizadas por dos generaciones de artistas contemporáneos que investigan espacios de presencia y ausencia.

En la muestra, las obras se han agrupado en dos ámbitos: en uno de ellos, que presenta una dimensión teatral, predomina la figuración; en el otro, prevalece la abstracción. Los artistas se acercan en mayor o menor medida a la realidad, pero con la intención de habitar lo desconocido, de experimentar una revelación para que la realidad deje de ser algo «prefabricado» y se convierta en una experiencia única.

En este espacio se reúnen las obras de tres artistas que abordan la realidad en composiciones figurativas y con cierta apariencia teatral: Elssie Ansareo, Manu Arregui y José Manuel Ballester. Junto a ellos veremos obras de otros tres artistas que se sumergen en la realidad desde la abstracción: Prudencio Irazábal, Darío Urzay y Juan Uslé.

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